现代舞课舞蹈心得（实用18篇）

现代舞的训练方法与传统舞的训练方法有着非常大的区别。在运动模式上也是采用不同的用力方式和发力点来进行动作运动和训练的。下面小编为大家介绍现代舞蹈训练技巧，希望能帮到大家！

玛莎·葛兰姆以收缩与延展为其动作原理，技巧训练著重于收缩下腹部肌肉以凝聚动力，再将此动力发放以延伸动作至更远、更高、更长。地板训练包含坐姿、跪姿及躺姿;站立动作以重心移转、平衡及延展为主;流动组合以走、跑、跳、转以及三拍子的变化为主要的训练诉求。

杜丽丝·韩福瑞以跌落与复原为其动作原理，技巧训练以摆荡与重心转换时所产生的动力为主，形成起动、滞留、落下、再起的弧形动作循环。韩福瑞的动作训练模式，也可以引申至宇宙万物间周而复始的现象，是为舞蹈技巧训练蕴含人生哲学的重要范例。

荷西·李蒙为韩福瑞的嫡传弟子，其技巧训练原理建基于韩福瑞技巧之上，再注入李蒙个人的钻研心得。除了保留以摆荡与重心转换的"跌落与复原"基础外，李蒙技巧更加强调动作的圆滑顺畅，以及肢体各部位的分解动作练习，李蒙视肢体各部位为单一乐器，当全身活动时，就犹如一场交响乐一般，多种乐器共同演奏动人的旋律。

玛莎·葛兰姆以收缩与延展为其动作原理，技巧训练著重于收缩下腹部肌肉以凝聚动力，再将此动力发放以延伸动作至更远、更高、更长。地板训练包含坐姿、跪姿及躺姿;站立动作以重心移转、平衡及延展为主;流动组合以走、跑、跳、转以及三拍子的变化为主要的训练诉求。

发源于六十年代的美国纽约市下城，由当时活跃于杰德森教堂的'年轻人，不断探索与实验肢体的潜能，经由接触即兴衍生而成的形式。肢体的活动型态与动作的动力既不过度使用，也不全然放松，而是任其形成一股延续不断的精力，使得肢体从某一动作延展至下一个或数个动作。活用运动生理学及解剖学的知识，延展技巧可以使肢体在最省力的状况下，让全身的骨骼、肌肉贯连合一，完成一连串的肢体动作。

当后现代舞蹈于二十世纪的六十年代兴起后，固定形式的现代舞技巧训练便逐渐受到前卫舞蹈艺术家们的批判，转而以自由发挥作为动作训练的主要形式。除了突显教授者的个人风格外，自由形式的肢体训练也包含对于时间、空间及能量的各种探索，通常是从日常生活的基础行动如走、跑、跳、转、蹲、滑等衍进而成。

是要以一种宽容的心态欣赏现代舞作品，我们说了现代舞是以标新立异、严肃探索为最终目的，因此首先要能够以平常心态去接受，同时在欣赏的时候要有敏锐的思维和判断能力。 在一般人的眼里，既然是舞蹈，那它就必须要一直的舞动，但在现代舞中，这个观念完全不存在，因为现代舞的概念非常广泛，在现代舞者的眼里，大自然的一切无一不能舞，而人的每种行为和每个动作无一不在跳舞。

要掌握作品创作者的'创作背景和动机，其实一部作品中，很大程度上代表了此时编者的内心世界和创作心态，而这些现象常常在作品中表现出来，因此，掌握作品创作者的创作背景和动机，有助于更好的欣赏和理解作品。

看作品的“动态”和“结构”。现代舞是一门形式感极强的艺术，因此，现代舞无论是以何种的形式表现，最基本的都是要从动作开始，而动作的形成、延续、发展、变化，最重要的是看动作的借力方法。

其次是看作品的结构，现代舞打破了和谐理想的古典审美原则，对现实社会中人的关注和对自然真实美的追求，因此，在结构上特别讲究对比，动作和动作之间的对比，舞段和舞段之间的对比，节奏和节奏之间的对比，情绪上的对比以及舞蹈构图的对比等等。

要尽力的多看现代舞作品，在欣赏的过程中要用自己生而有之的六种感觉去全身心地感受作品。在现代舞作品中，强调的是舞者自身的重量而不是如芭蕾般的轻盈，在动作中强调空间的过程而不是动作的本身，在空间上强调韵味的顿挫而不是流畅，在构图中强调不平衡而不是平衡，强调过程的揭示而不是过程的遮掩。了解了这些以后再对作品进行理性的思考和全面的分析。

总之，我们要在一种放松愉悦的心情中去看一种舞蹈，去欣赏舞者的美，舞的美。让我们的心灵得到一次洗礼。

现代舞(contemporary)是20世纪初，在西方兴起的一种与古典芭蕾相对立的舞蹈派别。其主要美学观点是，反对古典芭蕾的因循守旧和单纯追求技巧的形式主义倾向，主张摆脱古典芭蕾舞过于僵化的动作程式的束缚，以合乎自然运动法则的舞蹈动作，自由地抒发人的真实情感，强调舞蹈艺术要反映现代社会生活。

现代舞是20世纪产生的，是历史并不长的新艺术品种。现代舞是伴随着现代社会的发展而发展的。舞蹈的内容与形式更接近现实社会，更接近百姓生活，它反对古典芭蕾那些清规戒律，主张自由，宣扬人性，破除一切羁绊，不断更新。

现代舞最鲜明特点是，反映现代西方社会矛盾和人们的心理特征,故称为现代舞。美国现代主义舞蹈家海伦•汤米尼斯概括现代舞的与众不同之处在于：“不存在普遍的规律，每一个艺术家都在创造自己的法典。”绝大多数观众(甚至包括职业舞者)认为，“现代舞”是艰深难懂的，更是遥不可及的。因为他们大多并未看过什么标准意义上的“现代舞”，更不知道它的历史渊源与发展现状。

现代舞之所以称为“现代”,是因为它是随着时代更替而变化的。几乎每一个伟大文明的每一个时代，都有属于自己的“现代”艺术，它们的内容不落言诠、形式不拘一格，拒绝被传统艺术的观点所束缚，更不愿意被人为的概念所规范。它们的最高宗旨是标新立异、严肃探索、永远追求新观念和新方法。现代舞没有严格的动作规范、统一的审美标准和任何保留的剧目，并且轻视模仿论的作用。它所给予观众的不仅是审美享受，而且是心灵的震撼和启迪。

19世纪末期，欧洲古典芭蕾单纯追求形式与技巧的倾向越来越严重，不仅影响到整个舞蹈艺术的发展，而且也阻碍其自身的发展走向。内容与题材也仍旧停留在神话传说、王子公主的范围内。与现实生活的距离越来越大，这成为舞蹈反映社会生活的巨大障碍。

在工业革命带来的.喧嚣中，艺术家们热衷于回归自然，田园和古代文化，去寻找一种感性的真实和人性的力量。伊莎多拉.邓肯的出现，掀起了20世纪一场波澜壮阔的人体文化的复兴。这个窈窕淑女自信的光着脚丫、穿着透明绸衣在舞台上翩翩起舞。她认为古典芭蕾的练会造成人体的畸形发展。她向往原始的纯朴和自然的纯真，主张“舞蹈家必须使肉体与灵魂结合，肉体动作必须发展为灵魂的自然语言”，真诚地、自然地抒发内心的情感。所以她被称为“现代舞之母”。正是在这种背景下中，现代舞应运而生了。

芭蕾强调“开、绷、直、立”;古典舞讲究“圆、曲、拧、倾”，要达到“形、神、劲、律”的统一;民间舞讲究风格的把握;现代舞(modern dance)，是20世纪初在西方兴起的一种与古典芭蕾相对立的舞蹈派别。其主要美学观点是反对古典芭蕾的因循守旧和单纯追求技巧的形式主义倾向，主张摆脱古典芭蕾舞过于僵化的动作程式的束缚，以合乎自然运动法则的舞蹈动作，自由地抒发人的真实情感，强调舞蹈艺术要反映现代社会生活。它最鲜明的特点是反映现代西方社会矛盾和人们的心理特征，故称为现代舞。随着时代发展和舞蹈事业的繁荣，现代舞的基础训练走进了各大院校的课堂，越来越多的人意识到了现代舞的训练价值。

现代舞的训练方法与传统舞的训练方法有着非常大的区别,在运动模式上也是采用不同的用力方式和发力点来进行动作运动和训练的。在现代舞的训练中，不是去模仿老师，而是通过老师设定的动作练习，去了解自己的身体，并掌握不同风格的舞蹈动作，所以好的现代舞训练，必须鼓励学习者多跟随不同风格的老师学习，并多作思考，多问问题，对自己的身体和动作的关系，在不同的层面角度上做更深入的研究。现代舞的概念是打破传统的规范，强调每一个人的不同特质。所以在现代舞的训练里，目的不是要求学生在动作、姿态、呼吸或气质上去模仿老师，更没有一个理想中的原型，不需要学生以老师或某一个理想原型为榜样。现代舞训练和传统舞训练之间最大的区别是：现代舞训练目的是通过训练，让学生和演员更大程度上去了解自己的身体，从而更大程度地掌控自己的动作能力。因此，在现代舞的训练上更应该讲求自我的掌控、自我的体会、自我的完善。

对于“现代舞”一词，有太多的人是一知半解，概念模糊，并且把现代舞跟如今的一些流行舞，劲舞混为一谈。其实每一个舞种都有它自己的名字和统称，如果张冠李戴，其最终结果则会导致尴尬或是更糟糕的局面。

大家都知道，现今年轻人中最流行的舞种莫过于街舞了，比如hiphop、locking、breaking，霹雳舞，劲舞等等这些舞的统称也只能算流行舞，而且它们的名字也足够个性化，是不应该跟现代舞混在一起的。还有一些华尔兹，伦巴，恰恰，桑吧等这些都是国标，或者称之为体育舞蹈。

现代舞是新舞蹈，是与传统舞蹈的思维方式完全不同的新式舞蹈。简而言之是“反芭蕾，是20世纪美国的现代舞创始人依莎多拉邓肯点燃了新舞蹈艺术的烽火，使习惯于观赏有规有矩的，程式化的芭蕾舞艺术的广大观众受到了巨大震动。不久，广大观众就狂热的迷恋上了这种自由的，新式的舞蹈，亦即邓肯的自由舞蹈。当时世界流行的古典芭蕾舞，主要是以腿部训练为主，强调优雅、旋转、跳跃、强调克服地心引力。这些训练方法也延续至今。邓肯之后，在她所领导的新舞蹈运动将要走向绝途之际，新舞蹈又在几乎是舞蹈文化沙漠的德国兴起。在鲁道尔夫拉班和玛丽魏格曼的努力之下，新舞蹈艺术有了自己的理论体系，在稳固的基础上开始付诸实践。当时的德国，人们把新舞蹈称为“新式舞蹈”。但是不久，又将其成为“现代舞”英语则直译之为“摩登舞蹈”。从此“现代舞”变成为普遍使用的名称。

它的表现方式又是如何呢?现代舞在近代发展比较迅速，它反地心引力，强调地面动作，强调呼吸，指出一切动作来源于重心，强调舞者内心的表达，和自己的想法。因此，很多现代舞作品都很难让人理解。在现代舞中，基本运动与表现毫无关系，它仅仅是塑造形体的基本动作。当然，作为训练人体舞蹈的素材，它又不完完全全与表现没有关系。它们之间仅是一种间接的关系。基本运动与表现之间不是直接采纳现成的、传统的舞蹈形态，也不是将基本运动作为表现手段。它既不要考虑动作，也不要考虑为动作伴奏的旋律，而是要立足与一个“无”的境地之中，仔细体味精神所处的境地，这样才能够表达现代舞。否则，就不具备表达现代舞的资格。

其实要把现代舞说明白还真是不容易，到目前为止，它已经有很多门类，各种体系。而且现代舞是比较抽象的一种舞蹈形式，要把它说明白，我也还得下一番工夫。我热中于现代舞，因此写了这篇文章，为的是让更多的人了解现代舞，不要把现代舞跟其他舞蹈形式混为一谈。朋友们看完这篇文章也是对我最大的支持。我个人也要为舞蹈的普及尽点微薄之力!

20世纪初在西方兴起的一种与古典芭蕾相对立的舞蹈派别。它的最鲜明特 点是反映现代西方社会矛盾和人们的心理特征,故称为现代舞,亦有称为“当代舞 蹈”、“新兴舞蹈”、“现代派舞蹈”等等。

我喜欢现代舞的精致与纯美，现代舞诠释着古典舞美的韵律，把那种长袖当风、韶华远逝的落寞，或者悲怆、或者忧伤、或者壮志凌云、或者对酒当歌的情感以现代的理解注入了全新的生命，每一个旋律都是一种变化，每一次腾起跳跃都有一种向往与企盼，更是在男性的的舞蹈里注入慷慨与豪迈!所以我之所以从古典改到这个舞种也是因为这个原因吧。

在一般人的'眼里，既然是舞蹈，那它就必须要一直的舞动，但在现代舞中，这个观念完全不存在，因为现代舞的概念非常广泛，在现代舞者的眼里，大自然的一切无一不能舞，而人的每种行为和每个动作无一不在跳舞。

现代舞无论是以何种的形式表现，最基本的都是要从动作开始，而动作的形成、延续、发展、变化，最重要的是看动作的借力方法，其次是看作品的结构，现代舞打破了和谐理想的古典审美原则，对现实社会中人的关注和对自然真实美的追求，因此，在结构上特别讲究对比。

那么很多人就会问现代舞最注重是感觉和气息，那么我们怎么来衡量这个感觉与气息呢?在跳现代舞的过程中要用自己生而有之的六种感觉去全身心地感受现代舞。在现代舞作品中，强调的是舞者自身的重量而不是如芭蕾般的轻盈，在动作中强调空间的过程而不是动作的本身，在空间上强调韵味的顿挫而不是流畅，在构图中强调不平衡而不是平衡，强调过程的揭示而不是过程的遮掩。

所以说不论是什么舞种，只要音乐一响起、随着这部舞蹈作品的主题不同，凝成爱、恨、情、仇，苦、乐、悲、欢，在每一个小动作中缠绕、扭转、跳跃、甩手、摆头、踢腿、以至于凝神中，都要表现出舞者的坚韧和执着。

现代舞出现于十九世纪末至二十世纪初，当时在西方古典芭蕾开始走向下坡，一成不变的舞姿传承和陋习使舞蹈失去了生动的气息和崇高的品位，崇尚自由和科学的人们也急于打破这种对人体束缚已久的行为规范。你知道跳现代舞需要掌握最基本的技巧有哪些吗?下面是小编为大家搜索整理了一些现代舞练习的基本舞蹈技巧，欢迎参考阅读，希望您喜欢!

(1)现代舞的生活观是宽容大度，乐观向上，随遇而安;它的艺术观是求同存异，“八仙过海，各显神通”。美国现代舞第三代大师默斯-堪宁汉曾说过：“如果你不喜欢别人的作品，那就编一个自己喜欢的好了。”

(2)量的概念在现代舞中是第一位的。格莱姆的“巨匠”桂冠应该说是由无人匹敌的180部舞剧和舞蹈构筑起来的。她的同窗也曾指出：“你想编一个出色的舞蹈吗?那么，先编出100个糟糕的再说吧!”

(3)美的概念在现代舞中早已不是唯一的追求;而在现代美学中，美更不是至高无上的概念。因此，美或者不美，不应是衡量现代舞作品高低的唯一标尺;格莱姆初出茅庐时，她那带棱带角，更带着对即将到来的新时代之敏感的抽搐动作，曾被当时报界辱骂成“要么是癫痫突然发作，要么是分娩迫在眉睫”。但是几十年之后，当整个世界都在运用她那痉挛性的表情方式之时，她的“收缩-放松”(constraction-release)动作原理则被当做是新时代的号角和新美学的代表了。

(4)新与旧的概念在现代舞中不是绝对的是非关系。尽管新的'不一定总比旧的好，但新的每每比旧的更有趣，更能唤起人们的注意。

(5)对现代舞作品，应该尽力避免是非曲直的判断，尤其是在看远离传统观念的后现代舞时更应如此。舞蹈是离经济基础和意识形态距离较远的审美学，而不是伦理学。

(6)对现代舞作品，尤其是对那种以实验为目的的新作品，包括学生的习作，最好不做价值高低的判断，而应以竭力挖掘其创造的潜力，理解其创造的动机为根本宗旨。

(7)一切舞蹈创作归根结底，都是在有意无意地探索“舞蹈是什么?”这样一个哲学和美学命题。

(8)可舞性这个在古典舞中地严重问题，在现代舞中完全不成立，因为现代舞的概念如此宽泛，因为大自然在现代舞者的眼里无一不是在跳舞，因为人的每种行为和每个动作无一不是在跳舞。美国现代舞第三代大师保罗-泰勒说：“我们缺少的不是动作，而是发现那些能为自己的目的出色服务的动作的眼睛。”

(9)思想性和哲理性一直是现代舞蹈家的重要特征之一。而不再是那种只会模仿，而不思创造的艺人和匠人。

(10)有必要弄清现代舞的宗旨是大胆的实验和严肃的探索，而不是廉价的讨好或技术的炫耀。

一、最基本是要有一个具有丰富舞蹈表情能力的身体，这也就是说要具有完成各种舞蹈技巧能力的可塑性的身体素质——身体各部分要灵活、柔软，又要有韧性和力度；要具备跳跃、旋转、翻滚等舞蹈技巧的能力。同时，还要通过训练使自己具有速度和控制的能力，使身体各部分动作协调统一，既符合舞蹈动律的节奏，又有舞蹈的造型美。

二、要有一定的舞蹈文化素养，掌握舞蹈艺术基础理论知识和舞蹈历史发展的常识。舞蹈艺术本身是一种文化，它不仅仅只是简单的手舞足蹈，只有加深对它的深刻了解，才能更好地把握和驾驭舞蹈这一门艺术形式。

三、要不断地加强文学和各种艺术的.修养。因为，舞蹈是一种以舞蹈动作为主要表现手段的综合性的艺术，舞蹈和音乐、美术、诗歌有最为紧密不可分的关系，常常是你中有我，我中有你，如果一个舞蹈演员没有一定的音乐和诗歌的素养，舞蹈的艺术表现力将会大受影响，如此，也可以说舞蹈是不可能跳好的。舞剧是舞蹈和戏剧艺术结合的一种舞蹈体裁，舞蹈演员担任舞剧中的角色，具有一定的戏剧知识当然是必不可少的了。各门艺术既有其特性，也有其共性，所以，能具备和掌握各种艺术的知识，对舞蹈表演会有莫大的帮助和教益。

四、要关心社会生活的发展变化，要不断地了解生活中各种各样的人和事，增加生活知识的积累和储备。因为舞蹈题材的领域是非常广阔的，舞蹈中的人物也是非常丰富多样的，舞蹈演员要塑造各种各样的人物形象，因此生活知识的积累和储备，有不可或缺的重要作用。

舞蹈演员在接受了舞蹈作品中具体角色任务后，就面临着如何塑造舞蹈形象的问题。如果是集体的抒情性舞蹈，任务比较简单一些，只要做到动作、队形画面的整齐划一，情感按规定的意境氛围保持和谐统一，基本就可以了。而担任独舞或舞剧中的主要角色，那就复杂多了。要出色地完成舞蹈形象的创作任务，就有一个从演员自我到舞蹈人物过渡的创作过程。而这大致要经过对角色的理解、从相对应的生活和人物形象的积累中进行对角色体验、感受，直至深入到角色人物的内在精神世界，从而创造出舞蹈作品中规定的人物的舞蹈形象。

学习舞蹈是一件充满挑战的事情。你知道现代舞蹈演员要具备哪些基础能力吗？下面是小编为大家带来的现代舞蹈演员要具备哪些基础能力的知识，欢迎阅读。

这也就是说要具有完成各种舞蹈技巧能力的可塑性的身体素质——身体各部分要灵活、柔软，又要有韧性和力度；要具备跳跃、旋转、翻滚等舞蹈技巧的能力。同时，还要通过训练使自己具有速度和控制的能力，使身体各部分动作协调统一，既符合舞蹈动律的节奏，又有舞蹈的造型美。

掌握舞蹈艺术基础理论知识和舞蹈历史发展的常识。舞蹈艺术本身是一种文化，它不仅仅只是简单的手舞足蹈，只有加深对它的深刻了解，才能更好地把握和驾驭舞蹈这一门艺术形式。

因为，舞蹈是一种以舞蹈动作为主要表现手段的综合性的'艺术，舞蹈和音乐、美术、诗歌有最为紧密不可分的关系，常常是你中有我，我中有你，如果一个舞蹈演员没有一定的音乐和诗歌的素养，舞蹈的艺术表现力将会大受影响，如此，也可以说舞蹈是不可能跳好的。舞剧是舞蹈和戏剧艺术结合的一种舞蹈体裁，舞蹈演员担任舞剧中的角色，具有一定的戏剧知识当然是必不可少的了。各门艺术既有其特性，也有其共性，所以，能具备和掌握各种艺术的知识，对舞蹈表演会有莫大的帮助和教益。

要不断地了解生活中各种各样的人和事，增加生活知识的积累和储备。因为舞蹈题材的领域是非常广阔的，舞蹈中的人物也是非常丰富多样的，舞蹈演员要塑造各种各样的人物形象，因此生活知识的积累和储备，有不可或缺的重要作用。

舞蹈演员在接受了舞蹈作品中具体角色任务后，就面临着如何塑造舞蹈形象的问题。如果是集体的抒情性舞蹈，任务比较简单一些，只要做到动作、队形画面的整齐划一，情感按规定的意境氛围保持和谐统一，基本就可以了。而担任独舞或舞剧中的主要角色，那就复杂多了。要出色地完成舞蹈形象的创作任务，就有一个从演员自我到舞蹈人物过渡的创作过程。而这大致要经过对角色的理解、从相对应的生活和人物形象的积累中进行对角色体验、感受，直至深入到角色人物的内在精神世界，从而创造出舞蹈作品中规定的人物的舞蹈形象。

1 无论是广义还是狭义的现代舞，他们的共同之处，都是因为他们曾经或正在与传统脱离，或是突破了传统的规范与标准，而这种脱离则是来自于时代不可抗拒的变迁，以及人类思想之变带来的审美要求之变，并且艺术之现代不是一个永恒不变的超验的美的理想的信念，而是一个不断变化与发展，使我们不断感觉陌生的美学追求。

2 现代舞就其本质而言，它属于一场舞蹈从传统向现代转换的运动，作为一种观点，它表明现代舞蹈家对舞蹈本质的重新认识，以及舞蹈在当代世界中所承担艺术功能的态度，舞蹈是一种使用身体语言符号作为言说方式的艺术。

3 深入观察与分析现代舞的历史走向，现代舞蹈实际上是以一种艺术与生命同在的信念，以跨时空的方式与舞蹈的原初形态返回，在生命意义上寻找身体动作的文化支撑点。

4 重新返回身体的意义在于返回生命自身，在本能的律动中发现身体动作的原发意义，返回身体的原点，这原点不是某个动作系统内部中心的概念，也不是系统外的中心概念，不具有唯一性，它只是一种功能，一种使无数符号替换物的活动成为可能的无定点。

5 对于一种艺术现象的研究，尤其是对舞蹈这种瞬间即逝的身体语言的艺术认识与研究，必须建立在对其发生发展的历史轨迹，不同时期的身体语言形态，艺术家采用的创造方法，舞蹈家创造的作品文本以及这些作品中显露的审美取向进行深入的把握与解析之上。

6 一部舞蹈的历史，应该就是一部舞蹈创作发展的历史，就是一部身体语言与文化习俗的发展史，就是一部身体美学史，一种舞蹈创作的方法，实际上就是一种观看世界的视角与方式，就是一种世界观。

身体是人类的思想和灵魂的载体，人体的动作是人体内在倾向性的外在呈现。

拉班认为力效但负着动作的内容，并赋予动作以表现性，动作力效的变化与组合，可形成动态节奏片段，可像文字语言学那样由单词通过语法结构组成句式那样，形成非语言的动态句法，传情达意。

2 尼古拉耶维奇：外部体现之所以重要，因为它是传达内在的人的精神生活，我们的天性是最优秀的`创造者、艺术家和技术家，只有它才能够完全掌握体验和体现的内部和外部的创作器官，只有天性才能够借助于粗糙的物质---我们的发音和形体方面的体现器官，来体现最细致的非物质的情感。因此，演员训练身体的目的。是使它能够听从创作天性的指挥。

1 在舞蹈的动作中，不可能把精神价值或身体价值置之度外，它必须成为人类心理的、精神的和身体的不可分割的生命活动，真实的传达出人对外部世界的感受经验。

2 动作的内在质量和外在形态紧密结合，共同构成具有丰富表现力的充满内在含义动作符号，通过这些动态语言，人类理解生命、进行生命之间的交流，达成人与人之间的和谐。

3 拉班：矛盾冲突是一切戏剧情境的基础

4 尼采：艺术在本质上只是向他人传达感受的能力，而这种能力就表现在为一定的感受(内容)寻找适当的形式。因此，形式对于艺术家具有头等重要的意义。

5 只有当一个人把一切非艺术家看作形式的东西感受为内容，这事物本身的时候，才是艺术家。如此他当然就属于一个颠倒的世界，因为从今以后内容被看成看了纯粹形式的东西，我们的生命呀算在内。

6 一种风格若能真实的传达内在状态，不错用符号、符号的节拍以及表情(一切修辞都是表情的技巧)，便是好的风格。由于人的身体的某种外形动作或某种动作的欲望都是与其内心活动密切相连，生命的内容与形式相统一，所以舞蹈艺术作品的表现形式与其对生命理解的思想的统一是不言而喻的。

现代舞作为一种能够通过强烈的肢体动作反映舞者思想与心理特征的舞种，对现代人的审美追求和思想深化有着重要意义。下面小编为大家搜索整理了关于现代舞的舞蹈特点与现状，欢迎参考阅读，希望你喜欢!想了解更多相关信息请持续关注我们应届毕业生培训网!

在19世纪末的欧洲，掀起了一场文艺复兴运动，面对着种种巨变，那个时代的人们何以自居?怀特兄弟，爱迪生，居里夫人，马可尼等这一大批的科学家以机器生产代替了上帝造物;达尔文以类人猿的面孔无情的取代了造物主义的完美形象;而弗洛伊德又把人最隐秘的内心一层层剥开。科学时代的到来给人们一次次撞击，人们从迷信和无知中被惊醒，开始追问我是谁，从哪里来，到哪里去的问题。信仰危机带来了叛逆的萌芽，而现代舞则在叛逆之中找到了自我。艺术家们不得不让步于新奇的思想和更为狂暴的形式，以便紧跟时代的步伐，现代舞在此时诞生了。

现代舞起源于19世纪末的欧美，它是一种与芭蕾有巨大差异的舞蹈系别。现代舞以反对古典芭蕾的旧思想为美学观点，主张舞蹈作品贴近生活，不要单一的追求形式和技巧，模仿他人乏味的动作。而是要以贴近自然的生活，进行舞蹈作品的创作，表达出我们内心的真实感情，着重突出舞蹈艺术要体现现实生活和表达个性，由此发展出了诸多流派。现代舞创立者是美国的舞蹈家伊莎多拉?邓肯，邓肯反对古典芭蕾的训练方式，她觉得这种训练方法会把人变成畸形的物体。她欣赏人们自然的纯朴和纯真，主张“肢体动作要表达出内心的感情，动作不仅仅是动作，而是舞者真实感情的流露”，真挚地、自然地表达人的内心世界。

1、现代舞创立时期及表现主义流派。在19世纪末期，现代舞是由反对古典芭蕾而创立的，它的思想主要强调以人体的解放追求人性的解放和自由，贴近现实生活和自然生活，表现人的真实情感和内心世界，在其创作作品中，探索直爽的情感表现，其艺术特征有很强的自身性。现代舞在创立时期伊莎多拉·邓肯、圣—丹尼斯等人做出了很大的`贡献。我们往往把这一时期归纳为表现主义流派。

2、现代舞发展时期的技巧流派舞蹈。在现代舞发展时期的舞蹈作品中，主张舞蹈形式要让步于功能，舞蹈作品要表现当代人的价值和意义。在舞蹈作品中，把感情的抒发作为整个舞蹈的出发点。在实验中，鼓励个性鲜明的风格特点，使舞蹈作品的技术和舞蹈动作突出个个性，但又不失整体性。其中最具代表性的流派有如下几个：心力表现派、韩福瑞技巧、放松技巧、何顿技巧。

3、现代舞发展时期的新先锋派舞蹈。“新先锋”就是当代舞蹈家们开辟出前人没有走过的道路。在现代主义社会这个大背景下，现代舞艺术也开始逐渐的变化。在新先锋派舞蹈作品中要求现代舞的舞蹈动作进一步解放，以自我为中心，能够表现自我的价值，认为现代舞的主要艺术形式是自我和封闭。莫斯·坎宁汉是新先锋派舞蹈的代表人物，流行音乐天王迈克尔·杰克逊的主要舞蹈风格也是新先锋派舞蹈。

4、舞蹈剧场时期的后现代派舞蹈。后现代派舞蹈起源于欧洲的剧场艺术形式，主张舞蹈再度返回戏剧和表现主义的传统，不能只以追求技术为前提，提出来我们为什么要去舞蹈，舞蹈是为了什么。现代舞在这个时候开始吸收人文主义精神。现代芭蕾也就是在这个时候诞生了。

现代舞发展出许多派别，每个派别都有自己独特的审美观点。有的认为舞蹈不应该只是刻意的模仿，而是要有自己的主题，舞蹈作品要和自然相统一，舞蹈动作的要有连贯性;有的则是提出打破传统理念，让舞蹈者自然的表现;有的主张现代舞的舞蹈结构如实体现现代社会的精神形态。在20世纪中期，出现了一种新的形式，现代舞和古典芭蕾不再相互排斥，开始理性地相互学习和借鉴对方的优点，来充实自身。古典芭蕾开始学习现代舞多样的呼吸和训练方式，同时也在借鉴现代舞在自然感情表达发面的有点。现代舞也开始借鉴古典芭蕾理论体系的系统性和规范性，从古典芭蕾中借鉴了许多形式美的要素。

现代舞的诞生，是舞蹈史上的一个重要阶段。现代舞的诞生为舞蹈体系注入了新的元素，它的出现，给舞蹈赋予了新的涵义，顺应了时代发展的脚步，它在舞蹈体系中有着举足轻重的地位，是舞蹈体系中不可缺少的一部分。现代舞追随心灵召唤自然、单纯、自由，并带着内在和谐和独特的个性，这对舞蹈的前程是一种怎样的照亮。

现代舞对艺术原创性的肯定，提高了舞蹈作为严肃艺术的定位，使舞蹈艺术不仅迈入人类的精神深度，并不断向人类的精神广度延展。现代舞使舞蹈重返本源：它使舞蹈从一种僵化，呆滞的东西，变成运动、光明和快乐，使人的精神得以解放，回归自然。现代舞张扬了舞蹈独创性本质，它揭示了人的本能与自我，在遵循这种本能的欲望时而创造舞蹈艺术的动态形象，带着鲜明的个性。舞蹈者的肢体不再只是机械模仿的工具，不再把空泛的美作为舞蹈的终极目标。因此，舞蹈艺术的独创性本质大大地得以伸张。

现代舞的诞生是历史与文化结合的统一，它是舞蹈体系中的新鲜血液，在舞蹈体系中有举足轻重的地位。现代舞是以推陈出新、严格探索为目标，因此我们要以宽容的心态去包容它，用包容的眼光去欣赏它，在欣赏现代舞的时候要有独特思维和自我判断能力，把握住作品创作者的内心情感和作品背景。所以，把握住创作者的情感和创作作背景，有助于我们更好的去欣赏和理解现代舞。现代舞是一门形式感比较强的舞蹈，它打破了理想的古典审美原则和方法，体现出人对自然真实美的向往。

舞蹈是一种以人的身体为表现工具的艺术形式，它的最基本的美学特征就是肢体语言所表现出来的一种动态的造型美,再简单地说就是人的身体的动作美。下面小编为大家搜索整理了关于现代舞蹈的艺术审美特征，欢迎阅读欣赏，希望您喜欢。想了解更多相关信息请持续关注我们应届毕业生培训网!

动作美是舞蹈美学特征的原点，从原点出发，舞蹈发展到了现在，早已是一种综合性的艺术了，现代化的舞蹈艺术其表现手段越来越丰富、越来越高明、越来越复杂、越来越依赖于各种现代化的辅助设备。无论是独舞还是群舞，必须要依靠多种因素、多种形式、多种手段来适应和满足人们不断变化的、超前的审美诉求。现代化的舞蹈艺术的审美特征应该包括基本素质美和综合美两方面。

舞蹈演员的基本素质包括力量、柔韧性、稳定性和控制力、协调性、灵活和耐力，这些素质相应地构成了舞蹈的素质美，即力度美、柔韧美、稳健美、协调美、灵活美，素质美是形成舞蹈美学的基础。

力度美里应该包含力量美，力量是人体某部分用力的能力，这种能力是人体肌肉收缩和紧张时所表现出来的。有力量的演员做动作时速度快、控制力强、弹跳力好，容易完成各种高难度的复杂的动作，力量弱的演员当然就差强人意了。力度是体现在某个单一的舞蹈动作和整个舞蹈中的张力和气势，是一种刚的东西，有柔就有刚，美就是对比。力度美的体现在舞蹈中是不可或缺的，根据舞蹈作品思想内涵的需要，很多舞蹈动作都必须用强劲的力度、力量来展现，一个强劲的具有爆发力的舞蹈动作和舞蹈场面，带给观赏者的震撼和冲击是很大的，所产生的艺术效果自然是不可估量的。

柔韧美要从舞蹈演员身体的柔软度和舞蹈动作的柔韧性中体现出来。柔韧性通称为软度，有软度的演员动作幅度大，肢体能够随意弯曲、伸展、变形，轻盈巧妙、婀娜多姿。舞蹈演员的柔韧美带给人们的美感是无与伦比的，一个没有软度的、挺着僵硬身体跳舞的人其美感就会大打折扣。所以，舞蹈演员的柔韧性训练要经历长期而艰苦的过程，任何美的实现需要付出代价，付出代价的美才是有价值的。

稳健美体现在某个舞蹈动作和造型的稳定性和控制力上，有些舞蹈动作和造型需要相对长一些的时间空间来完成，比如下腰、劈叉、抬腿、探海、旋转、跳跃等，需要较长的时间瞬间完整地完成这些动作，要有稳定性和控制力，否则，只完成了一半就感觉支撑不住或完成得勉勉强强，这就表现出稳定性不够和控制力差的现象，给观赏者造成美中不足甚至为你捏把汗的感觉，这时候舞蹈动作带给人的美感就荡然无存。

协调美体现在舞蹈演员身体各部位的配合，头、手臂、肩膀、腰、腿、脚等是舞蹈动作的分支部分，是舞蹈语汇形成的关键所在，缺了任何一个都不行，一个单独的部分有可能完成一个单独的舞蹈动作，但不能完成一连串、一整套动作，它们之间密切、协调地配合才能挥洒出千变万化、多姿多彩的舞蹈形象。

灵活美体现在舞蹈演员身体各部位的应变能力、反应能力上，身体的灵活性对一个舞蹈演员来说非常重要，舞蹈演员不是靠灵巧的嘴说出灵巧的语言，不是靠美妙的嗓音发出美妙的歌声，要靠灵巧的身体作出灵巧美妙的`动作。一个头脑灵活的人不一定身体也灵活，一个身体灵活的人不一定头脑也灵活，但是一个舞蹈演员必须身体要灵活，笨手笨脚的人做舞蹈演员肯定不合适。所以，舞蹈演员一定要看其身段，看其体形，美的身段，美的体形，才能跳出美的舞蹈，灵活的身体才能跳出灵活的舞蹈，笨拙的舞蹈肯定是不美的。

舞蹈艺术的综合美包括情感美、形象美、服饰美、道具美、音乐美和舞台美等几方面。

舞蹈是用身体语言来表达人类情感的艺术，它绝对不应该是用一些简单的、机械的、无意义的动作来释放身体的生理能量。好的舞蹈能够使观赏者深深地感悟到舞姿当中的各种复杂而细腻的情感，能够看出故事情节，能够看出矛盾冲突，能够看懂舞者所扮演的角色形象。

舞蹈的情感美应该包含表情美和思想情感美。表情美指的是舞蹈演员面部表情，包括化妆、舞蹈表演中所需要的各种情绪状态。舞蹈演员应该有一个娇好的面容，化装是必须的，在舞台上演出，由于服装、灯光的辉映、面部要进行合理的、配套的化装，化装还要与舞蹈作品的风格特点相符合，每一次的演出，每一个作品的演出，化装应该有所不同，不管什么演出、不管什么作品，千篇一律地化装或每次只把脸蛋化漂亮的单一的僵化的做法，是不利于求变求新的美学思想的。

思想情感美是指舞蹈脚本的主题思想美、编导的创意美和每一个舞蹈作品本身所包含的人文思想美，有很多舞蹈作品有着很深的意境和思想情感内涵，艺术性和思想性结合得比较完美。舞蹈编导者和舞蹈表演者，首先应该了解舞蹈作品的思想内涵，你了解了这个作品，你才能表现这个作品，你发现了这个作品的美，你才能表现这个作品的美。

舞蹈艺术主要靠静态的人体形象和动态的人体形象来表情达意的，所以，在某种意义上来说，舞蹈也是一种静态的人体美和动态的人体美的展示过程。按照舞台美学标准来要求，如果是集体舞的话，舞蹈演员既要有集体的形象美又要有个人的形象美，不管是群舞演员还是独舞演员，在舞台上都要显示出高雅的气质和美好的形象，独舞演员的标准应该更高一些。

这一切使舞蹈服装更加漂亮，更加具有美感。舞蹈编导者和舞蹈服装设计者，对于舞蹈服装的款式、色泽的选择，是一个美学课题，尤其是舞蹈编导者，既是舞蹈动作的设计者，又是舞蹈服装的设计者，其美学眼光和审美能力，直接影响着舞蹈服装的美学标准的高低。

舞蹈道具在舞蹈中具有重要的作用，它不仅能够说明人物身份，表明舞蹈特定的环境，更重要的是能够增强舞蹈表情的感染力。舞蹈道具有实体道具、抽象道具、演员身上的道具、舞台上放置的道具等。娴熟运用道具，可增加舞蹈形式的美感。由于舞蹈道具是舞蹈表现的重要辅助工具，它的制作和运用要符合舞台美学要求，要简洁、美化、形象化，道具美和服装美都有着“异具同工”之妙。

现代舞蹈表演的伴奏音乐都是电子音乐，由于音乐制作软件的空前发达，制作出来的舞蹈伴奏音乐，更加适合于舞蹈表演，美感效果更加突出，制作者的水平也越来越高，使舞蹈伴音乐进入一个崭新的时代。当下由于商业气息的浓厚，再加上制作者的水平良莠不齐，急功近利、粗制滥造的舞蹈伴奏音乐也有不少。高水平的舞蹈表演需要高水平的舞蹈伴奏音乐，只有两者相得益彰，“好马配好鞍”，才能真正体现出舞蹈伴奏音乐的审美效应。

舞台美主要是指舞台布景和舞台灯光。我们通常所说的“舞美”实际就是舞台美术设计，包括舞台背景的设计、天幕、侧幕的设计、前台的设计、大小型舞台道具的设计。舞台灯光由于档次不同效果也不同，这是客观因素，灯光效果的实现还要靠灯光师的调控，这是人为因素，两种因素都会影响舞台灯光美学效果。