心得体会是在个人经历的基础上对所得到的思考与感悟进行总结和概括的文字材料。这些心得体会范文涵盖了不同主题和领域，希望能给大家带来一些新的思考。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇一
绘画构图是绘画创作过程中至关重要的一环。一个好的构图能够使作品更加有吸引力和感染力，能够让观者更容易地理解和接受作品所要表达的信息。在我的绘画创作实践中，我不断探索和学习，积累了一些关于绘画构图的技巧心得和体会。
首先，构图的平衡性十分重要。平衡是指画面上物体、形状、色彩等元素的分布均匀，没有明显的倾斜或偏向一方。一个平衡的构图能够给人一种稳定、和谐的感觉，而一个不平衡的构图则会使人感到不安和杂乱。在进行构图时，我常常利用对称、重复、层次等手法来实现平衡。并且，在选择主题和内容时，我也会尽可能地避免使用过于复杂和繁杂的元素，以免给观者造成压迫感。
其次，构图中的对比和留白是增强视觉效果的重要手法。对比是指在画面中运用明暗、大小、形状等因素形成明显差异，以突出画面中的主题或要表达的情感。而留白则是指画面中的空白部分，它能够为观众提供思考和联想的空间，也能够增强画面的立体感和层次感。我常常利用对比和留白来强化画面的重点和焦点，让观者更容易被吸引和引导。
另外，构图要考虑画面的透视和动感。透视是指在二维平面上通过使用线条和形状的变化，来营造出三维画面的一种手法。透视能够增强画面的立体感和深度感，使画面更富有观赏性。同时，动感是指画面中物体、人物或场景所表现的一种运动状态或变化过程，能够使观者感受到画面的活力和生命力。在我的绘画创作中，我常常注重通过绘画技巧和手法来表现画面的透视和动感，使作品更加生动和有趣。
此外，构图中的色彩运用也是十分关键。色彩对于画面的表现力和感染力有着重要的影响。不同的色彩能够传达不同的情感和心理状态，能够给人带来不同的感觉和联想。在我的绘画创作中，我常常运用色彩对比来强调画面的重点和焦点，使画面更加鲜明和有力。同时，我也会注意色彩的选择和搭配，以营造出特定的氛围和情绪。
最后，绘画构图是一个需要不断学习和实践的过程。只有通过探索和实践，不断积累经验和提高自己的绘画技巧，才能够更好地运用构图技巧。因此，我时常参加绘画培训班和交流活动，通过观摩他人的作品和借鉴他人的经验来提升自己的构图水平。我也会在生活中多观察和感受，不断积累素材和灵感，以便能够更好地表达自己的情感和理念。
综上所述，绘画构图技巧是绘画创作过程中不可或缺的一部分。我通过长时间的实践和学习，总结出了一些关于绘画构图的技巧心得和体会。平衡性、对比和留白、透视与动感、色彩运用等方面都是我在构图中不断探索和努力的方向。不断学习和实践，提升自己的构图水平，是我未来绘画创作的重要目标。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇二
在区教育局的组织安排下，在单位领导的带领下，我参加了4月份的xxx培训。为期三天半的培训过程中，我聆听了专家学者的报告，收获颇丰。
这一次培训，首先聆听了xxx师范大学教育科学学院副院长边霞所做的《对学前儿童美术教育若干问题的思考》专题报告，她告诉我们，幼儿美术活动重结果更重过程，教师应给幼儿创设宽松愉快的氛围，开展具有游戏倾向的美术活动，这样才能调动幼儿的积极性。
活动中一句“谁正被造就，陶工还是陶壶”，让我印象深刻，我的理解是：老师和幼儿都在被造就，老师通过给幼儿上课，各方面都有所提高，过来，幼儿在活动中也学到了各种技能，形成了各种习惯的养成。
上海现代儿童美术馆执行馆长薛文彪为我们做了《幼儿美术教育新概念与方法》的专题报告，并在现场示范美术水粉画的操作过程，讲解了他自己创新的借形想象美术创新方法。
中国早期儿童教育音乐舞蹈教育研究中心主任许卓雅为我们做了《音乐教学游戏化与幼儿学习品质培养》的专题报告。她的报告幽默风趣，通俗易懂，她给我们具体讲解了如何通过音乐领域的有效教学，更好地帮助幼儿养成良好的学习习惯。
虽然只有短短三天半的时间，我却收获了许多。在美术方面，要多给幼儿欣赏作品，无论是幼儿、老师或是大师的好的作品;在绘画过程中更注重幼儿的绘画时的兴趣，将游戏融入到其中，给幼儿创设宽松愉快的氛围，我想这样的过程产生的结果一定是预想不到的。在美术的教学方法中，我也可以借鉴薛老师的借形想象，让幼儿在想象中创作出不同的作品。
在音乐方面，回顾原来的教授方法，有很多不足的方面。有的时候给幼儿预设的目标太简单，不知道怎样一层一层加难度;有的时候给幼儿预设的目标又太难，幼儿根本完成不了。回顾许卓雅给我们的培训，我深刻的理解了音乐游戏每次教学都是在学习者认可前面一难度层次的学习已经通过的情况下，才进行新的难度挑战;并且在各种音乐教学活动中，如果教师能够经常有效地创设情境，让幼儿能够被合理的教学目标所激发，通过自己的努力，在各不同种学习情境中都能够不断获得新的成就，那么，在不断获取新的自我实现高峰体验需求的驱动下，全身心投入学习自然就会成为他们自己主动追求的事情!同时，老师也培养了幼儿们的各种学习品质，如注意力，观察力，思维力，原有经验应用能力，自我管理能力……在培训中，看了扬州幼儿园和xxx一幼幼儿园的音乐课，她们主要就是让幼儿自发地去感受音乐，去理解音乐，幼儿在享受音乐的同时提高了感受音乐的审美情趣和审美能力，同时也满足了幼儿的求知、求成的需要，通过成功的学习经验又增强了幼儿的学习自信心和自我效能感。
通过这次培训，我理解了如何通过艺术教育的有效教学活动，更好地帮助幼儿养成良好的学习习惯，在“热爱学习”和“善于学习”两方面怎样促进幼儿学习品质的不断完善。在以后幼儿园的教学中，我本着这个目标，努力尝试培养幼儿的学习品质，更好的激发幼儿的好奇心，发挥幼儿的好奇心，让幼儿更好的在学中玩，玩中学。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇三
绘画构图是绘画创作过程中至关重要的一环，它决定了作品的视觉效果和表现力。在长期的实践过程中，我逐渐摸索出了一些构图技巧，使我的作品更加生动、有趣和具有艺术性。以下将结合我个人的体验，分享一些关于绘画构图的心得体会。
第二段：平衡构图的原则。
绘画构图的一个重要原则是平衡。首先，在画面中物体的位置应该谨慎选择，避免集中在画面的一侧或者是只将重要元素放在画面的中央。其次，要注重画面的整体性，通过合理布局各种元素，使画面的左右上下对称或者是形成黄金分割等比例关系，增加整体的和谐感和美感。
第三段：运用线条和空间构图。
线条是构图的重要基础，它不仅可以连接画面上的各个元素，还能够引导观者的目光。我发现，在构图时要注意运用线条的方向和变化，画出动态感强的线条可以使作品更富有活力。同时，空间构图也是非常重要的一部分。在绘制三维物体时，要善于运用透视和投影的原理，合理安排物体的位置和大小，使画面显得更有立体感。
第四段：色彩和光影的运用。
色彩和光影是绘画构图中最能吸引观者眼球的部分，运用得当可以让作品更富有魅力。在选择色彩时，要根据作品所要表现的氛围和主题进行选择，同时避免颜色过多过杂，以免干扰观者的视线。光影的运用也是非常关键的一步，通过增强或减弱光影的明暗对比，可以使画面中物体更加立体、有质感。
第五段：小技巧和总结。
在绘画构图过程中，还有一些小技巧能够使作品更加出彩。例如，选择适当的前景或背景元素，能够增加画面的深度和层次感；布局对称或对比的元素，可以制造画面的平衡和张力；运用重复或反复的图案，可以提高作品的节奏感和整体性。综上所述，绘画构图是一门既有技术性又需要发挥创意的艺术。通过不断学习和实践，我相信，每个人都可以在绘画构图中找到属于自己的风格和技巧。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇四
xxxx年3月5日，我非常荣幸的在乐东中学聆听了王中年老师的'精彩讲座，他的讲课条理清晰、生动有序，时常举一些事例，使道理深入浅出，渗透人心，我被深深的吸引了，长达两个小时的讲座，听起来一点累的感觉都没有，反而觉得是一种享受。
王中年，满族，1943年生于辽宁省凤城市。中国美术家协会会员、国家一级美术师、现为中央社会主义学院、中华文化学院教授。享受国务院授予的政府特殊津贴。早年就读于鲁迅美术学院，后入广州美术学院研究生室，师从关山月、黎雄才等大师。艺术修养全面，山水画造诣颇深，对油画、水彩画、人物画亦有研究，也是一位瓷器绘画艺术家。作品曾多次参加全国美展，并获金、银、铜大奖。1982年起多次在中国美术馆、日本、韩国、新加坡、马来西亚、香港等国家和地区举办个人画展或讲学。部分作品被人民大会堂、国务院、天安门城楼、中央统战部、中国美术馆及国内外博物馆和美术收藏家珍藏。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇五
课前准备工作：
1、每课的学具材料和范作等准备充分，必须自己练过，胸有成竹再授课。
2、内容不可太难，针对不同层次的孩子，宁愿降低主题难度使之自信，技法可在课中渗透。
3、虚心吸取儿童书籍插图和画报的美术创想。不断补充调整自己的教学思路。
4、让孩子看到自己的作品被肯定，例如举办展览和网站等展现形式。授课时教师要稳定，可借课前检查桌面摆放来稳定学生情绪。（例可以教孩子怎样按照左右手的规律和同桌方便的原理摆放物品。）。
1、导入要趣味。开头吸引孩子注意力的方法，用猜谜，讲故事来导入（孩子情绪不可太激动）。确定宣布主题后，可让学生建议画什么形象教师示范画出（可借题发挥的）。教学内容可有童话色彩，有趣味性、哲理性。
2、作业不怕丑。范画后让孩子画画试试，教师适当教学技法。学生作业时，教师巡回指导多表扬少指责，多示范少说教。对有畏难情绪的、没有基础的学生，教师示范适当补充画面，或一点睛之笔构一下图。让儿童把作品主题形象画大些，容易出效果。
3、作品要完整。借助小帮手。最后要引导孩子把画面画完，添背景什么的。可以让美术优秀生做小老师，结对子帮助那些年龄小的，或没有耐心的孩子画完。还可让先完成的进行分组绘画比赛（为老师画完范作也可）。
4、展示很必要最后最能有效带动孩子完成作品的方法是找个固定的地方作为展示区：展评和讲评他们的作业。
孩子学完你这一课，会自己想再画、能画变化的，听了你的引导有想法，这说明你这一课就是相当成功了。所以作为教师尽量要做好课前准备。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇六
幼儿绘画是一种把立体空间关系表现在平面的纸上的艺术活动，幼儿操作绘画时，其构图与造型能力与他的空间知觉能力有密切的关系。我们观察孩子的绘画作品会发现：他们绘画的立体感大多只能注意一些明显的前后位置的差别，不能察觉细微的变化，在一些物体间的透视不明显，或前后关系比较复杂时，会顾此失彼或用过去的形象来补充或调整，错误大大增加；尽管孩子绘画的立体感不成熟，但已开始萌芽，我们应该引导培养孩子绘画的积极性。
为此，按照由易到难的原则，排列了以下的课时活动，有步骤的培养幼儿的空间知觉能力，使幼儿掌握一些简单的绘画技能，让画面具有初步的立体感。
准备一只较大的盘子，将幼儿熟悉的水果：如苹果、香蕉、葡萄等随意放置在盘中，引导幼儿观察盘中水果的前后位置，注意后面的水果某些部分被前面的水果遮住，在绘画时，先画前面的水果，然后逐渐向后画，被遮挡的部分不用画出来。
在天安门图片的前面，放置几个民族娃娃，以各民族娃娃在天安门前拍照为题，引导幼儿观察：幼儿可以看到娃娃的脚的位置，比天安门城脚的位置要低，墙角越高，天安门离娃娃就越远；教幼儿用两条线画出娃娃和天安门的前后位置，先画娃娃，后画天安门。
结合国庆活动，引导幼儿观察周围的行人、彩灯或图片：它们置于无数个远近不同的点上，离我们近的位置低，远的位置高；作画时，教幼儿从低的下部逐渐向上画，并继续启发幼儿在画人群时，适当的画出前后之间的遮挡，使画面显得生动热闹。
在以上几次教学活动的基础上，课余还有组织室内外的幼儿独立观察作画活动，如室内画雨具（伞和套鞋），室外画房子等建筑物，从画面效果看，幼儿的立体感都有显著提高；在幼儿作画时，应该加强个别指导，站在幼儿的位置上，引导他们不断将观察的对象与自己的画面进行比较，让幼儿自己做出判断，纠正画面上那些明显不合理的部分，鼓励幼儿大胆尝试，要照顾幼儿的个别差异发展，切忌用成人的观察去代替幼儿，勉强他们去画那些他们暂时不理解的东西。
对幼儿画画中立体感的培养，是同幼儿对周围事物的兴趣，以及空间知觉能力的发展紧紧联系在一起，相互促进的。在教学活动中，还要多次带幼儿去公园、超市等实地参观、观察，扩大幼儿眼界，增长大量感性知识，这就体现出兴趣与观察能力是幼儿绘画立体感的前提。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇七
学习绘画鉴赏已经有一学期了，其实刚刚开始的时候觉得一个理科生还是计算机科学与技术学院的学生为什么要去开这么一个课程——绘画鉴赏。
这学期学习了绘画鉴赏这门课程，同时也是第一次学习这门课程，当然初中高中有学过几年，多种原因没有坚持下去。嗯，是件挺遗憾的事情。
仅仅是画，还包含多方面的内容，所涉及的面也非常广泛，让我学到了许多，尤其是欣赏古代绘画时。学会了欣赏古代绘画，不能以现代的眼光去欣赏，而要结合历史，讲究意境、章法和笔墨。
通过了解知道：美术又称造型艺术、视觉艺术、空间艺术。它是指艺术家运用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等，塑造可视的平面或立体的'视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。同时绘画鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助学生在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。
这学期我从不了解美术，到懂得欣赏美术；从无视美的存在，到学会发现美；从对美术不感兴趣，到喜欢上美术，这就是这学期学习美术鉴赏课的最大收获。美术欣赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。
通过美术鉴赏课，可以使我们的视野开阔，可以扩宽我们的知识面。在课堂上，我学到了很多知识，也让我学会了如何去真正地欣赏一幅画，以及画家画一幅画是抱着何种心情。还有作者到底在一幅画中所想表达的意思。
美术在现实生活中到处可以感受到美术的气息，一张桌子、悬挂的衣服等等，这些随处可见。学习了美术鉴赏课，让我受益匪浅，对生活粗略的观察也变得细心起来了。我渐渐的发现原来生活那么美好，有时观察一棵树，我会呆呆地看很久，仿佛自己身临其境。
通过学习本课程，可以使我们了解更多的美术知识，提高我们的美术鉴赏能力，培养我们的艺术审美兴趣，而这对提高我们的全面素质起着十分巨大的作用。
虽然这门课程只有一学期，不过我会一直学习关于绘画鉴赏的知识，我觉得绘画鉴赏课教我的不仅仅鉴赏的是一幅画同时也学会如何去看一个人，感谢丁老师一学期的辛苦教导，我会继续坚持下去。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇八
绘画工作坊三个阶段的学习结束了，但是我感觉意犹未尽，感触颇多！有一些是和小伙伴们一样的感受。
如从开始的不会画画到此刻的画的还不错，印证了开始上课时许老师说的一句真理“每个人都是天生的画家”！
再如，透过学习我们不仅仅学到了技术，而且不动声色地有了不同程度的成长，感受到许老师就像上帝的.使者一样一向在给我们传播福音！让我们都打开了自我，使自己和身边人都受益。
又如我们的内心都充满了感激，感激带我们走入神奇的绘画世界的许老师。我们的内心还充满了感动，感动于助教们和立东，向南，永硕的任劳任怨，辛苦付出。我们的心里还满是感恩，感恩曲伟杰心理校园给我们这么好的学习平台！
第一个就是感觉来上绘画课物超所值！其实我上绘画课的目的很low，单纯的就是不想浪费钱。我在20xx年考完二级之后在咱们校园又报了婚师的课程，由于各种原因一向没有上，在和校园沟通，在向南的帮忙下改报了绘画工作坊的课程，上课前对课程没有任何了解，上课也纯属偶然。我是一个能认真学习的人，既然学了就排除万难坚持上好每一节课。很幸运，许老师给了我一个大大的惊喜！有个小伙伴说许老师是风，是光！我想补全这句话，“许老师，你是风，你是光，你是唯一的神话”！
第二个就是我的情商提高了！为什么这么说呢，因为我爱人是一个个性浪漫的人，以前他总说我是没有情商的女人，但是我认为我有。前几天他对我说了一句话“媳妇，你此刻有情商了！”我个性激动！我想对老师说“因为刚好遇见你，留下足迹才秀丽。如果再相遇，我必须要抱抱你！”许老师立刻给了我一个热情的拥抱，感动满满！
星星唱了一首歌，“我们都一样”。有句老话说“幸福的人都是一样的”，我相信我们在绘画工作坊学习的小伙伴们都是一样的，今后的生活必须会越来越幸福！
三个阶段有2天半没来，觉得损失很大，课程里的每一分每一秒都很珍贵，耕地老师的每一句话都充满智慧和能量，伙伴们相处的每个时刻都那样的温暖亲切令人留恋。
三个阶段收获了好多拥抱，收获了好多赞美，收获了天使的守护，收获了好多友情，收获了好多绘画应用实战技能。重新感受自己的生活，再一次望见父母的爱，家人的爱，这爱一向在我身边，这天我再一次望见，深深感动。在那里收获了老师和伙伴们暖暖的爱，浑身热血沸腾，爱在流动，生活是如此完美，自己内在充满力量。
绘画工作坊虽然结束了，但小伙伴们的爱继续流动着。在绘画工作坊交流群中，大家分享着自己的学习感受和心得体会，并用心练习绘画技术，有小伙伴声称后悔错过了本次课程。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇九
前段时间我参观了学校美术系的作品展览，在展览现场，有很多当场画的作品，这些作品十分的优秀，令我无比羡慕，心里一直有个想拿笔画画的想法，所以在报选修课的时候，毫不犹豫地选择了绘画基础。
选修的第一节课迎来了我们和蔼可亲的崔老师，值得幸运的是，崔老师不同于其他选修课老师，她特别希望我们能学到些东西，不浪费宝贵的十六周课。崔老师是一位教学经验十分丰富的老师，她有信心也有能力将我们这些对绘画知之甚少的孩子们培养出来，在她的指导下，我们逐渐恢复了自信。
素描作为一门绘画基础课，以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面为重点，研究造型的基本规律，画面以视觉艺术效果为主要目的。崔老师在遵循这些基本规律的基础上，以个人的独特的绘画技巧让我们尝试了从未体验过的画法。这种富有强烈层次感的绘画技巧让我们尤为赞叹。
德加说：“素描画的不是形体，而是对形体的观察”。崔老师正是本着这样的理念对我们进行超越造型的表现。所以我觉得在这短短的十六周里，我的素描有了一次飞跃式的进步。学会了用眼用脑来画画。并且能把这种表现方法运用到我以后的绘画中。
在此特别感谢为我们辛苦苦付出的崔琳琳老师，并真诚地道一声：老师，您辛苦了！！
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇十
通过这次人文专题课程——中国绘画艺术欣赏几次课的学习，虽然时间并不长，但是对于自己来说还是有一定的收获的。虽然之前并没有任何绘画艺术知识的学习，但是绘画艺术作为从古至今的一种艺术形式，作为承载人类社会与自然社会灿烂文化的艺术载体，是具有非常重要的意义与价值。作为一个从小画画就不好的工科女来讲，当时选这门课程时的确也不清楚这门课程到底是讲些什么内容，对自己的知识体系是否会有所提升，不过在我完成这几次课程之后，对于中国古代绘画艺术有了一个大体的认识，填补了之前这方面知识的空白。同时，之所以为欣赏课程，我想并不是要我们深入地去研究去理解中国古代绘画艺术，只要能对于古人的绘画艺术、绘画形式以及画家想传达的绘画思想有一个大体的认识就可以了。在欣赏和学习的过程中，提高自己的艺术欣赏能力，陶冶自己的情操，这些对于我们这样一直接受理性教育的工科生来说，提高自己的艺术欣赏能力绝对算是一种感性教育，更是对自己创造性思维的另一种激发与培养的方式。
课程中，老师利用五次课程分别介绍了中国近古五大时期的美术绘画艺术，分别是：原始社会至秦汉时期、魏晋南北朝时期、隋唐五代时期、宋辽金元时期和明清时期。每一个时期，都有各自不同的绘画艺术形式与特点，也体现了不同时期社会生活与人们意识的不同形态。在这五个时期里，我对于唐代时期的绘画艺术是最感兴趣的。
唐朝作为中国古代国力最为强势，社会生活最为安定，思想最为开放的朝代，也随之孕育出了繁盛的唐代艺术形式，而其中的绘画艺术也是中国封建绘画的鼎盛时期。唐代的历史也是我了解最多的一个朝代，唐代国力强盛，文化繁荣，唐太宗“柔怀万国”，贞观之治为邻近列国所仰慕。由于唐代具有对各种文化艺术兼容并蓄的非凡气度，儒、释、道“三教”并立，诗文、乐舞、书法、绘画以及文论莫不昌盛。唐代的绘画作为盛唐气象的重要组成部份，为中国美术史留下了璀璨的一笔，绘画名家辈出，见于史册者就达二百余人。唐代张彦远在《历代名画记》中评价初盛唐的作品是“灿烂而求备”，指绘画精神、美学追求、艺术表现和包括构图、造型、笔墨、色彩等技术因素在内的完美统一，这也是对整个唐代绘画风貌的概括。
中国传统绘画中的各个门类，在这个时期都以独立的姿态立于画坛。通过课程和文献了解，唐代的绘画已经分人物、山水、花鸟等科，技法可分工笔和写意。国画传统的核心是“意境”，“形神兼备”、“气韵生动”都是意境的内涵素质，其艺术魅力就是画已尽而意不止，笔虽止，但意无穷。不单单在于用笔，技法，更重要的在于作者要表达的思想境界。画家们的艺术审美思想和审美取向，皆取源于以儒释道为代表的传统文化。唐代绘画折射着儒释道思想的精髓，追求“天人合一”之境。佛、道理论不仅为绘画艺术提供了一个超越时空的广阔的创造空间，而且直接促进画者思想境界的提升。儒家在于对社会理想人格的塑造，在把绘画作为修身养性的手段的同时，指出其“成教化、助人伦”的道德教化作用。唐代张璪总结的“外师造化，中得心源”一直为后人所奉行，指出绘画是一种心灵化的艺术，造化和心源的凝合。唐代的画论、画史著作亦显示了唐代美学理论的深度，与当朝绘画创作一道共同谱写了大唐绘画的辉煌乐章，完善了民族绘画体系。
唐代的诸多著名画家中，我最喜欢的一位是阎立本，可能是因为我和他同姓，所以在看他的画作时，总有一种亲切感。阎立本以人物肖像画著名。他的作品用线劲健坚实，显示出刚劲的铁线描，有丰富的表现力，古雅的设色沉着而又变化，在人物塑造上不仅重视形貌的描写，而且十分着意人物心理与细节的刻画，造型准确生动，因而被誉为“丹青神化”而为“天下取则”，在绘画史上具有重要地位。他画的《凌烟阁二十四功臣图》，由唐太宗亲自为每一位功臣写了赞语。他还画了唐太宗肖像《太宗真容》、《唐太宗纳谏图》等。他画的《步辇图》，描绘了贞观十五年唐太宗会见吐蕃使禄东赞的重大历史事件，唐太宗雍容大度有气魄，禄东赞的谦卑有礼又自信的神态皆刻画的生动传神，气氛隆重而融洽。歌颂了唐太宗的英明睿智，记录了汉、蕃两族的友好。他画的《职贡图》描绘了南洋的婆利国、罗刹二国的使节前来朝贡，途中又与林邑国结队，全幅共二十七人，画中人马各自成组，由右往左前行。描绘出初唐时“万国来朝、百蛮朝贡”的情景。
人物画是以人物形象为主体的绘画之通称，在唐代绘画中仍占主要地位，大体分为道释画、肖像画、仕女画、风俗画、历史故事画等，取得了极高的成就，无论是吴道子、阎立本、周昉、张萱还是带有西域画风的尉迟乙僧等，均对后世产生了重大的影响。唐代道释画兴盛，重要人物画家皆擅佛道壁画，当时宫殿、衙署、厅堂、寺观、石窟都有壁画装饰，气势恢宏，色彩灿烂，塑造的佛道故事中佛、菩萨、神仙等栩栩如生的形象，飞天凌空飞舞，表现天国世界的美好，画面的繁复与盛大既给人敬畏与向往，又给人以美感与享受。壁画艺术水平也非常高超，外型描画准确而生动。唐代卷轴画也开始兴起，并因便于创作、收藏、观赏而逐渐流行。
在课程的结束，对自己的课程进行一个总结，梳理了一下课程内容以及课件知识，又自己在网上找了一些关于阎立本、吴道子的绘画评价，虽然对于同一画作也有不同的艺术评价，但大都也是对于表现手法的一些分歧，主题的脉络都是一样的。在我看来，艺术对于不同的人来说本来就有不同的理解，只不过在我们接受了一些艺术欣赏的指导和熏陶，对于理解和欣赏艺术作品就更为深入与细致，也能逐渐体会到作品所体现出来的创作者的思想与灵魂，我认为这就是学习欣赏艺术的真谛所在。最后，感谢李老师这几次课程的悉心指导与耐心讲解，在课程结束时让我有所收获有所提高。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇十一
绘画构图是绘画创作中至关重要的一环，它决定了画面的结构、平衡与美感。有着丰富经验和技巧的画家们在实践中总结出了许多有效的构图方法，今天我将分享我的一些心得体会。
首先，构图的基本原则是平衡与对比。画面的平衡是指画面元素在空间上的平衡感，对比则是指画面元素之间的对比关系。在构图时，我们需要让画面的元素分布均衡，避免画面左右重量不平衡或者密集与稀疏不均的情况出现。同时，通过对比关系的设置，可以突出画面中的主题，增强视觉效果。例如，可以通过色彩对比或者明暗对比来增强画面中的层次感和立体感。
其次，给画面添加一个主题或焦点是构图的重要手段。画面中一个突出的主题或主体可以使观者更加容易理解画家的意图，同时也能增加画面的吸引力。要实现这一点，可以通过各种手段来突出主题，如放大、夸张或者通过对比使主体更醒目。
此外，透视是构图中常用的技巧之一。透视是指在二维平面上通过画出一些特定的线条，使画面呈现出三维空间的感觉。透视可以使画面更具有立体感，增加观者的投入感。这个技巧需要我们通过学习和实践不断积累，掌握合理运用的方法。
还有一个重要的构图技巧就是使用线条引导视线。线条可以在画面中引导观者的视线，从而实现画面的层次感和引导视线的作用。我们可以利用线条的形状、长度或者方向来引导观者的目光，达到画面中元素关系更加流畅与和谐的效果。这种技巧在绘画中经常被使用，可以帮助观者更好地理解画家的意图。
最后，构图时的整体感觉也是必不可少的。画家在构图时需要关注整体画面的效果，而不仅仅是个别细节。通过调整画面的整体构图，画家可以达到整体与部分之间的和谐，从而更好地传达画家的情感和意图。在实践中，我们可以通过多方位的锻炼来提高对画面整体效果的把握。
绘画构图技巧是一项需要不断实践与学习的技巧，因此画家们需要在不同的创作过程中不断探索，积累经验。通过实际操作和不断反思，我们可以逐渐提高自己的构图技巧，并且在实践中创造出属于自己独特的构图风格。希望我分享的这些心得能够对其他绘画爱好者有所帮助。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇十二
今天又是一次绘画课，有点感触，来说几句。
我发现家长们来接孩子的时候，第一句话就说：“看看你画的？没老师画的好看啊~”
实际上，我觉得“画的象不象”只是家长们对孩子绘画作品中形象的一种评判，俗话说：“照猫画猫，照虎画虎”，其实说的是一种模仿和观察力。由于幼儿的认知、思维的局限，在观察事物时不可能很全面，也许只抓住自己看到的某个特征，这时大人们就会觉得不象，但是在孩子看来，她看到的事物就是这个样子的。只要孩子捕捉到了事物的基本特征，那么我们就不能单纯的从象与不象来评判孩子的绘画作品。
孩子不是为了绘画的结果而画的，对于他们而言，并不计较画得象不象，而是他们在画、在涂，他们沉浸在这个过程中，在这个过程中思维，在这个过程中成长。绘画就是他们自我表达的一种语言。我们应该多支持多鼓励孩孩子。
我们老师在选择幼儿绘画题材的时候，就已经考虑到了是否适合孩子的年龄。
在孩子绘画过程中，有时候孩子画错了怎么办？通常我们的做法是让他们干脆换张纸。但有时我们也会将错就错，鼓励孩子另辟新径。
绘画的过程也是孩子在想象的过程、思维的过程、表达的过程。所以当看到孩子画出我们难以理解的“怪物”时，或看到画面上互不相干的事物时，我们不必惊讶，因为孩子眼中的世界原不同于我们成人眼中的世界。
你可以请孩子解释一下，或许你会有很多惊喜的发现——孩子的想象原来这样丰富，孩子的思维原来这样有趣，你可以从中了解孩子的世界。同时孩子在解说过程中，大脑经过记忆改造、表象重构等过程，这将促进他抽象思维的发展。
一次绘画课，我发现妍妍左顾右盼迟迟不肯动笔。问她怎么了，她低着头小声说：“上次画的画，妈妈说我画得乱七八糟，一点也不象。”这位妈妈的“心直口快”竟使孩子驻笔不前。不要轻易否定孩子，尤其在不了解孩子所思所想的情况下。孩子是从别人的眼中认识自己的，如果他得到的总是否定的信息，渐渐地，他对自己也会持同样的否定态度，而一个人地自我意识将影响他整个人生。所以当孩子向你展示他地作品时，认真地看待他地工作成果，鼓励他，讲出自己地真实感受，与他讨论。孩子在成人认真聆听和注视下也感受到一种成就感，受到重视的成就感。
每个孩子都有她的优点和不足，不要拿别人的长处和你孩子的短处去比较，那样只会伤害孩子，多给孩子重视，兴趣是可以慢慢培养的，在她并不反感的前提下。遇到有什么疑难的问题可以和我们老师及时的沟通，只要我们一起想办法，问题会解决的。
现在我们班的绘画课，我上课的时候也成为了一种享受，感觉就想是你找到了懂你的知音，你说什么，孩子们能立马给你回应，真的很欣慰，现在每次绘画课结束后，家长们来接，都会有这么一句话：“这是你画的啊？老师没帮忙啊？真不错，有进步”
孩子们的点滴进步都是我们老师和家长感到最幸福，开心的事，您说，我说的对吗？
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇十三
引导语：对风景的描绘应该注意哪些技巧与方法呢?以下是小编整理的风景绘画技巧，欢迎参考阅读!
临摹和写生都是色彩训练的必经之路，对美术高考生来说没有选择，必须练习。但如何安排分配练习时间，使临摹和写生相互融会贯通，却是很有讲究的。
1、临摹加快学习速度
临摹就是向优秀的作品取经，向色彩高手偷师，是学习绘画必不可少的一个阶段，是学习色彩的捷径。可以结合学生的实际能力，由教师来精心挑选高考内容相关的范画，提出明确的要求，使学生认真学习作品的精华，加深对色彩规律的认识和理解，学习范画成熟的表现手法、完美的艺术处理以及高雅的审美情趣。这样的学习往往能达到意想不到的加速学习的效果。
考生临摹色彩风景可以分三步：初学色彩时通过临摹了解大致的作画步骤、空间造型和色调处理;中途可以对急需解决和掌握的个别物体或特定景色集中临摹，学会特定景物的作画方法;考前两个月选择高考可能出现主题作临摹和默写的组合练习。
2、风景写生加深感受和理解
色彩风景写生是训练色彩感觉、把握色彩变化规律、感受自然界美的最有效方法之一，具有其他训练手段不可替代的重要性。大自然为我们提供了变化无穷的复杂色彩世界是临摹所无法替代的。在具体教学活动中，首先教师要对写生前期做好充分的准备，有明确的学习目的，使美术高考生有备而来。其次，在具体实践过程中，教师必须有系列循序渐进的教学安排，先易后难，培养学生用整体的眼光比较地观察自然。再次，教师要通过美景激发学生热爱生活、热爱大自然的情感，以美好的情感激发作画热情。教育学认知规律告诉我们只有通过自己独特而真实的感受，才能创造性地再现自然美。实践证明，只有通过实景写生，考生才能在考试中画出色彩丰富而又和谐的高分作品。
1、整体关系优先原则
“整体观念”是一个老生常谈的话题，也是一个较难解决的问题。相当一部分学生“只见树木不见森林”，不是造型、结构不准，就是上调子时死抠局部，使局部与整体脱节。画面的花、杂、乱，虚实关系处理不当，画面色调不和谐都是整体与局部处理不当的结果。作画要的是整体的最后效果，没有整体的局部，再精彩、再深入也毫无意义。忽视整体的局部将最终造成全画的失败，优先照顾整体关系的局部将为画面锦上添花。整体关系还应该特别注意色彩、形式、技法背后的风景画的意境，更多地去品味、去认识它。每一块色彩、每一个形式、每一种技法背后都有着一个鲜活的感觉，都代表着一种精神元素，都是一种生命语汇，抓住了它，也就抓住了艺术的灵魂;掌握了它，我们就有了一种自己的、展现心灵内容的艺术“话语权”，同时也增加了自己作品得高分的几率。训练整体关系有方法和技巧可循，比如用风景照片叫学生作有取舍的构图练习、画16开小稿的色调练习等形式对训练整体关系都很有帮助。
2、局部是整体的基石
虽说整体重于局部，但整体要由一个个的局部组成。局部景物的生动与否直接影响画面效果。色彩风景画要学会一些局部的画法：学会画房子，一般建筑物要画出体积关系，宜用干画法，用笔肯定保留一些笔触的效果会更有块面感，还要注意早中晚不同光线和周围环境色对墙面的影响。画树木要注意种类和形状特征，枝叶茂盛的树以表现树叶为主，注意树冠的形态自然生动、明暗块面有不同层次;枯树则以表现它的主干和枝条的形状为主，尤其要注意一般枝干的明暗变化都是上暗下亮。画水面时注意 “水天一色”是水乡风景画中的一大特色，指水面反射了天空之色。而水面除了反射天空之色外，便是其水的.固有色，只有靠近色彩，景物的倒影才会有其景物的颜色影响;水中的倒影在画面表现为色彩和明暗对比弱，静水的表现技巧常常先用垂直笔法表现倒影，然后用横笔表现水纹：水纹的透视关系是近宽远狭、近长远短、近强远弱。荡漾的水可以用小碎笔法横拖出闪光的波纹。画天空时一般接近山和物体的地方亮，远离物体的地方暗。
画面局部还可以增添画面整体的情调，如下面两幅画中的局部人物就使整幅画作充满了生活情趣，起到“以人点景”的作用。
1、应试是当前任务
对于广大考生来说，应对眼前的美术院校招生考试是最紧迫的任务。应对考试有一些特殊的技巧和方法：首先要合理安排考前训练。一般考前两个月之前宜组织风景写生，通过实景写生丰富自己擅长的色系，提高组织画面的能力。到了考前两个月之内应该选择水乡风情、有房子和树的田园风光、夕阳下的湖面等高考常见题材进行临摹和默写的组合强化练习。白天练习色彩，晚上安排素描课程，以达到最佳的进度。
其次对考试时间分配心中有数。拿到考题要安排10分钟左右审题，认真思考画面的构图、色调、最终效果;构图起稿10分钟左右，确定远、中、近景的位置关系和物体的大致轮廓。铺大调子40至60分钟左右，遵循由暗到亮、由主到次、由后到前的顺序，迅速画出画面的主要调子和冷暖关系。深入塑造占考试时间的2/3左右，具体深入地表现景物的体积、空间、冷暖、主次等，使画面有精彩的局部刻画。调整阶段30分钟左右，应从全局的高度审视全画，调整与整体不协调的地方。
再次做好考试的准备工作。准备材料要齐全充足，用自己习惯的画笔，颜料要挤满，检查水桶是否漏水等。对一些基础不扎实的学生，教师可以让他带两盒颜料，其中的一盒里放教师帮学生调好的颜料，把画树、房子、水面等常见景物的常用色每种调出不同变化的四五个层次颜色，学生可以在考试时直接上相应的颜色。
2、发展是长远目标
考试是一时的目标，今后的发展是长远的目标。想靠考前两三个月突击考上美术院校的念头是很危险的，即使幸运地上了分数线，你的大学生涯也会非常辛苦的。所以愿考生们在平时的色彩练习中尽力提高自己的基本功，为将来大学学习和从事美术工作打下扎实的基础。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇十四
1.画将无脖项，少女应修肩，佛容宜秀丽，神佛须伟壮;仙贤意思淡，美人要修长，文人如颗钉，武夫势如弓。
2.若要人脸笑，眼角下弯嘴上翘;若要人带愁，嘴角下弯眉紧皱。
3.心神畅然手拈须，气怒眼者眼拱张;手抱头者心惊慌，急步行走事紧张。
4.怒像眼桃把眉拧，哀容头垂眼开离;喜相眉舒嘴又俏，笑样口开眼又眯。
5.贵家妇，官样妆;耕织女，应时样;娃娃样，要肥胖;庄稼汉，衣裳越薄越显壮。
6.人各有习，习能有宜，认得此意，画无不奇(泛指人的动作与其生活习惯有关，画者如领会此意，画出人物必须新奇可观)。
7.美人样：瓜子脸，鼻如胆，樱桃小口蚱蜢眼;慢步走，勿奎手，要笑千万莫张口。
8.贵妇样：目正神怡，坐如山立(不歪不倚)。
9.丫环样：眉高眼媚，笑容可掬;咬指弄巾，掠鬓整衣;
10.贱妇样：薄唇鼠眉，剔牙异带，叠眼露掌，托腮依榻。
11.娃娃样：短臂短腿大脑壳，小鼻大眼没有脖;鼻子眉眼一块凑，千万别把骨头露。
12.贵人样：腰肥体重，耳厚眉宽;颈粗额隆、行动猪样。
13.寒士样：头小额窄，口小耳薄;垂眉耸肩，两脚如跛。
14.卑者(坏人)样：口斜胸凸，头低仰视;齿露眉错，必是细作(奸细)。
15.魔鬼样：头如牛、眉如帚、称砣鼻子火喷口，铃铛眼、核桃脸(起皱不平)，锯齿燎牙带耳环，胞臂腿壮生筋腱，袒胸露腹衣不全。
16.老者：抬肩、曲背、呆容、硬膝、转身慢、步平、手战(颤)、起迟、立歌、支杖、头摇摇点点。
17.少者：耳容、佻达、风流、身如弓、行步俏、双袖垂、两眼转。
18.立者：舒眉、凝眉、正容、恭袖、身端、步踱、背前探、手拈指。
19.武者：威容、眉锁皱、挺胸脯、腰劲直、步阔，侧立不可立、肘曲如抱月，手作推舟势。
20.贫者：愁容、锁眉、穷袖、腐肘、摩腕、搔鬓、缩头、耸肩、套手、擦涕、端正步酸子气、低视。
21.富者：欢容、捻指、昂头、仰面、舒眉、抹鼻、拍胸、撑手、圈指。
22.癫者：定眼、呆视、目直、斜步、手摇、头僵、胸露、身侧。
23.醉者：呆容、模糊眼、目倦、步跑、手欲扶、口欲吐、身摇、头垂、坐斜、浑身呈软状、独脚梗硬。
田：平头百姓、频洞脸宽，鼻大口方，耳腮有鬓，刚毅正直，适合表现武将和绿林好汉等一类人物，如《三国演义》中的周仓。
由：稳重自爱、憩静周正、安逸自在、宽待为协、长者之风、仁者之态、适合表现正派人物，如十八罗汉中的布袋罗汉。
国：五官结构，疏密匀称，庄重有谋，才华横溢，深思熟虑，韬略过人，器宇不凡，才须眉之感，适合表现有本领，或大器的人物，如文能表现李白、苏轼;武能表现岳飞、郑成功等英雄名士。
用：平顺正直，秀伟挺拔、满腹经论、纵横言谈、忧国爱民，宜于表现五柳长须的文人秀士，如杜甫、文天祥等。
目：青年俊秀，举止收敛，温雅文静，才思敏捷，风度翩翩，适宜表现小生、小姐一类的人物，如“梁山伯与祝英台”、“贾宝玉与林黛玉”等等。
甲：耳朵外撑、脸颊狭尖、频窄窄短、鬼头鼠形、三角眼眶、绿豆眼珠，适合表现小偷之类的人物，如戏剧《十五贯》中的娄阿鼠、《胭脂》中的毛大等，有时也可表现正面人物，象《水浒传》中的时迁等。
风：刚正慈善、融乐自如、潇洒超脱，不拘世俗，可用于表现仙道人物，如八仙中的吕洞宾、曹国舅等。
申：见财忘义、品格低微、如颜婢膝、露牙咧嘴，宜于表现讼棍一类的人物，如《水浒传》中的差役董超、薛霸等。
同：方形简洁，笑口珠唇、眉淡鼻秀，文相武身，常用于表现少年英雄，如《说唐》中的罗成，《三国演义》的赵云等，有时也可用于表现“如来佛”、“观音”和“文殊”。
王：上大下大，中间狭窄，霸气十足，骠悍勇猛。亦有刚正不阿，侠肝义胆，赤肠忠心。适合表现京剧中的“净”角，如武能表现《薛刚反唐》中的薛刚、《秦汉演义》中的项羽;文能表现《海瑞罢官》中的海瑞、《平妖传》中的钟馗等。
1.龙脸愁的像，出现必升降，龙身扁体甲，其数却无量;鹿角、牛鼻、虾眼睛、鱼鳞、鸡爪、蛇身体。龙有三停：脖停、腰停、尾停。
2.吊眼白额虎、正中写三横、虎尾斑点匀，为数十三整。
3.朝阳啸的凤，姿势欲翔腾。凤有三长：眼长、腿长、尾长。
4.笑的狮子脸，嬉球又跳升;九斤狮身，十斤头，一斤尾巴拖后头。
5.若要画肥猪，腿短拖地肚。
6.昂头挺胸马，画法三块瓦。
7.抬头羊、低头猪、怯人鼠、威风虎、鸟噪夜、马嘶蹶、牛行卧、犬吠篱。画戏猫，常洗脸;画白兔、前腿短;画雄鹰，两口眼;画麒麟，头似龙。
8.十鹿九回首(回首即是招呼群鹿共食，又是勾画鹿时时警惕异兽袭击的特征)。
9.蝙蝠从来行不拘，如龙似虎方称奇，虎头云身自如鼠，两翅斜飞有高低。
10.雀鸟行学画爪嘴;走兽先学画鲤鱼，尾鳃鳍。虫蝶先学画翅膀，花卉先学画瓣蕊。
1.丈山尺村。寸马豆人;远人无目，远树无枝，远水无坡，远山无皴，远阁无基，远船无帆桅。
2.山要高，用云托;石要峭，飞泉流;路要窄，车马塞;楼要远，树木掩。近山不可接远山(指应有隔隙);远水倒可接近水(指近处有湖塘，远处可画水口)，旅舍不宜半山腰，水路最忌去无路。
3.青树叶点点，夏树不露梢，秋树叶稀稀，冬树不点叶。
4.行云：缠延似流水、卧云平摆象如意，大云通身连气，小云巧而生灵。
5.四时点景：正月张彩礼，二月放风筝，三月花丛丛，四月放蚱蜓，五月酒帘红，六月荷花生，七月看天星，八月日当空，九月登高阁，十月调鸟虫，十一月摆盆景，十二月桃符更。
1.牡丹：小瓣尖端宜三缺，大瓣尖端四、五最，老干缠枝如波纹，花头空处托半叶。
2.梅花：枝不得对发、花不可并生，叠花如品字，发梢似燕飞。
3.果实：叶从果间生，不露大块，果中有斑纹，不显全身。
4.大花大果：花大不宜独梗，果大皆用双枝。
5.缠枝莲：梗细恰如明月晕，莲藤形似老苍龙。
1.文相软、武将硬。画戏剧题材时，文戏多用软色，如《西厢记》、《断桥会》、《昭君出塞》等;武打戏多用硬色，如《野猪林》、《李白成坐金銮》等。
2.软靠硬，色不楞。意指画衣装服饰或桌案景物时，大绿和深蓝或是大绿和大红靠近时，必须在两色间加一软色，如红袄要加扮蓝裙子就好;若粉蓝裙子，淡红上衣，腰间可加一深蓝腰带，则显得软中有硬而美。
3.要想精，加点青。古装画中的妇女或书生多用软色，以显清丽，但没有硬色，缺乏对比，故需要在人物衣领、底裙、袖口等处加一黑边，就和娇嫩粉面形成对比衬托作用，显出人物的精神。
4.红靠黄、亮晃晃。画神仙道释红袍黄项光，或红柱黄幔帐，袍带故事中红袍绣黄龙，黄袍骑红马，都显得华丽明耀。
5.精青绿、人品细。画故事画中的妇女，如用粉裙、青上衣、绿腰带;或绿衣、青色裙、粉腰带、画出的人品俊秀细美。
6.要想俏，带点孝。画面中的五颜六色，容易杂乱无章，重点不突出，如果加点黑、白、灰，就能重点俏然突出。
7.黑靠紫，臭狗屎。紫色和黑色都是“硬色”两色放在一起显得楞而不活。在吉庆题材的绘画中，最忌这两色相近，即使是粉紫色也很少和黑色靠近。
8.青紫不宜并列，黄白未可随肩。青与紫色相接近，配在一起不醒目。黄与白明度接近，二者配合在一起容易产生“同化”作用，彼此的个性都显现不出来。
9.紫是骨头绿是筋，配上红黄色更新。紫和绿是间色，红与黄是原色，红与绿是互补色;黄与紫也是互补，利用它们之间的强烈对比关系，乃属用色特点之一。
10.女红、妇黄、寡青、老褐。画少女穿红戴绿得活泼俊秀;画少妇加黄衣或巾带以示贵显;画寡妇身著青色益显肃穆;画老人用褐色最适宜。
11.红忌紫、紫怕黄、黄喜绿、绿爱红。红衣不配紫裤，红袍忌靠紫袍，紫(茄花)色相和黄接近，黄和绿靠近无妨，绿和红配显喜庆。
瓷板画《假寐》赵梦歌
瓷板画《云动》罗小聪
“我出生在景德镇陶瓷世家，记得小时吃饭的时候，使用的就是官窑的碗。”陶瓷艺术家罗英桂十七岁进入陶瓷厂，而在此之前来自家庭的熏陶早已使她深深爱上了古老而美丽的陶瓷艺术。但如今，她所探寻的，是要通过创新超越传统，发展当代陶瓷艺术。她说：“景德镇的陶瓷要完成从工艺到艺术的转化，需要漫长的过渡。而只有‘借力’具有国际语言的当代艺术，进行‘艺术嫁接’，才能加快这个过程。只要具有艺术和思想上的高度，不论是油画家还是国画家，都完全可以在陶瓷上实现自己的艺术想法。”
罗英桂创建的“人间瓷画”长期以来致力于瓷板画创作的推陈出新，营造了一所“没有围墙的学院”，她签约的艺术家也是风格迥异。
刘正作品中重叠相连的人体造型体现了瓷板画具有展现雕塑这一艺术形态的可能性。“我一直觉得我挣扎在一张网中，这张网是由复杂的历史文化构成的。一方面，我需要依赖这张网，使自己不至于悬浮在空中。另一方面，我需要挣脱这张网，使自己减少被束缚的痛苦和被窒息的危险。”这就是他的当代艺术创作理念。他的釉下彩瓷系列作品，立意新颖，逻辑思维缜密，通过具有生命力的线条，张扬了瓷板画的哲学空间。
赵梦歌从优雅的唐代仕女图中汲取灵感，以西方油画技法进行渲染，创造出青花风格的抽象人体作品。她以“我的精神自画像”思想为背景，进入当代瓷板画创作，成功塑造出中国传统文化中女性情感“无时间性”的欲望主题。她的作品不仅展现出了来自内心深处对爱和欲望的理解，还通过熟练的丰满的线条，勾勒出女性固有的想象旋律。在大千世界，具有无限的色彩斑斓的空间，然而真正属于每一个人自己的总是仅有的那样有限的一点，有时候，为了这样有限的一点，需要人付出一生的守候。赵梦歌的陶瓷绘画女性题材，就能够让人充满期待，处在永恒的交错感觉之中。
马丁民的作品借鉴了西方的色彩语言和中国传统画的写意手法，呈现出一种独特的色彩张力和韵味，传达出一种优雅与质朴的东方意蕴。人为控制与自然天成的功底，使得陶瓷颜色釉绘画艺术具有无限的可能性。他认为：为了思考传统，必须抛弃模式的概念束缚，转向经验的创新。他以高温色釉进行绘画研究，保留了陶瓷材质的天然性和生命力，形成陶瓷绘画的一种天然、率真的油画实验方法。
“开始时，习惯了传统瓷器的人们都不理解我，也看不懂我挚爱的瓷板画。但如今情况就不同了。”这些年，罗英桂所提出的当代陶瓷绘画的艺术框架得到了业内人士的广泛赞同，许多陶瓷学院、美院的艺术家都加入了与她的合作。近十年的时间里，罗英桂与近百位国内外艺术家合作，创作了千余幅当代瓷画作品。虽然投入了大量的精力与心血，但罗英桂并不觉得累，她说：“过去，我经常思考，作为深爱陶瓷的当代景德镇人，我们应该为陶瓷做些什么？应该给未来留下什么？如今，当代瓷板画替我解答了这个疑问。”
“历史上的瓷都是景德镇，这没有疑问。但是，到了当代景德镇是不是瓷都，我们曾感到怀疑。但是当看到了当代瓷板画以后，我们打消了这个疑问，瓷都还是景德镇。”在一篇题为《发现瓷都》的文章里，来自美国的一位博士发出了这样的感叹。“中国陶瓷在历史上的辉煌是无法忽视的。而当今中国陶瓷艺术的发展则体现在它的绘画性与当代性上，这一点正是当代瓷板画展示给世界的。”艺术品策展人关蕴科向我们这么解释。
关蕴科认为陶瓷艺术由三部分组成，即绘画、器型、窑变。由于传统陶瓷艺术最大的功能在于它的装饰性，而人们又往往出于实用性的考虑，因而不将绘画这个陶瓷艺术的重要构成部分作为陶瓷艺术的主要内容。对于陶瓷艺术的绘画性千百年来受到的淡化和忽视，关蕴科感到惋惜，“中国传统的陶瓷艺术长期经历着皇权左右的特殊历史阶段，皇帝喜好的图绘，由宫廷画师画好，再带到窑厂交由工匠仿制。因为传统陶瓷上的绘画并不是一次性创作完成的，在工匠们复制的过程中，原作的气韵必然流失不少。这也就造成了传统陶瓷一直以来不被归为艺术品，而被归为工艺品的事实。”陶瓷绘画由于不是“创作”，而是“复制”而成，因而一直属于陶瓷艺术的附属部分。
“这个问题不难解答，其实在清末民初，一部分文人已经思考并着手这个问题了，景德镇的‘珠山八友’就是开端和代表。”关蕴科认为以“珠山八友”为代表的中国早期陶瓷绘画艺术是以民国初期为开端的，而“珠山八友”最重要的贡献就是文人对陶瓷艺术的亲自参与。“陶瓷一直处于工艺品的地位。过去的文人以士大夫、知识分子阶层自居，是不屑与工匠相提并论的。到了清末民初，产生了文人参与陶瓷绘画的新现象。”但由于受到材料、颜料的客观限制以及封建文化背景的主观局限，他们的创作还停留在较为原始的层面。“他们的创作依靠着传统的生活材料和生活经验，在作品方向、主题和绘画语言上都是需要与时俱进的。”
既然传统的'“梅兰竹菊”不能完美地体现陶瓷的艺术价值，那么怎样才能使陶瓷艺术得到真正的艺术独立性呢？如今人们越来越重视绘画性对陶瓷艺术的重大进步作用。“作为当代艺术，陶瓷绘画一定要有国际语言或者说是普世价值观。”那么，同样存在一个问题，在陶瓷上能否出现当代艺术的表现。“过去人们只在陶瓷器皿的方寸之间进行创作，瓷板做到三十厘米已经很不容易。而现在的瓷板最大限度能做到五米的尺幅。过去颜料只有几种，如今瓷板画颜料与油画一样，有无限多种。针对这一现状，我们提出一个概念：瓷板是美术界的第三载体。”对于这个说法，中国有自己的艺术品牌、文化定位和自己的解释权：“去年，我们把一些优秀的瓷板画作品在美国做了一个展览，感受到他们对中国传统陶瓷创新的认可。”
材料的问题解决了，剩下的就是画家的问题了。“传统的继承确实很重要，但那只是对历史的记录，而真正有意义的其实是创新。我认为当代陶瓷的绘画性体现，应该是新世纪中国对国际陶瓷艺术的贡献。”这种承担着历史责任的“绘画性”则不仅仅是传统陶瓷上的青花、斗彩、云卷纹和“梅兰竹菊”，而是一种可以与国际对话的艺术语言。西方人甚至没有办法理解写意的中国水墨画，因而“要在瓷板绘画上表现出当代艺术，则必须要求艺术家本身具有当代艺术的思想。”
如今，越来越多的艺术家关注到瓷板画这种全新的艺术表达形式。“一大批学院派陶瓷艺术家都开始拿出相当一部分精力进行陶瓷艺术的创新，尤其是年轻的艺术家。他们有着相当好的文化理论背景，很多就是学西方绘画理论出身的。”
瓷板画不同于一般的绘画作品，它有釉上釉下之分，因而它既可以造成像油画那样的堆积效果，也可以渗入材质造成国画大写意一般的效果。艺术家们可以根据构思的需要来自己选择创作的手段，这样的艺术宽度是一般的绘画作品无法达到的。比如，姜宝林以白描、大写意为长；刘正则擅以抽象的线条表现肢体和季节的变化；赵梦歌的油画抽象人物则展现了青花大写意的艺术生命力等。景德镇“人间瓷画”日前在中国美术馆举办的中国当代陶瓷绘画艺术展，以近年来国内外著名画家的数千件绘画精品为创作主题，集中体现了当代瓷板画创作的新方向，在瓷画收藏和学术领域都具有独特的意义。
关蕴科说，瓷板画所突出的陶瓷艺术的绘画性，使世界读懂了中国的陶瓷语言，让当代艺术家的创作思维得以在瓷板上表现出来，证明陶瓷艺术仍具有相当的艺术宽度。
王廷佐：字少雄，安徽泾县人。清同治、光绪年间景德镇瓷画名家。其浅绛彩瓷画独具特色，方法是用墨皱染后，再施淡墨浅袾渲染。色泽柔和，操作简便。所作浅绛彩清明雨景小方酒杯，现藏景德镇陶瓷研究所。除山水画，还擅长画猴。
程 门
程 门：字雪笠，安徽歙县人。清光绪时景德镇瓷画名家。擅长浅绛彩绘山水、花卉瓷画。邓之诚《骨董琐记》中称许其瓷绘“极勾勒渲染之妙，得者珍之”。其子次笠、小笠承父业，都是清末民初著名瓷画家。
收藏大鳄涉足瓷板画看好其升值潜力
综观近年来的拍卖市场，在书画、瓷器价格纷纷走高的情况下，瓷板画开始成为收藏新宠。作为陶瓷收藏品中的高端品，瓷板画的价值随着近年来瓷器价值的升温出现几级跳。
北京保利集团2012年的春拍中，首开“新月雅集——民国文人瓷绘与现当代艺术陶瓷专场”就取得不俗成绩。其中，民国“珠山八友”之一的景德镇瓷画名家何许人的作品粉彩四季山水长条瓷板挂屏(四屏)以2242.5万元人民币成交，刷新艺术家作品成交纪录，创八友瓷价格新高。拍得此幅作品是资深收藏大鳄包铭山，他是新疆广汇集团广汇美术馆馆长。
近年来，包铭山在拍卖市场叱咤风云，事实上，他在30年前就开始涉足收藏，自九十年代初进入拍场，多年来致力于中国近现代书画的研究与收藏，是国内最早涉足拍卖圈的资深藏家之一，张大千的《侍女》，林风眠的《仕女》、《山水》以及徐悲鸿《九州无事乐耕耘》等作品均被他收入囊中，并将于2013年广汇美术馆开馆时正式展出。
包铭山此次在保利高价拍得何许人的瓷板画作品令人震惊，这是佚今为止瓷板画珠山八友作品拍出的最高价。包铭山认为，历代传世的和出自近现代名家的瓷板画都具有不菲的收藏价值，加上目前已经有许多当代画家参与在瓷器上作画，瓷板画潜力巨大、行情将井喷。
据了解，在明朝时期，中国陶瓷之乡景德镇就有大量瓷器出口到中东、亚洲、欧洲等地。瓷板画就始于明代，其艺术地位经历了几度起落后的今天可谓百花齐放，大型瓷板画的佳作不断涌现，山水画的气势磅礴，人物画的形神兼备，花鸟画的多姿多彩，使瓷板的创作达到了一个新的境界。越来越多在书画界享有名气的书画家参与陶瓷绘画，进行艺术探索。其中不少当代名家的瓷绘板画作品在艺术品市场上走强。
瓷板画是在平板素瓷上手工绘画后再经高温烧制所成的陶瓷艺术品，明清时期开始，瓷板画日益兴盛，清末民初，瓷板画几乎成了达官贵人家中必备之物，艺人们纷纷设立画室，陶瓷工艺中的青花、五彩、釉里红等等在瓷板画上得到充分发挥。而在众多作品中，以民间技艺超群的陶瓷艺术家“珠山八友”的作品最受欢迎，清末民国瓷器大热时，“珠山八友”瓷板画的市价甚至堪比清末官窑。
据悉，“珠山八友”成员分别是王琦、王大凡、汪野亭、邓碧珊、毕伯涛、何许人、程意亭、刘雨岑，他们从事瓷画创作的年代大约在20世纪初至20世纪60年代。其中，“珠山八友”之一的代表人物何许人终其一生探索瓷上雪景山水技法，独树一帜，开启了景德镇瓷上雪景山水画之先河，并发展成为具有景德镇特色的一个瓷绘体系，影响了一代又一代的瓷画名家。
几百年来，瓷板画在陶瓷艺术与绘画艺术的边缘获得了发展空间，呈现出旺盛的生命力，并将陶瓷艺术推向了更高的境界，使他们具备更纯的文化品格。瓷板画的价值也不断在升温，继2011年5月中国嘉德(微博)的拍卖会上，“珠山八友”王大凡的一幅《禹王治水图》 粉彩瓷板画拍出920万元的高价后，保利集团在今春拍卖会上的“新月雅集——民国文人瓷绘与现当代艺术陶瓷专场”表现不俗，成交额近8400万元，除了刷新艺术家作品成交纪录的何许人的粉彩四季山水长条瓷板挂屏，王步粉彩东篱秋菊图象耳尊成交额也达到908.5万元。现当代艺术家的作品也不遑多让，戴荣华1990年作粉彩四美图花鸟双面釉长条瓷板屏风(四屏)也以667万元成交。
据悉，2011年开始，文化部与对中国外文化交流协会先后在美国等地举办陶瓷艺术精品展，作为中美高层文化交流、中日韩文化部长交流的项目之一，让瓷板画走向世界。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇十五
静态速写指在一段时间内相对静止不动的动态，如男女青年站姿或者坐姿、看书等。此类考题主要是考查考生对人物整体结构的把握能力和表现能力。静态速写考题经常出现，其目的是要求考生把对象的结构比例画正确，形象刻画充分。但是由于绘画的参考对象是静止的，所以考生还是比较容易掌握的。
2．动态速写
动态速写有规则性动态和不规则性动态两种，它是现在美术高考中速写命题的大趋势。
规则性动态速写是指绘画对象进行规律性地重复运动的动态。如拍篮球这一动态，主要是速写对象基本的位置不变，只是局部处于循环往复的运动动态；又如跑步的动态，主要是速写对象整体所做的规律性动作。今年广东联考的速写考题是要求考生画骑自行车的人，就属于此类。画动态速写，关键是要抓住有代表性的某一动作瞬间。一般来说，一个动作在开始或结束时较有代表性。
不规则性动态速写是指那些重复动作较少的动态。如打球、舞蹈等动作，要画好这些动态对于考生来说是比较困难的，但是，这些动态形象在生活中往往也会反复出现，虽然说千变万化，但如果考生反复观察过这些动态形象也就不难了。因此，考生要画好不规则动态速写，除了要掌握解剖知识和运动规律外，还要多关注现实，随时随地留意观察生活中人物的各种动态特征。没有一定的生活知识，我认为是很难画好这类速写的。
二、多个人物的场景速写
表现某一环境中的相互关系的几个或一群人的速写称为场景速写。美术高考中的场景速写一般以人物为主体，以环境为辅，如市场一角等，主要是表现几个人物形象为主的一个小场面。人物一般要求三个以上，画面要有生活情趣。那么考生一定要交代清楚人与人之间的动态、神态，人与物之间的相互关系。当然，最重要的还是要自然生动、主题突出，有主次、有呼应、有远近，不能各不相顾，缺乏对比。这类速写考查的主要是考生的表现能力和审美能力，虽然难度较大，但是有天赋的考生也会脱颖而出，所以那些专业性比较强的高校一般都会采用类似的考题。
人物速写考试的要求
一、人物基本结构与比例准确
考生要理解人物结构的透视、比例、穿插以及运动规律，采用概括的手法来表现人物的动态特征；在对大的形的把握的同时，要注意交代每个转折部位的相互关系，注重绘画的视觉感受，这是画好人物速写的前提。
二、人物的动态协调舒展
一幅好的速写也会给人强烈的审美享受，这是无可辩驳的事实！好的速写必须要求描绘对象的动态自然、协调，让人看起来比较舒服。要达到这一点，绘画者的眼光就显得尤为重要。所以说如何构图，怎样选取绘画角度，怎样的姿态更合乎审美情趣，这些都是考生要思考的问题。
三、线条要有较强的`艺术性
线条主要是通过长短、轻重、疏密和浓淡来表现的。流畅的线条可增强画面表现力和生动性。线条与形体结构的巧妙结合，是生动表现人物的前提。以浓淡、缓急的线条来表现人物，有利于增加层次感，区分质感，提高艺术的感染力。
四、用笔果断概括
用笔的果断与否，直接反映了考生对速写技法掌握的熟练程度，同时也反映出了考生的个性以及绘画修养。那种犹豫用笔的速写是很难表现出速写的感觉的！考生应牢牢把握住整体、大局，以最简练的用笔去概括地表现对象的主要形象特征，适当放弃一些细微末节，这样才能达到速写的有效办法。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇十六
明白画画的诀窍,可以立刻提升你的绘画技巧。以下是为大家分享的6大绘画技巧，供大家参考借鉴，欢迎浏览!
绘画是一种艺术，不是一项普通的工作，作画过程中作者的思想、情绪、感受极大地影响着画面的最终效果，没有思想、没有激情的画面是空洞、没有感染力的。有的同学认为“画得多了就提高了水平”，于是一味地增加作业数量，盲目延长作画时间、好像只有这样才算“努力”。而实际上呢?由于身心疲惫，作画时已经是漫不经心、胡思乱想、精力不能集中了，何谈“思想”与“激情”?其作品也只能是徒有形式，毫无神采，“多画”是在“画好”的基础上多画，而不是无目的的多画，在作画时出现厌倦情绪时可休息片刻，或改色彩、速写，实行自我调节。只要用“心”作画，就一定会使自己的艺术水平得到有效提高的。
“整体观念”是一个老生常谈的话题，也是一个比较难解决的问题。相当一部分学生“只见树木不见森林”，不是造型、结构不准，就是上调子时死抠局部，使局部与整体脱节，画面花、杂、乱，作画要的是整体的最后效果，没有整体的局部，再精彩、再深入也毫无意义。既然整体是关系到一副素描作业的成败，那么处理好局部与局部、局部与整体的关系就显得尤为重要，“专注局部，忽视整体”将最终造成“整体”的失败。
有的学生素描基本功应该说不错：构图完整，造型准确，线条流畅，体积感强，并且深入得十分细致入微，面面俱到，对所画对象、背景的任何一个细节都不放过。像这样的作品只能算是“技术熟练”，而谈不上“艺术高超”，因为画面没有重点、没有取舍，什么都画其实就等于什么都没画，所以在深入时一定要通过认真观察分析其结构、特征，结合自己的感受，将对象理性地、艺术性地反映在画面上。要大胆取舍，该突出的刻画入微，该省略的一带而过，做到有主有次，有详有略，千万不能“眉毛胡子一把抓”。
在很多学生中存在着这样的问题：喜欢画写生，不愿在临摹上花费时间，也不屑于临摹。这种认识是错误的。临摹是学习的一种重要方式，每位成功的画家都通过深入学习、研究、借鉴前人的作品汲取了大量的营养，为成功奠定了坚实的基础。通过临摹优秀作品来学习他人的宝贵经验，可以使视野开阔，思维更活跃，头脑更具有理性，实现作画水平的有效提高，实在是一件很“便宜”的事。
在重视临摹的同时也必须要注意一些问题：
二是对临摹作品要有一个理性的认识，不能全盘照抄，要做到去粗存精;
三是临摹要有一个“度”，要与写生结合进行，临摹是学习手段，写生才是目的。要避免因盲目、过多的临摹而压制思维，束缚个性的发展。
有的同学忠实贯穿“苦练”战术，作画非常刻苦、勤奋，但水平却长期停滞不前，许多问题依然存在。虽然他们很“勤奋”，但不会总结经验，不知道要解决的问题，也就更谈不上如何解决问题，这种“勤奋”只能算是漫无目的`的蛮干。“人贵有自知之明”，我们一定要清楚自己的优点和缺点，在保持优点的同时，针对性地去克服与解决存在的问题。
素描是造型艺术的基础，对考生考查的主要是素描的方法和造型，但不同的院校对素描的画法、风格是有一定的偏好的，不同科系、专业对考试的命题、作画要求和评分标准也有所不同，“知己知彼，百战不殆”，所以，根据自己的报考意愿、针对不同的院校、专业的不同特点、要求，确立学习目标，做到有的方式学习和训练，也是美术高考取得好成绩的一个重要方面。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇十七
绘画艺术在二度平面上创造物象与空间，展示现实生活与想象世界的多样景观，传达人的思想感情。下面是小编为你带来的如何提高绘画技巧 ，欢迎阅读。
有些人画了好多年的画，真正领悟到绘画的真谛可能只在一瞬间。
——前言
很多时候，我们问别人如何学好画画时，往往只得到一个答案：就是多画多练多观察。当然我也知道多练多观察才能画出好画，但是我总感觉里面还有些什么东西隐隐需要我们去了解，不然盲目的去画去练，我们越画越糟糕，心情也变得烦躁，不想再画下去了。
这里把我的学画的经历和感悟写出来与大家分享，希望能帮助更多还困在里面的朋友走出来。
当初我还是一个初学者的时候，虽然我很喜欢画画，但是无论我怎么画怎么改，就是画不好，更要命的是，明明知道不好看，就是找不出原因。
我没经过正规的美术培训，所以学画时比一般专业生要累很多。虽然以前有上过美术课，老师也只是简单教我们画些基本立方体和苹果，然后我们就跟着画，很多都是靠我们自己的感觉去画画，结果发现越画越不对劲。
画了好长一段时间，我的画画水平一直没有多大的进步，顶多也就把整体画得看起来舒服一点。水平一直上不去。很是苦恼。
直到后来我悟出了下面几点绘画要领之后，我的绘画水平才慢慢走上专业轨道。
我的绘画技法突然间提高经过几个转折点，这几点说起来很简单，却是花了我好长的时间断断续续摸索出来的。
采用长线作画。
刚开始学画的时候，总喜欢一点一点慢慢的描，花了很多时间，终于把一个物体画完了，最后一看，很不专业，线条看起来很乱。这段经历延续了好几年的时间，后来经一个人的无意中的一句话，才知道应该采用长线画画，顿时发现好轻松，以前花一两个小时才能打完的线稿，用这种方法，半个小时就可以画好了。用长线作画，第一次让我感受到的画画的快感。
整体作画。
以前画画的时候，习惯从上往下画，或从左往左画，或先把一个细节画得非常好，再画其它的。最后花了几个小时画下来，发现走型了。
后来我开始采用定点，用长线连起来，从整体入手，先把大体轮廓打出来，再刻画细节，从此画面整体效果及物体结构再很少出现变形或变歪的情况，速度也提高了好几倍。
暗部尽量加深。
很长一段时间画画时，暗部不敢涂黑，担心会把画弄脏，而最后画面都是灰色的，没有立体感。后来采用电脑画画时，才敢画黑。从此我的画体积感要比以前强很多，画面再也不是灰色的`。
学会铺大调。
以前不管是上色还是上明暗，总喜欢一块一块的上，上好这一块，再上另一块，整张画上完色下来，发现很不协调。后来因为偷懒，想画得更快一些，就给它大体明暗，结果不小心发现了这种方法，很科学，很实用。从些绘画技术又更上一层楼。
理解透视原理
以前画画时，总找不出图变形的原因，其实变形80％都是因为透视错误，百分之20％是因为结构错误，当我研究了透视原理后，不但知道近大远小，近实远虚，近疏远密等原理，还知道什么是一点透视，两点透视和三点透视。到后来研究的四点透视，五点透视，曲线透视，对我的创作都有相当大的帮助。现在想画什么角度就画什么角度，很轻松。学透视，关健在于理解。理解透了，你的作品效果也会极速提高很多倍。
光影的一致性
很长一段时间，一直观察不好光线，总感觉这里光那里也有光，最后画的时候也都留光，结果一幅画下来，到处都是黑点和光块，很乱很脏。
有时候是上半身光从左，下半身光从右，经常发生光影混乱。虽然当时感觉挺好，但是后来看多了大师级作品，才发现自己的作品很不符合常理。从那开始，我才注意到画画必须要设定一个主光源，光和影必须要一致，我的作品又提高了一个层次。
放松心情作画
以前画画时，总喜欢看个东西画（临摹），才能画得出来，如果什么都不看，自己想脑子就会一片空白。不知道从哪下笔。
后来一次搬家，很多书都没带，自己很无聊就拿笔乱画，自己想到什么画什么，突然间发现好轻松，再也没有那么多的条条框框约束，那个时候起，我才第一次体会的画画是件最快乐的事。想什么就画什么，那种感觉很舒服。 从此我再也没有临摹过任何东西，也喜欢上了原创，相反我还感觉临摹是一种痛苦。
采用电脑作画
以前画画的时候，什么都是一笔一笔画的，往往一幅画下来，花了很长时间，效果都不是很理想，后来开始接触电脑绘画后，发现以前用很复杂的方法表现的一个效果，电脑只用一个滤镜几秒钟之内就可以表现了，从此我发现了一个神奇的绘画世界！
后来再去研究物体的结构，体积，透视，光影，空间，质感，力学，色彩等等，绘画手法也越来越成熟，发现绘画的世界真的很精彩。
初学者要一下子改掉以前的绘画习惯，估计得经过很漫长的心理斗争。
什么时候突破了以上几点，你的绘画水平肯定会闪电般的提高！
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇十八
生长在湖泊、湿地，全身洁白，弯曲的脖颈、修长的双腿，给人一种亭亭玉立的感觉，尤其是那头顶一点鲜红的颜色，更加显得妩媚、动人。
主要以鱼为食，主要的生长结构包括：头、颈、身体、翅膀、尾、腿等几个主要部分，本章内容主要介绍丹顶鹤的头的画法。丹顶鹤的画法在中国画中主要有工笔、写意两种。
使用工笔画法表现丹顶鹤的头颈部时，首先要使用白描画法来勾勒鹤的外轮廓型，并且要根据丹顶鹤头颈部不同的颜色来确定墨色的深浅。第一步，使用浓墨、较干的笔勾画鹤的嘴，一般来情况下，使用较细的毛笔，如叶筋、红毛、衣纹笔等，画出的线条流畅且富有韧性。鹤嘴部分用三条线来表现。第二部，画鹤的眼睛，画鹤眼使用同样的较浓墨色，画一个椭圆形，在靠近嘴的部分点出瞳孔。第三部，画鹤头颈部黑色斑纹，先用铅笔浅浅勾画出黑色斑纹外轮廓，再用罩染的`方法逐遍罩染，直至达到预想的效果。第四步，用浅墨勾勒头部羽毛，注意层次关系。其次在勾勒完线条后，利用分染方法，分染羽毛，这个步骤颜色要浅，逐步完成。
第一、第二步与工笔方法相同，第三步使用大白云笔饱蘸较浓的墨色，由眼睛下方开始，呈“s”型画出颈部斑纹，收笔时用力要轻，可以出现飞白效果。第四步用较浅的墨色勾画头部羽毛，按鹤的生长结构勾画至颈部，这样，一幅写意丹顶鹤的头部形象就已经完成。
前面我们已经介绍过丹顶鹤的头部画法、腿的画法，本章继续介绍怎样画出一幅完整的丹顶鹤作品。
丹顶鹤 谭照昆
丹顶鹤的中国画画法一般情况下有两种形式--工笔画法、写意画法。其中工笔画法表现细腻，把丹顶鹤的型表现的淋漓尽致，能够把极细致的内容表现出来，比如层层覆盖的羽毛、腿上的鳞状斑纹等；而写意画法主要表现出丹顶鹤的内在神韵，用笔自然潇洒、不拖泥带水，画面产生一种空灵、幽雅的视觉效果。下面分别介绍两种丹顶鹤的画法。
运用工笔画法表现丹顶鹤，在选择工具材料上极为考究，笔一般使用像红毛、衣纹、叶筋等较细的毛笔，纸张一般选用像清水、云母等较好的熟宣纸，颜料也基本使用块状颜料，颜料加水浸泡，再细细研磨后才能使用。
运用工笔画法表现丹顶鹤的步骤为：首先要勾勒线条。勾勒线条前最好先用木炭轻轻的勾勒出丹顶鹤的外部形状和主要结构，然后从丹顶鹤的嘴部开始勾勒。用笔时要注意线条的力量变化，起笔、收笔用力较重，中间行笔轻，这样勾勒出的线才会有耐人寻味的效果。其次要进行对丹顶鹤的局部分染，分染对表现丹顶鹤极为重要，尤其是对羽毛的分染，能够把羽毛层层的覆压关系表现的十分清晰，视觉效果良好。第三是进行罩染，如颈部斑纹等，用较浅的墨色一遍遍的把要罩染的部位表现出来，直到画面达到满意效果为止。
用写意画法表现丹顶鹤比使用工笔画法简单，但是在表现时要注意墨色的掌握，要按照丹顶鹤不同部分的深浅来调试墨色，如在表现羽毛时，要使用极浅的墨色表现，这样才能把丹顶鹤的洁白的身影表现好。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇十九
漫画是绘画艺术的一个品种，常采用夸张、比喻、象征等手法，讽刺、批评或歌颂某些人和事，具有较强的社会性，也有纯为娱乐的作品，有较强娱乐性，娱乐性质的作品往往存在搞笑型和人物创造型。以下是小编整理的关于漫画人物绘画技巧，希望大家认真阅读!
如今就让我们从最常见的幽默诙谐的画面式眼球--“美貌女子型大眼”的画法着手啦。先画一条上进弯的曲线,曲线无上处的线条要画得些微粗些。这处我们画的是脸部右面的眼球(也就是人物的左眼)，因为这个曲线左端要比右端高(日式的大眼球眼犄角儿有点耷拉，楚楚怜惜的模样，然而垂得太利害了，虬龙女便会成老龙婆)。 实际上这个还没成型眼球的顶端并非完美的曲线，而是稍带些棱角。也有点类型的眼球几乎绝对在正顶端屈曲.
擦掉匡助线，在眼球里边画一个长的鸭子蛋圆形。也有点幽默诙谐的画面人物的虹膜(就是眼球)是个大的圆形, 然而这处我们把它画成纤纤的鸭子蛋圆形，当然你可以依据自个儿的爱好把式样调宽些。鸭子蛋圆形上部将被上眼线所覆盖--实际上无论哪种风格的眼球，我们都没有办法绝对看见整个儿眼球，上部几乎都要被眼框边缘打掩护(当然惊慌、激愤时例外)。
下一步,绘制眼球高光的大概轮廓线。一般幽默诙谐的画面人物的眼球会有一点暗影。幽默诙谐的画面中女孩普通也都具备表面化的暗影和光泽。稳固建立你画中挑选的光源，况且在整个儿银幕中都是始末未变的。举例来说，假如在一张画中光线是从左面映射的,那末银幕剩下局部的高光区也务必源于左面,否则光线所萌生的明暗关系就不协调了(错非你运用了多个光源，然而本教材不牵涉到此范围)。画两个长鸭子蛋圆形: 大的`鸭子蛋圆形在虹膜(眼球)的左上部(与虹膜的边缘层叠,如图所示),细小的那一个在眼球的另一边儿。
继续,在高光的下边画上瞳孔。高亮区普通位于上端，务必别把瞳孔画到高光下边了。 再绘制眼睫毛，我们所画的这个眼球，眼睫毛是从眼球右上部长出的蝉联的穗状物。眼睫毛要顺着眼球的曲线来画,看起来才会像是由眼上长出的，别光画些粘在她眼球上的“z”形的折线^_~实际上眼睫毛就是从眼皮儿上面娩出的纤小曲线啦。
(此小地儿述为ps的功能)点击层面板上的选框，将层1设定为 "尽力照顾区透明区"(preserve transparency),如左图所示。这么你只能在已有的线条上加色，而不会把没涂颜色的空白处弄脏。 它的效用十分关紧。:)选一支大的画笔，用纯黑色(0,0,0)在整个儿银幕上涂抹。 所勾的边线将会成为它应有的黑色。 :)
好，现在我们开始画另一种风格的眼睛--不是我们通常所见的一种。 这种类型更细长、优雅，看起来也写实一些, 所以比较严肃的动、漫画中常常采用。这种特殊的眼睛属于deedlit “lodoss war”(是不是《罗德岛战记》?)类, 比杀手还要酷得多的造型(这种眼睛始于杀手!)。先画一条细长的曲线。左边应该比右边低，而且线左边的转折处要锐利一点。
为了易于定义眼球的底边,从眼球的边缘着手轻轻画两条对角交错线作为匡助线。与上头的教程不一样，此处的匡助线没那样子铅直。匡助线越趋于平行线,眼球将会越小。不过也别画得太过于平直,由于你不会期望这双眼球成为侧目吧。经过匡助线绘制眼球的底线。
擦掉匡助线，绘制虹膜(眼珠子)的大概轮廓线。 假如没有眼皮儿,眼珠子将会是一个完美的圆形。不过，眼珠子既被眼皮儿的边缘挡住,则我们看不到眼球的顶端和底部。眼珠子不要画太小，至少你能看到完整的物体。(错非你想要奉达某种情绪，譬如悻悻还是惊讶，然而这是另一小批所讲评的内部实质意义了)
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇二十
在艺术用语的层面上，绘画的意义亦包含利用此艺术行为再加上图形、构图及其他美学方法去达到画家希望表达的概念及意思。下面是小编为大家整理的关于色彩的绘画技巧，欢迎大家的阅读。
写生观察不外乎整体和对比，所谓整体观察就是彼此对照，区别不同，特别是用“同类对比法”最能照会到微妙的色彩变化，把相同或接近的色彩进行反复区别，找出色差，然后再分解调出。为了避免局部观察物体，最好侧身用余光意会物体的色彩，从而避免“死盯”。观察物体时可以上下左右，跳跃着对比观察，这样可以加强不同物体，不同方位的色彩的联系与区别。另外，看一个物体时间久了，视觉容易疲劳，导致色彩感觉迟钝，怎么办?你可以把头部向肩膀歪一歪，改换一下视觉习惯，这时你又会对眼前物体的色彩感受变得新鲜，我用这种办法让许多学生找到了感觉。
临摹优秀的范画，从中可以学习表现技巧，感悟色彩魅力，通过临摹可直接学到如何调色，如何用笔塑造形体，如何分辨色彩的冷暖和组织色调等等，并且还能进一步熟悉水粉颜料的性能和水粉画的干湿技法。当然，对于初学色彩的学生，强制临摹是茫然的，特别是在没有任何色彩知识的情况下，盲目临摹很枯燥。为了使学生对色彩画有一个良好的兴趣和开端，临摹前应当先简略地了解一点色彩基本知识和水粉画要解决的基本问题，其次还应该明白临摹的重要性，例如中国画的学习，都是从临摹开始的，有的国画家甚至一生都不遗余力地临摹前人的作品，不断地从前辈那里吸取营养，来提高自己的表现能力。特别是国画注重笔墨的要求，对水粉画的用笔也是同样适用的，这一点往往被许多任课教师所忽视，只强调色彩理论，而不注重用笔机趣，忽落了对画面的形式美追求。临摹时应当带着问题，从理解入手，先看画面是何类色调，是暖色调还是冷色调;是绿色调还是红色调;是深色调还是亮色调。从素描角度和冷暖角度逐一认识比较，何处最深，何处最亮。何处色彩鲜艳，何处色彩较灰。哪些属于暖色哪些属于冷色。光源色、固有色和环境色是如何变化的等等，然后在调每一笔色彩的时候不但要注意如何调准色彩，同时还要考虑如何用笔，是摆还是点，是湿还是干，是大笔触还是小笔触等等。做到胸有成竹，否则不求甚解，被动机械地照搬照抄不但进步缓慢而且降低兴致，日久会失去对色彩的热情，导致“望色兴叹”。
做为水粉画的调和剂，水是水粉画、水彩画和水墨画等画种不可缺少的主要媒介。虽然水粉画也可以象油画那样采用干画法和厚涂法，但还是有许多限制。没有水就不能更好地发挥水粉颜料的性能。教水粉画多年，我发现许多初学者之所以画不好水粉画，很大程度上是因为没有用好水，因为水的运用是几乎贯彻做画始终的。忽视了水的把握，也就忽视了基本方法的讲究。建议你先准备一块吸水性能较好的毛巾，为的是每次涮笔后在上面吸吸水，当然干画法和湿画法对水分多少的.要求是不一样的。在这里建议初学者不妨按以下步骤进行：开始调色前把笔在水桶里用力涮几下(对初学者来说，最好把笔涮干净)，再用力甩三四下，之后开始调你要的色彩。调准后不要急于摆在画面上，而是把含色的笔在水桶里轻轻地蘸上微量的清水，然后在调色板上。
对于初学者，有两个难点令人困惑，一是面对静物看不出色彩变化，二是看出颜色调不准色彩。我认为看不出色彩，不是色盲色弱，就是方法不对。看出颜色，调不出来很大程度是和经验有关。教水粉画十多年，我认为唯一不能教的就是调色，为什么呢?因为每一个人的感觉不一样，看出的色彩有差别;调色时种类的多少，比例的多少都可能制约着所调之色的准确与否。要想把看到的色彩调的比较准确，首先要把感受到的色彩进行归纳，看看它和哪种颜色更接近，区别在哪里?然后进行分解，把看到的颜色最多分解成两种色或三种色，不可太多，多了就容易脏，比较以下哪两种或三种色最能配出你需要的颜色。接下来就要尝试比例的分配，也许颜料量的比例是我们调色时最难把握的。比例不正确，调出的颜色不是倾向不对，就是过而不及。有学生常常问某一块颜色怎么调，例如画黄苹果的亮部，我告诉他，用白色加淡绿再加柠檬黄，可是等他调出来时可能缺少绿色倾向，或可能太生绿，也可能太粉气，所有这些都说明调色的方法有时真的没法教。只能凭自己的感觉。
也许每一个初学者都是从素描开始自己的绘画历程的，色彩和素描是相互联系又彼此不同的绘画两个形式，当我们能看出一定色彩关系后，怎样才能把一组静物塑造的体感足，空间感强呢?如果没有素描的专门联系，色彩的塑造永远都可能无从谈起。所以，当我们面对一组静物时，除了努力观察，理性的素描处理能力是形体塑造的基本依据，当然我们不能为素描而素描，一味的强调明暗关系也许会失去色彩的意义。用颜色画素描是水彩画的大忌。怎样塑造呢?可以用概括的方法对基本形体进行“三大面五调子”的分析，强调笔触的独立性，把一个物体归纳为有限的几块颜色，即块面画法。这样，画面就会层次分明，色彩简洁明确，加上笔触的变化，作品就显得干净利索，形体结实，具有很强的表现性。关于块面的塑造方法，初学者可以多练习一些从明到暗的色阶推移，来区分色彩的层次。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇二十一
创作出一幅深刻印象的画作，用眼睛来观察形状，阴影和色彩，在挥洒颜色和负空间中享受快乐，水彩创作中还有很多技巧。以下仅供参考！
阴影是水彩画中最重要的元素之一。光线越强，对比越强，阴影的边线越清晰明显；如果光线可以穿透物体，投下的阴影则轻淡一些；穿透性越差的物体，其投下的阴影越重。
在绘制被光线穿透的这三瓣花瓣的形状时，我们发现画中并没有明确的阴影分界线；唯一使花瓣跃然纸上的方法就是将角落的阴影涂暗。在背景中使用更深的颜色可以带来色彩的反差，增加画的景深。
描绘清晰明了的阴影边线和变换的明暗度，可以带来强烈日光照射的视觉效果，让观众在不同的层次中流连。
结合阴影的柔硬来创造最佳的视觉效果。仔细观察这幅玫瑰的细节，你会发现柔和、清脆的阴影和明暗的变化在构图和加强立体感上起了多么重要的作用。
在调色板上用深赭和法式群青调制灰色。一次描绘一片花瓣。首先用清水湿润花瓣，然后用8号貂毛合成圆头画笔在花瓣上涂上简单几笔调制好的灰色。
使用之前同样的灰色颜料，用8号貂毛合成圆头画笔在阴影处涂上调制出来的更深色的颜料。这样能制造一种立体感。如果需要混合更多的颜色，使用大号的天然毛发画笔。
为花瓣增加深色的有对比度的背景，用20号貂毛合成圆头画笔涂绘面积较大的区域，8号貂毛合成圆头画笔描绘面积较小的区域。将最暗的灰（或直接用靛青）涂在干燥的画纸上，这样可以使明亮些的色彩跃然纸上，让暗的区域增加景深。
制作一个有各种绿色的表格，将黄色与蓝色，蓝色与绿色混合等等。这比使用单一的绿色管状颜料要带来更多的颜色变换。
用大号天然毛发画笔将花茎蘸上足够的清水，使颜料能够在水上自由流动。
用8号貂毛合成圆头画笔在花茎两侧涂上永固暗绿色或其他绿色混合色。为了避免两侧看上去一样，将一边画得比另一侧宽一些，并在花茎中间留有足够的空白，让颜色能够从两侧向中间自然地过渡。这种颜色和明暗的渐变能使花茎看上去有立体的圆柱形视觉效果；如果整根花茎上大部分颜色都一样，则看上去太平坦且没有立体感。
当纸表依然湿润时，在一侧涂上永固茜素红，另一侧涂上新藤黄。中部更为明亮的区域有助于描绘形状和增强色彩，同时允许两种颜色自然地混合且不会覆盖彼此。为避免颜色的混合，使用8号貂毛合成圆头画笔，用尽量少的笔触来完成。
为了增加深度，在花茎完全干后进行下一层涂层。在混合绿色中添加少许靛青来加深绿色。然后使用14号貂毛合成圆头画笔将混合好的颜色直接涂在干燥的画纸上（将颜色涂在画纸干燥处可以保持颜色的完整性，不至于流失太多）。用大号天然毛发画刷将花茎内部边缘柔化，使之看上去内部明亮，外部灰暗，这样花茎看上去更加有型。
5.混合
如果有过多的颜料流至中部，可以用干净潮湿但不是湿润带水的大号画笔将多余的水或颜料吸走。使用大号画笔可以避免过多笔触及晕染和散色的可能性。
6.营造幻影
我们可以从右图中发现，柔和的混色和颜色的过渡可以让高光的中部营造出最佳的形状效果。花茎两侧的深色使之看起来有圆柱形的效果，而不是扁平的。
让构图紧凑且生动的一个途径是使用互补色。这个技巧与上面运用在花茎上的.技巧相似，在外部涂上深绿，在内部涂上明亮的色彩，这样你就有空间来涂互补色。
草绘完绿叶的形状后，用大号画刷在叶内区域涂上清水，画刷尽量接近叶子勾勒的边缘，但不要触碰。如果超越了边缘，上色时，边缘很难保持清爽。涂上足够量的清水，让颜料能够自由流动。
用8号貂毛合成圆头画笔将新藤黄和永固暗绿的混色或你最喜欢的混合绿色沿着叶子边缘涂色，尽量避开中间区域，好让边缘的绿色颜料逐渐回流到清水处，营造出柔和的混合效果。
当纸表变得没有光泽时，用20号合成圆头画笔涂上互补的红色。此图中，永固茜素红的效果不错。合成画笔能更好地控制水和色彩。尽量减少笔触，在叶子中部一笔将颜色沿着叶子边缘的形状涂上。因为叶子中部的绿色比边缘的绿色更为明亮，红色能够很好地保持它的颜色，而不会因过度混合变成中性灰色。
用画丙烯画的合成画笔中的尼龙画笔比水彩画笔的笔毛要硬挺，可以更容易地画出自然的纹路。从最大最明显的脉络开始，将画笔倾斜一定角度，然后用画笔的笔端勾勒出纹路。
勾勒出脉络并等叶子变干后，用8号貂毛合成圆头画笔在每根经脉旁边轻轻描上一抹颜色，以增加深度。用干净的20号貂毛合成画笔拭去多余的粗线条。需要时将画纸斜提起，让颜料自然混合。放置晾干。
画作变干后，重新审视画面颜色。如果颜色变淡，增添涂层。重复步骤4和步骤5。涂层越多，经脉越显得生动。
实用绘画技巧和心得体会（通用22篇）篇二十二
鹞鹰属于动物界、鸟纲、隼形目、鹰科。鹞鹰又称为黄鹰、牙鹰、鹞子、雀鹰等多种名字，现从鹞鹰的生长结构和表现方法两部分分别进行介绍。
鹞鹰的结构主要包括头部、颈部、背翅部、胸腹部、腿爪以及尾部。鹞鹰的头部介绍包括：鹞鹰的喙、鼻孔、眼、耳孔等，鹞鹰的头部略圆，呈现为卵的形状，尤其是鹞鹰的鼻孔和耳孔皆尤其各自的特点，鼻孔位于喙的上半部分靠根部，没任何东西对其掩藏；耳孔则位于眼睛的后下方，外边四周有翎毛遮掩，常规观察不易发现。鹞鹰的颈部略微细长，而背翅部分则为宽大，尤其是鹞鹰的翅膀，展开后大于等于鹞鹰两倍以上的身长。鹞鹰的胸腹部为细小的翎毛排列，腿爪部分较为粗壮，爪尖锋利，便于捕捉一些小的动物。鹞鹰的尾部基本上是身长的一半，排列在鹞鹰的身体后边。
鹞鹰的表现方法相对来说比较多，有色彩表现、素描表现、简笔表现和线描表现等，在本章的介绍中对鹞鹰的线描表现做一个简单的介绍。鹞鹰的线描表现具体分为以下几个步骤：表现方法的第一步是常规性的构图定位，在这一步主要是要求画者把鹞鹰的完整形象合理的安排在画面上。表现方法的第二步是使用较轻的笔（如木炭条）、使用较轻的力度画出鹞鹰大的外部型内核主要结构。表现方法的第三步是进行线描表现，线描表现的顺序为：先画出鹞鹰的头颈部分，再画出鹞鹰的背翅部，在画鹞鹰的背翅部时，要注意翎毛的层层覆压关系，并且排列要恰到好处。在头颈部、背翅部完成后，画出鹞鹰的胸腹部和腿爪部，最后画出鹞鹰的尾部，至此一幅鹞鹰的线描画就表现出来。
微风拂动，翠绿色的湿地上伫立着几条洁白的身影，那白色的羽毛，在绿色衬托下越发显得洁白无瑕，尤其是那一双修长且不断舞动的双腿，更让人联想到芭蕾舞演员的优美的舞姿，给人以赏心悦目的视觉效果。
丹顶鹤的双腿修长秀丽，一抬一放无不显示出其内在的神韵，双脚也在一张一合间更具有其动人的美感。我们在进行对丹顶鹤脚的绘画表现时，既要考虑画法，更要了解丹顶鹤脚的结构，下面就从其结构、画法上逐一进行介绍。
丹顶鹤脚分四趾，第一趾较小，其位置比其他几趾高，胫骨与附蹠骨之间的关节较粗，称为《鹤膝》，由于鹤主要栖息于湖泊、湿地，为适应其环境，其脚掌长的厚实而平，着地面积大而不易陷入泥沼中。
丹顶鹤脚的中国画画法主要分工笔和写意两种。
在进行工笔画法时，第一步要选用较细的毛笔—如红毛、叶筋、衣纹笔等，这种笔笔头较细，适合表现较细致的型，所以在对丹顶鹤脚的描绘时，选用这些笔，对完成画面创作能起到良好的作用。第二步进行绘画，按丹顶鹤脚的结构由上到下逐渐画出，在画时要注意表现丹顶鹤脚的外部肌理，按其分布进行勾勒，用墨要浅，在勾勒到鹤脚的脚趾尖时，要注意线条的弧度变化和韧性。
写意画鹤脚比工笔画法略为简单，但是要注意用笔的变化，一般情况下从腿部开始画起，使用毛笔的中锋来画，墨色深浅皆可，但要注意脚的各关节部位的用笔变化，也就是说在画到关节部位时笔要有顿挫，通过顿挫表现关节和非关节的粗细变化。待画到脚趾尖时，要用毛笔的笔尖轻勾收笔，以表现鹤的脚趾尖的自然形态。
在素描绘画的若干种类中，素描人像是最能检验人的绘画功底的，应为对于人物的结构、比例、型、神韵的刻画是否到位，直接显示出这个人的造型训练是否正确、是否扎实，以及对人物的形象特点和神韵是否抓的比较准，应此我们在进行完整的素描绘画表现前，必须要对人体的各个部分进行认识和练习，并且要从不同角度去观察、去练习，才能为完成整幅较好的作品打下基础。本章内容主要介绍眼睛的结构和画法。
人的眼睛在绘画结构表现方面主要有以下眼球、眼眶、眼皮、眼缝等。眼球略呈为球体，黑眼球部分位于眼球的前方；眼眶则呈近于方形，上下眼眶交接处内陷；眼皮位于眼球的外部，对眼球起到保护作用；眼缝位于眼球的中下部分，在眼睛闭合时呈线状。
眼睛从不同角度看呈现不同的形状。在正视的情况下，眼睛为平行四边形，内眼角略低、外眼角略高。眼睛在侧视情况下，外部形状呈现出三角形的形态，在这种情况下，只能看见外眼角。在半侧视时，眼睛接近于五边形。
首先要用较长的线条画出眼睛的外轮廓，用笔要轻些，以便于在绘画时能够把这些线条覆盖住。
其次用较短的线条对眼睛进行细致刻画，这个过程也要求用笔不要太重，用线也不要太长，用短细的线条逐渐画出眼睛的型和结构。
第三用铅笔颜色的深浅变化来画眼睛的明暗效果，在画眼睛明暗时，要注意不要一次画完，要经过几次描绘才能画出最后的深浅程度。画上眼皮下的内部时，画的次数较多，画出的颜色也较重，在画黑眼球和瞳孔时，要注意在其一侧留一小处不画，让其具有一种空灵、透气的视觉效果，这样画出的眼睛才能够传神。下眼皮的刻画用色较浅，能够突出眼睛的神韵。 以上就是对眼睛结构、形状、画法的介绍。
一缕缕秋风吹拂着人们的面颊，正是秋高气爽的大好季节。阳光照射着大地，一片秋黄、一棵棵饱满的果实。在田园的那一面，正有一串串晶莹剔透的果实被一层层墨绿色的叶片包围着，这也就是我们所要介绍的内容—葡萄。葡萄整体来说由叶片、果实、藤所组成一个完整的生命体，下面我们就来介绍葡萄叶子的结构和画法。
葡萄叶子色泽墨绿，每片叶子五个叶尖，每个夜间两侧生长着众多的叶齿，从叶柄处向五个叶尖伸展出五条主叶脉，每条主叶脉两侧交互生长众多的分叶脉，形成一个天然的脉络，每一串葡萄四周生长出若干叶片，呈现出一片墨绿的色彩。
葡萄叶子的画法主要有两种形式。一种是工笔画法，另一种是写意画法。工笔画法主要指先用较细的线条勾勒叶子的外轮廓和叶子的脉络，再用分染和罩染的方法对叶子进行细致刻画，分染时主叶脉要留白，从主叶脉两侧分别向左右逐渐变浅，这样才能突出叶脉的隆起效果。罩染时颜色一定要浅，要数次罩染才能完成，也就是说要打到“三矾九染”的效果。
写意画法则比工笔画法简练一些，但是要对于墨色的掌握有一定的基础。在写意画法动笔前，先要调好墨色，墨色在毛笔上的表现为：笔腹为清水、笔腹为浅墨、笔尖为较重的墨色（注意：调好的墨色要比画面预想的效果深一些，这样才能画面干后和预想效果一致）。调好墨色后用侧锋来画叶子，叶子一般五笔完成，第一、最后一笔最高，第二、第四笔居中，第三笔最低，形成一个自然的半圆形。在叶子达到半干时，再用较深的墨色勾画出五条主叶脉，这样一幅写意葡萄叶子就基本完成。
葡萄属于藤蔓类植物，葡萄藤在浓密的叶子和果实之间来往穿插，自然优美，且把一片片的叶子和一串串的葡萄果实连接在一起，显示出一个完整的、充满生机的生命形象特征。
葡萄藤体身细长，不能直立，只能依附其他种植物或者支撑物，缠绕或攀援的向上生长，属木质藤本。下面就葡萄藤的生长结构和画法表现做一简单的介绍。
葡萄藤细长而弯曲，在其两侧生长出众多的叶片和果实，藤本身依附其他植物或者支撑物缠绕弯曲，承受着叶子和葡萄果实的重量。
葡萄藤的中国画画法主要有工笔和写意两种。
工笔画法：指使用较细的毛笔（如叶筋、衣纹、红毛等）先行勾勒出藤的外部形状，用笔要有变化，一般起笔、收笔要略重，中间行笔要轻一些，这样画出的线才耐看。勾完线条后，基本上就可以直接罩染，可以免去分染过程，罩染的次数为2—3遍即可，不要太多，否则会起到喧宾夺主的效果。写意画法：写意画法比工笔画法简单，但是要求笔上的功力要过硬一些，既在进行葡萄藤的表现时，用笔要发生抑扬顿挫的变化，才能够让画面显得更加生动。
一般在用写意画法表现葡萄藤时，首先要画的是承重藤（或画支撑物），画承重藤时用笔要发生变化，起笔用半侧锋，中间行笔用中锋，最后收笔根据需要可以用逆锋或拖笔，这样一根藤就充满了变化，就会很有看头。承重藤画完后，其次就是进行缠绕藤的表现，在画缠绕藤时，要注意笔的流动感，用笔要潇洒自如，不拖泥带水，一气呵成，这样才能够最好的表现出葡萄藤的优美变化。
金秋九月，庭院、果园中悬挂着一串串紫色的果实，它晶莹剔透、粒粒果实散出紫色的光泽，这就是我们要介绍的内容—葡萄。本章将从葡萄的结构和画法两方面进行介绍。
“葡萄”的结构包括：葡萄叶片、葡萄藤、葡萄果实等，属于藤类木本植物，秋季来临，葡萄的叶子随着果实的成熟逐渐脱离了藤蔓，飘落到大地之上，果实也被人们作为了美味佳肴，而藤本身则仍然坚定不息处于天地之中，以顽强的意志抗击着隆冬的来临，等待来年再次发芽、开花、结果。
葡萄的画法 葡萄在中国画的表现中，主要有工笔和写意画法，下面就这两方面逐一介绍。 工笔画法：在进行工笔表现葡萄时，首先要勾勒出葡萄的结构，包括叶子的外形、叶脉；果实的形状及组合；藤的缠绕多姿的动态等。在进行这些步骤时，要注意笔的使用，也就是说用笔要有变化，不要千篇一律，要有起笔、行笔、收笔的轻重变化，这里就不再赘述。在完成线条勾勒后就要进行分染和罩染步骤，这时要淡色多染，才能达到较好的效果。 葡萄的写意画法：在进行葡萄写意画时，要按照基本的顺序进行绘画。一般情况下第一部要先画叶片，在准备好的一张生宣纸上，考虑画面的布局，画出几片葡萄叶子，画叶子时要有墨色的深浅变化，并且要画出前后层次和遮挡效果，这样画面才耐看。第二部画葡萄的果实，葡萄果实在一张画面上可以画出几串就好，不要过于太多。画时按前面文章中已经介绍过的葡萄果实画法进行绘画。第三步是藤的添加，藤的画法也已经介绍过，这里就不再赘述。
以上就是关于中国画《葡萄》的画法介绍。