绘画教学方法与技巧范文（20篇）

创作出一幅深刻印象的画作，用眼睛来观察形状，阴影和色彩，在挥洒颜色和负空间中享受快乐，水彩创作中还有很多技巧。以下仅供参考！

阴影是水彩画中最重要的元素之一。光线越强，对比越强，阴影的边线越清晰明显；如果光线可以穿透物体，投下的阴影则轻淡一些；穿透性越差的物体，其投下的阴影越重。

在绘制被光线穿透的这三瓣花瓣的形状时，我们发现画中并没有明确的阴影分界线；唯一使花瓣跃然纸上的方法就是将角落的阴影涂暗。在背景中使用更深的颜色可以带来色彩的反差，增加画的景深。

描绘清晰明了的阴影边线和变换的明暗度，可以带来强烈日光照射的视觉效果，让观众在不同的层次中流连。

结合阴影的柔硬来创造最佳的视觉效果。仔细观察这幅玫瑰的细节，你会发现柔和、清脆的阴影和明暗的变化在构图和加强立体感上起了多么重要的作用。

在调色板上用深赭和法式群青调制灰色。一次描绘一片花瓣。首先用清水湿润花瓣，然后用8号貂毛合成圆头画笔在花瓣上涂上简单几笔调制好的灰色。

使用之前同样的灰色颜料，用8号貂毛合成圆头画笔在阴影处涂上调制出来的更深色的颜料。这样能制造一种立体感。如果需要混合更多的颜色，使用大号的天然毛发画笔。

为花瓣增加深色的有对比度的背景，用20号貂毛合成圆头画笔涂绘面积较大的区域，8号貂毛合成圆头画笔描绘面积较小的区域。将最暗的灰（或直接用靛青）涂在干燥的画纸上，这样可以使明亮些的色彩跃然纸上，让暗的区域增加景深。

制作一个有各种绿色的表格，将黄色与蓝色，蓝色与绿色混合等等。这比使用单一的绿色管状颜料要带来更多的颜色变换。

用大号天然毛发画笔将花茎蘸上足够的清水，使颜料能够在水上自由流动。

用8号貂毛合成圆头画笔在花茎两侧涂上永固暗绿色或其他绿色混合色。为了避免两侧看上去一样，将一边画得比另一侧宽一些，并在花茎中间留有足够的空白，让颜色能够从两侧向中间自然地过渡。这种颜色和明暗的渐变能使花茎看上去有立体的圆柱形视觉效果；如果整根花茎上大部分颜色都一样，则看上去太平坦且没有立体感。

当纸表依然湿润时，在一侧涂上永固茜素红，另一侧涂上新藤黄。中部更为明亮的区域有助于描绘形状和增强色彩，同时允许两种颜色自然地混合且不会覆盖彼此。为避免颜色的混合，使用8号貂毛合成圆头画笔，用尽量少的笔触来完成。

为了增加深度，在花茎完全干后进行下一层涂层。在混合绿色中添加少许靛青来加深绿色。然后使用14号貂毛合成圆头画笔将混合好的颜色直接涂在干燥的画纸上（将颜色涂在画纸干燥处可以保持颜色的完整性，不至于流失太多）。用大号天然毛发画刷将花茎内部边缘柔化，使之看上去内部明亮，外部灰暗，这样花茎看上去更加有型。

5.混合

如果有过多的颜料流至中部，可以用干净潮湿但不是湿润带水的大号画笔将多余的水或颜料吸走。使用大号画笔可以避免过多笔触及晕染和散色的可能性。

6.营造幻影

我们可以从右图中发现，柔和的混色和颜色的过渡可以让高光的中部营造出最佳的形状效果。花茎两侧的深色使之看起来有圆柱形的效果，而不是扁平的。

让构图紧凑且生动的一个途径是使用互补色。这个技巧与上面运用在花茎上的.技巧相似，在外部涂上深绿，在内部涂上明亮的色彩，这样你就有空间来涂互补色。

草绘完绿叶的形状后，用大号画刷在叶内区域涂上清水，画刷尽量接近叶子勾勒的边缘，但不要触碰。如果超越了边缘，上色时，边缘很难保持清爽。涂上足够量的清水，让颜料能够自由流动。

用8号貂毛合成圆头画笔将新藤黄和永固暗绿的混色或你最喜欢的混合绿色沿着叶子边缘涂色，尽量避开中间区域，好让边缘的绿色颜料逐渐回流到清水处，营造出柔和的混合效果。

当纸表变得没有光泽时，用20号合成圆头画笔涂上互补的红色。此图中，永固茜素红的效果不错。合成画笔能更好地控制水和色彩。尽量减少笔触，在叶子中部一笔将颜色沿着叶子边缘的形状涂上。因为叶子中部的绿色比边缘的绿色更为明亮，红色能够很好地保持它的颜色，而不会因过度混合变成中性灰色。

用画丙烯画的合成画笔中的尼龙画笔比水彩画笔的笔毛要硬挺，可以更容易地画出自然的纹路。从最大最明显的脉络开始，将画笔倾斜一定角度，然后用画笔的笔端勾勒出纹路。

勾勒出脉络并等叶子变干后，用8号貂毛合成圆头画笔在每根经脉旁边轻轻描上一抹颜色，以增加深度。用干净的20号貂毛合成画笔拭去多余的粗线条。需要时将画纸斜提起，让颜料自然混合。放置晾干。

画作变干后，重新审视画面颜色。如果颜色变淡，增添涂层。重复步骤4和步骤5。涂层越多，经脉越显得生动。

漫画是人们喜闻乐见的一种通俗的艺术形式，也是表达历史信息的一种方式。以下是小编整理的关于漫画人体绘画技巧，希望大家认真阅读!

只有熟知了人物的体型特点，才能使绘画出来的人物更栩栩如生。

1.小孩：孩子的头部较大，一般比例为三到四个头高。

2.成年人：人体立姿为七个头高(立七)，坐姿为五个头高(坐五)，蹲姿为三个半头高(蹲三半)，立姿手臂下垂时，指尖位置在大腿二分一处。

3.老人：由于骨骼收缩，老年人的比例较成年人略小一些，在画老年人时，应注意头部与双肩略靠近一些，腿部稍有弯曲。

男性：男性肩膀较宽，锁骨平宽而有力，四肢粗壮，肌肉结实饱满。

女性：女性肩膀窄，肩膀坡度较大，脖子较细，四肢比例略小，腰细，胯宽，胸部丰满。

通常女主角为七个头高，而男主角为八个头高。正常掌握人物的比例关系对画好漫画是很重要的。漫画中为了表现人体的美，经常采用一些夸张的画法，也就是在适当的部位做一些变形处理，常会运用一些夸张手法将人物的身材拉长，但是变形是建立在人体基本结构基础上的。女孩子的特点是全身曲线圆润、柔美，要注意胸部和臀部的刻化。手、胳膊与腿要纤细，手腕和大腿根部在同一个位置，胳膊肘的位置在腰部附近，画侧面像时，要注意画出关节部位、臀部与大腿根部处的关系，肩膀的位置画准确胳膊就显得自然了。

要想准确地将故事中的所有人物介绍给读者，就该掌握不同年龄、不同性别人物的画法。为了让剧情能更深地打动读者，就应尽量做到将正面角色的英俊、美丽、善良都表现到极点，反面角色的凶残、狡猾也应夸张到位，切忌人物的中庸，这一点很重要。漫画的很大一部分意义在于它的夸张，设计人物造型时也应遵循这一特点。

很可能在上次打棒球时，你没有腾空跳跃起来劈开双腿去抛球，那么随之也就没人再买票来看你打球了。卡通角色也是这样，他们的观众是一些期望获得逗乐效果的人。动画给人的乐趣之一就在于动画艺术家们总是能够创造性地描绘各种寻常的动作。作为漫画家你要把每一个寻常的动作都当作问题来探讨，并以逗乐的手法来加以表现，但同时还要使之与角色和故事相匹配。

掌握人体头部的基本结构，是画好漫画人物的基础。一般把头部分为两个大块。头的'上半部归纳为一个椭圆形，而头的下半部归纳为梯形;细部的结构位于头部椭圆形的中央;眉弓画成一个长方形，颧骨也看成长方体，它位于头部梯形的上半部;穿插结构要比眉弓部分的长方形要向里一些，在颧骨的下面;口部归纳为一个圆柱体，它插在颧骨长方形下部的那个面;最下面是下腭，把它看成一个长方形将它与梯形穿插起来;鼻子起始于圆柱形的上半部，终止于眉弓长方形的根部，它也是一个长方体;眼睛也位于眉弓长方形的根部;嘴在圆柱形二分之一向上一点儿的位置。通过对头部的基本结构的理解，可以画出头部的基本形状，这样会使其形体结构更准，然后在此基础上通过轻微变化便可以画出不同的人体头部。因为人的头是一个球体，就是说它是立体的。用十字和圆表示的话很简单，在圆形的基础上，将人脸部十字线画出来，根据十字线的位置将人物眼睛、鼻子、嘴画出来。

四分之三侧面：线不变，竖线要向一弧，耳朵的位置在眉弓到鼻底线之间。

正侧面：鼻子是突出的，耳朵的位置在人物头部的二分之一处。

正面上仰：以鼻子为中心，眼睛、耳朵都会象球体的感觉偏向下方，眉弓到鼻子的距离要缩短，鼻底到下颌的距离要长。

斜侧仰视：最大的特点是眼睛和鼻子的位置很靠近，耳朵位置稍偏下。

正面俯视：头顶变大、下颌变小，鼻子向下，眼睛眉毛略微向外侧上扬。

斜侧俯视：耳朵位置上升，下颌向下靠侧。

脸部透视：由于是仰视图，眉弓线会向上移，将画面的中心线定好，鼻底线也会向上提高一些，然后根据眉弓线和鼻底线将耳朵的位置定好，并根据眉弓线将眉毛的位置定好。正面的头部透视。在脸部的基本形中间定一个中心线，再把眼睛的位置定下来，这条线是眉弓的上缘线，这条线还有一个作用，就是人物正面的耳朵的上缘起始部分，恰恰与眉弓线相吻合，鼻部的鼻底线正好是耳朵的下缘，眼睛在眉弓线以下的地方，而眉毛则在眉弓稍上的一点地方，有一点要注意的是，不要将人物的发髻线定得太靠下，发髻线的位置在头部眉弓长方形的上缘部分。

侧视的头部透视：将脸部的基本形定为一个方形，耳部在这个方形的中间二分之一处，定下眉弓线，耳朵的上缘部分与它对齐，鼻底线能定出耳朵的下缘部分，眼睛位于眼框的里面，将它画得向里一些。

仰视的头部透视：由于是仰视图，眉弓线会向上移，将画面的中心线定好，鼻底线也会向上提高一些，然后根据眉弓线和鼻底线将耳朵的位置定好，并根据眉弓线将眉毛的位置定好。鼻子与眼睛的透视也会因为角度而改变，同样要注意发髻线也要相应的向上提高。

俯视的头部透视：头部的大体形定好后，根据俯视的透视关系将眉弓线定好，再根据眉弓线与鼻底线将耳朵的位置定好，并根据眉弓线将眉毛画好。其中有一点要注意的是，眼睛的形状和仰视相反，颈部与头部的穿插关系也是很重要的，将发髻线根据透视关系稍微向下移，并加上头发。

漫画在表现人物的时候，通常使用夸张的手法。但是夸张也是建立在事物的基础上的。掌握人物面部各种表情的画法，是学好漫画绘画的基础。

漫画虽然可以夸张，但不能无限，只能建立在现实事物的基础之上，所以我们在画人物的时候，首先观察真人是必要的。一般情况下，人脸的正面整体形状像个鸭蛋，发际到眉毛、眉毛到鼻尖、鼻尖到下巴的距离大致相等，脸宽为三个眼睛的长度，头部在平视状态下，耳朵上沿略低于眉毛延长线，下沿到鼻尖(当然，这只是平均情况，人耳有大有小，脸有长有短，不可能总符合标准)。一般漫画夸张的较多的是人脸，其他部位就夸张的不多。

由照片可以看出，男性眉骨较高，前额平坦，头骨形状较方，线条粗犷，脸一般比女性长，眉毛比较浓、粗，鼻子线条较接近直线，鼻形比女性的宽大，脖子比女的粗;女性的头骨小，线条较柔和，脸的鼻线条圆润，前额圆满，眉骨不凸，下巴一般比男性稍尖，皮肤较白，睫毛长。由于男性头骨比女性的大，眼球大小相同，所以给人的感觉是女性眼睛比男性的大，这在漫画中得到了夸张。在漫画中，女孩的形象便成了大眼、圆脸、小翘鼻、小嘴的样子，这是由真实夸张而来的。男性的眉毛则一般画成剑眉，和眼睛的距离比较近，这样可以使眼睛透出一股英气。侧面头像的画法仍遵循在垂直方向上的三等分。注意男女侧面的区别：女性圆滑的前额，额头与鼻梁柔顺的衔接，平坦的眉骨，细长的脖子;男性线条可用直线勾勒，平坦的前额，突出的眉骨，粗眉、粗脖子、笔直的鼻梁，转折明显的颌骨。

人物绘画技巧有哪些？人物绘画不要仓促作画，构图时注意人物位置是否合适以及人物前方的空间要大些。以下就是小编整理的人物绘画技巧基础内容，一起来看看吧！

在作画前要养成观察对象的特征、酝酿自己情绪的习惯。根据对象的职业、年龄、气质、爱好等考虑该如何表现，最后欲达到怎样的效果。成竹在胸，下笔就大胆潇洒。不要仓促作画，构图时注意人物位置是否合适以及人物前方的空间要大些。虽然这是老生常谈，却是决定整幅画是否完整舒服的.关键。

这点非常重要。万丈高楼平地起，没有坚实的墙基不堪设想。轮廓即墙基，要抓准，就要抓住头部基本形、五官位置、明暗交界线的位置、头与肩的关系。

要画准轮廓，就必须整体观察，整体比较，多运用辅助线帮助确定位置。在抓外形时要狠抓特征，要画得像。外形初见端倪，形象呼之欲出。就如公园门口的艺人用剪子剪影，轻而易举地将人物形象显现出来，尽管看不清过细的内部结构，我们照样能够认出他来。有些不注意这一步，形还非常含糊，便匆匆忙忙去画五官了。这样画出来的画怎么能逼近对象呢！

在画准外形的基础上，五官位置也需狠下功夫。在画五官时要注意中轴线的运用，除绝对正面外，中轴线根据头的动态呈孤线，很多同学不理解这一点，画稍侧的角度，头总是转不过去，当然感觉就很差。五官位置可以根据三停五眼的基本规律，在共性中找出人与人的形象特征，画出人与人的千差万别。

在打轮廓时要注意眉、眼、鼻、耳的长和宽以及厚度的位置。如果这一步画不准千万不要深入，更不能上明暗。画眉毛要注意眼窝上下凹处的骨点和通过颞骨处凸的转折所呈现的眉深眉淡。画眼则要将四个眼角处于一条平行线上，否则眼睛就有高低，感觉不舒服。画眼很重要，上眼皮和下眼睑有区别，一般上眼皮较重，原因是有厚度，且眼睫毛较深，阴影投射在眼球上，往往这里是整幅画的最深处，很有神，也易将眼球包在眼皮之中。

下眼睑受光，要亮，不然就如戏妆了。嘴的刻划也关系到人的表情。首先要确定上下嘴唇的厚薄，还要注意嘴唇不能用线勾得过死，嘴的上翘下垂，非常微妙。画耳要与眼鼻嘴联系起来看，有些考生不愿多画耳朵，甚至将耳朵当作负担。要么虚不过去，影响空间，要么跳得厉害，破坏整体。

在幼儿的绘画教学中，教师对于不同年龄段的幼儿应采取不同的教学方法，让幼儿掌握必要的绘画知识，培养幼儿的绘画技能。下面是小编为大家整理了教学方法技巧，欢迎大家参考借鉴。

心理学研究表明，幼儿绘画发展划分为涂鸦期、象征期、图式期与写实期四个阶段，教师必须科学地分析幼儿美术生理、心理等特点与技能发展规律，正确地认识到幼儿在不同时期的美术发展实际水平与能力需要，从而针对他们不同时期的不同需要制订相适宜的教学计划。这是发掘幼儿在绘画活动中创造潜能的有力保障。

幼儿知识经验贫乏，思维没有定式，要培养幼儿创造性思维的能力，帮助幼儿积累各种关键经验比形式概念更切合幼儿的需要。因此，在教学中，必须变教师单向传授知识技能为引导幼儿主动观察、比较，通过亲身感受，互相讨论，将各种新旧知识结合，从而提升幼儿对事物的认识，促进他们大胆地乐于表现自己。

绘画是孩子从两岁多时就喜欢的活动，他们喜欢拿着笔到处涂涂画画，这也是孩子的涂鸦期，如果教师仅仅用简单的范画和教材指导孩子绘画，无疑会使幼儿的创造力和情感体验受到禁锢和扼杀。我们可通过多种形式来引导幼儿想象力的发挥，并把想象力运用在绘画中：

(1)通过给孩子讲故事来启发孩子的想象，让幼儿把故事情节用绘画的形式画出来。

(2)让幼儿通过编故事来绘画，从而发展幼儿自己创编故事的能力，并能把自编故事画出来。

(3)听着音乐来绘画。幼儿通过对音乐的`欣赏，能用线条、颜色或物象来表达自己对音乐独特的理解。作为幼儿教师，我们必须根据幼儿想象力的发展特点，通过事物进行观察了解来丰富他们的知识、经验，使幼儿的想象力通过各种渠道得以丰富和发展。

在幼儿的绘画教学中，教师对于不同年龄段的幼儿应采取不同的教学方法，让幼儿掌握必要的绘画知识，培养幼儿的绘画技能。

第一，小班幼儿处于涂鸦后期和象征期的早期，因此在造型上，他们所表现的形象还不能表现物体的基本结构和特征。观察事物时，没有明确的目的，观察的顺序紊乱，往往构图凌乱。从形象的主次关系看，小班幼儿常把物体一个个地罗列在纸上，而且每个物体都是孤立的，画面上的形象之间毫无联系，并且这些形象都分布在纸的边缘，原因就在于他们在绘画时常常边绘画边转动纸张而造成的。

指导小班幼儿绘画，应先从最基本的线条入手。为使幼儿产生绘画兴趣，教师可给幼儿讲一个有趣的故事，利用幼儿喜爱的故事情节感染他们，让他们在老师生动形象、绘声绘色的讲解中得到启示。

第二，中班幼儿阶段的绘画作品，幼儿不仅表现了自己和事物间感情上的关系，而且还表现出了一种空间的关系，从构图上看，此时的儿童作品中往往不止一两个形象，有时会有更多的形象。他们会把这些形象用排队的方式放在底线上，形成并列式的构图方式。他们绘画中的形象主题并不相关，表现出目的性的差异。对于物体之间的大小关系，他们也不注意，但已经开始把空间关系试图表现出来。可以说，这一阶段的幼儿对于形象的分布及主次关系的处理能力有了一定的发展。

第三，大班幼儿绘画技能训练把绘画技能学习与创造力两者结合起来，如果只重视技能，而忽略创造力培养，或忽略技能只追求创造，这样的教育观念都是片面的，会使幼儿绘画能力的发展受到严重制约和阻碍。教师应认识到，绘画技能的学习不能单独进行，应与幼儿创造力的培养有机结合，在重视幼儿绘画创造力的同时，使幼儿学好绘画技能，用心绘画，展现内心的丰富情感和独特的对世界的认识。

恰如其分的评价能激发幼儿作画的兴趣和对绘画的创作热情，让幼儿体验成功的快乐。教师要淡化自己的权威意识，不能用评价艺术作品的眼光去严格评价幼儿的作品。要面向全体，给每个幼儿机会，使孩子的创造火花都得以展现，获得成功感。

在讲评过程中，教师最好做一个合格的听众，请幼儿把自己创造作品的思路淋漓尽致地展示出来，让幼儿真正成为活动的“主人”，这样会在无形之中调动幼儿参加活动的积极性，激发幼儿的创作、表现和操作的欲望，使幼儿创造的激情得以释放，为幼儿今后的操作活动中积累更多的经验。

(1)作品要有孩子亲身生活的感受和生活的情趣。

(2)作品要有深刻的内涵和丰富的想象力。

(3)幼儿要学会使用绘画的基本技巧。按照这些要求，教师在评价幼儿的绘画时应以积极、亲切、和蔼的态度，善于发现幼儿作品中表现出来的稚拙以及独特的个性特征，进而激发和鼓励幼儿对于绘画的表现欲望，让他们的画笔在手中挥洒自如。

明白画画的诀窍,可以立刻提升你的绘画技巧。以下是为大家分享的6大绘画技巧，供大家参考借鉴，欢迎浏览!

绘画是一种艺术，不是一项普通的工作，作画过程中作者的思想、情绪、感受极大地影响着画面的最终效果，没有思想、没有激情的画面是空洞、没有感染力的。有的同学认为“画得多了就提高了水平”，于是一味地增加作业数量，盲目延长作画时间、好像只有这样才算“努力”。而实际上呢?由于身心疲惫，作画时已经是漫不经心、胡思乱想、精力不能集中了，何谈“思想”与“激情”?其作品也只能是徒有形式，毫无神采，“多画”是在“画好”的基础上多画，而不是无目的的多画，在作画时出现厌倦情绪时可休息片刻，或改色彩、速写，实行自我调节。只要用“心”作画，就一定会使自己的艺术水平得到有效提高的。

“整体观念”是一个老生常谈的话题，也是一个比较难解决的问题。相当一部分学生“只见树木不见森林”，不是造型、结构不准，就是上调子时死抠局部，使局部与整体脱节，画面花、杂、乱，作画要的是整体的最后效果，没有整体的局部，再精彩、再深入也毫无意义。既然整体是关系到一副素描作业的成败，那么处理好局部与局部、局部与整体的关系就显得尤为重要，“专注局部，忽视整体”将最终造成“整体”的失败。

有的学生素描基本功应该说不错：构图完整，造型准确，线条流畅，体积感强，并且深入得十分细致入微，面面俱到，对所画对象、背景的任何一个细节都不放过。像这样的作品只能算是“技术熟练”，而谈不上“艺术高超”，因为画面没有重点、没有取舍，什么都画其实就等于什么都没画，所以在深入时一定要通过认真观察分析其结构、特征，结合自己的感受，将对象理性地、艺术性地反映在画面上。要大胆取舍，该突出的刻画入微，该省略的一带而过，做到有主有次，有详有略，千万不能“眉毛胡子一把抓”。

在很多学生中存在着这样的问题：喜欢画写生，不愿在临摹上花费时间，也不屑于临摹。这种认识是错误的。临摹是学习的一种重要方式，每位成功的画家都通过深入学习、研究、借鉴前人的作品汲取了大量的营养，为成功奠定了坚实的基础。通过临摹优秀作品来学习他人的宝贵经验，可以使视野开阔，思维更活跃，头脑更具有理性，实现作画水平的有效提高，实在是一件很“便宜”的事。

在重视临摹的同时也必须要注意一些问题：

二是对临摹作品要有一个理性的认识，不能全盘照抄，要做到去粗存精;

三是临摹要有一个“度”，要与写生结合进行，临摹是学习手段，写生才是目的。要避免因盲目、过多的临摹而压制思维，束缚个性的发展。

有的同学忠实贯穿“苦练”战术，作画非常刻苦、勤奋，但水平却长期停滞不前，许多问题依然存在。虽然他们很“勤奋”，但不会总结经验，不知道要解决的问题，也就更谈不上如何解决问题，这种“勤奋”只能算是漫无目的`的蛮干。“人贵有自知之明”，我们一定要清楚自己的优点和缺点，在保持优点的同时，针对性地去克服与解决存在的问题。

素描是造型艺术的基础，对考生考查的主要是素描的方法和造型，但不同的院校对素描的画法、风格是有一定的偏好的，不同科系、专业对考试的命题、作画要求和评分标准也有所不同，“知己知彼，百战不殆”，所以，根据自己的报考意愿、针对不同的院校、专业的不同特点、要求，确立学习目标，做到有的方式学习和训练，也是美术高考取得好成绩的一个重要方面。

漫画是绘画艺术的一个品种，常采用夸张、比喻、象征等手法，讽刺、批评或歌颂某些人和事，具有较强的社会性，也有纯为娱乐的作品，有较强娱乐性，娱乐性质的作品往往存在搞笑型和人物创造型。以下是小编整理的关于漫画人物绘画技巧，希望大家认真阅读!

如今就让我们从最常见的幽默诙谐的画面式眼球--“美貌女子型大眼”的画法着手啦。先画一条上进弯的曲线,曲线无上处的线条要画得些微粗些。这处我们画的是脸部右面的眼球(也就是人物的左眼)，因为这个曲线左端要比右端高(日式的大眼球眼犄角儿有点耷拉，楚楚怜惜的模样，然而垂得太利害了，虬龙女便会成老龙婆)。 实际上这个还没成型眼球的顶端并非完美的曲线，而是稍带些棱角。也有点类型的眼球几乎绝对在正顶端屈曲.

擦掉匡助线，在眼球里边画一个长的鸭子蛋圆形。也有点幽默诙谐的画面人物的虹膜(就是眼球)是个大的圆形, 然而这处我们把它画成纤纤的鸭子蛋圆形，当然你可以依据自个儿的爱好把式样调宽些。鸭子蛋圆形上部将被上眼线所覆盖--实际上无论哪种风格的眼球，我们都没有办法绝对看见整个儿眼球，上部几乎都要被眼框边缘打掩护(当然惊慌、激愤时例外)。

下一步,绘制眼球高光的大概轮廓线。一般幽默诙谐的画面人物的眼球会有一点暗影。幽默诙谐的画面中女孩普通也都具备表面化的暗影和光泽。稳固建立你画中挑选的光源，况且在整个儿银幕中都是始末未变的。举例来说，假如在一张画中光线是从左面映射的,那末银幕剩下局部的高光区也务必源于左面,否则光线所萌生的明暗关系就不协调了(错非你运用了多个光源，然而本教材不牵涉到此范围)。画两个长鸭子蛋圆形: 大的`鸭子蛋圆形在虹膜(眼球)的左上部(与虹膜的边缘层叠,如图所示),细小的那一个在眼球的另一边儿。

继续,在高光的下边画上瞳孔。高亮区普通位于上端，务必别把瞳孔画到高光下边了。 再绘制眼睫毛，我们所画的这个眼球，眼睫毛是从眼球右上部长出的蝉联的穗状物。眼睫毛要顺着眼球的曲线来画,看起来才会像是由眼上长出的，别光画些粘在她眼球上的“z”形的折线^_~实际上眼睫毛就是从眼皮儿上面娩出的纤小曲线啦。

(此小地儿述为ps的功能)点击层面板上的选框，将层1设定为 "尽力照顾区透明区"(preserve transparency),如左图所示。这么你只能在已有的线条上加色，而不会把没涂颜色的空白处弄脏。 它的效用十分关紧。:)选一支大的画笔，用纯黑色(0,0,0)在整个儿银幕上涂抹。 所勾的边线将会成为它应有的黑色。 :)

好，现在我们开始画另一种风格的眼睛--不是我们通常所见的一种。 这种类型更细长、优雅，看起来也写实一些, 所以比较严肃的动、漫画中常常采用。这种特殊的眼睛属于deedlit “lodoss war”(是不是《罗德岛战记》?)类, 比杀手还要酷得多的造型(这种眼睛始于杀手!)。先画一条细长的曲线。左边应该比右边低，而且线左边的转折处要锐利一点。

为了易于定义眼球的底边,从眼球的边缘着手轻轻画两条对角交错线作为匡助线。与上头的教程不一样，此处的匡助线没那样子铅直。匡助线越趋于平行线,眼球将会越小。不过也别画得太过于平直,由于你不会期望这双眼球成为侧目吧。经过匡助线绘制眼球的底线。

擦掉匡助线，绘制虹膜(眼珠子)的大概轮廓线。 假如没有眼皮儿,眼珠子将会是一个完美的圆形。不过，眼珠子既被眼皮儿的边缘挡住,则我们看不到眼球的顶端和底部。眼珠子不要画太小，至少你能看到完整的物体。(错非你想要奉达某种情绪，譬如悻悻还是惊讶，然而这是另一小批所讲评的内部实质意义了)

水墨画，是中国绘画的代表，也就是狭义的“国画”，并传到东亚其他地区。基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷，后者有时也称为彩墨画。下面一起来学习水墨画的绘画技巧吧！

贝老师开始由头部画起，画头发时，墨要多些，以五分之三的墨和五分之二的水配比融合后进行绘画，由于贝老师的写意水墨人物，没有线条，着重要呈现的是墨色的渗化晕染效果，所以在运笔时，注意掌握晕化的程度。

接着定位眼睛和嘴巴，此时水和墨的比例基本为一半一半，笔不要太湿，中性饱满为宜。先大笔蘸上所要表现的墨色，然后在笔尖蘸上浓墨，用笔卧倒，并向所卧倒的侧方前进，这是从点厾法发展变化而来，几笔便能表现出体面，注意外轮廓不要化开，以使脸形不清楚。

由颈到肩到手的处理很是关键，运笔要注意力度、顿挫、回旋、伸缩和转换等。特别是转换，笔管不要握死，在手中要经常转动，形成变化，并且有行有留。总之不管是点还是面，都要见笔，笔法不紊乱、不互相干扰，便能呈现很好的动态转折。

背部也是体现动态的一处转折，不宜画得太深太黑。腰部因为有束缚，所以则用浓墨表现。以点厾法为主进行描绘，轻快随意，运笔不亦过快，过快容易无味单薄，也不要过巧，要能拙中见巧。

裙子则以点厾法和书法中的'啄法结合表现，啄相对更有力些。绘画时，可任其水墨淋漓扩散，但在体现形体的部分对水分要适当控制，注意上部受光处墨色略淡;中部较浓与腰部呼应;下部则不深不淡，墨色适中。注意裙子与手间的留白即空出来，让这个部分有透气的感觉。

最后做一些细节处理，如头发边缘用枯笔挑一挑，裙子的边缘也挑一挑，呈现质感;再调整总体墨色，使其透明活泼，气韵生动。让我们不由得哼唱起来“随着脚步起舞纷飞，跳一曲春天的芭蕾，天使般的容颜最美，尽情绽放青春无悔。”

构图中的变化与统一，也可以称为对比与谐调。因为在绘画中，总是通过对比来追求变化，通过谐调来获得统一的。在画面中如果忽视这一构图法则，失去变化统一的效果，其表达的主题就不会生动，也不可能获得最完满的形式美感。接下来，小编为您介绍了绘画构图技巧分析。欢迎欣赏与借鉴。

构图中的变化与统一，也可以称为对比与谐调。因为在绘画中，总是通过对比来追求变化，通过谐调来获得统一的。在画面中如果忽视这一构图法则，失去变化统一的效果，其表达的主题就不会生动，也不可能获得最完满的形式美感。

画面中的对比变化因素很多，包括视点、视平线的变化，位置重复与变异的变化，形的对比变化(如方与圆、单薄的形与饱满浑厚的形等)。形体与空间大小的对比变化(画幅中形体小，显得空间大;形体大，显得空间小)。明暗的对比变化。色彩的对比变化(如色相、明度、纯度、冷暖等色要素的对比)。线的性质的对比变化(水平线与垂直线、平行线、垂直平行曲线、斜线等)。质地肌理的对比变化(如粗糙表面与光滑表面)。以及表现方法中的笔触运用，颜色厚薄等等对比变化关系。其中大多数变化因素与构图有关。

对比的因素，如何在构图处理上达到统一谐调的效果呢?

以罗马尼亚迪克·费伦克的黑白版画《渔民》为例，进行变化统一的构图分析，以便得到具体的领会。此作品构图复杂，充实饱满，结构严谨。画面中具有较多的'对比形式因素——黑白色块、垂直线与平行线、直线与曲线、长线与短线、垂直、平行线与斜线;河岸上门窗大小方块的形。画面中谐调的形式因素——画幅上半部分，以垂直因素为主，但也有平行因素;下半部分，以平行因素为主，而又有垂直因素。这种交错处理上下的对比因素，产生了呼应，使对比具有了谐调感。

布满画面近似大小方块的形，也是使画面在对比中产生谐调的重要因素。点和线密集的部分，空间视觉效果是灰色中间调，这使黑白的强对比趋向柔和而谐调。画的主体是船上的一群渔民，处理在明亮的河岸边，显得突出。人物形成的无规则的、多变化的起伏线面，是统一整个画面中的对比因素，从而突出了主题，形成画面的视觉中心。

谐调是近似的关系，对比是差异的关系。对比要通过画面诸形式因素的倾向性和近似的关系，来获得谐调感。以谐调与统一占优势的构图，也必定有处理某些变化的因素，使整个画面不致单调而有生动感。

松树历来被人们讴歌与描绘，成为国画中的重要题材之一。以下是小编整理的国画松树绘画技巧，欢迎阅读。

1.用兼毫抓笔，吸清水，再蘸浓墨以中侧锋兼施的笔法，先画出松干阴面的轮廓线。接着蘸淡墨按此法画出松干阳面的轮廓线。

2.用笔顺序是从上到下一段一段地接着画。画时要根据整体构图的需要留出接画枝干和枯杈的空缺。

3.在运笔过程中，手和腕的动作要有轻重、快慢、提按、转折、顿挫、顺逆和散拖的变化;从笔墨效果上要有刚、柔、枯、润、光、毛、苍、嫩等变化;从视觉效果上要有生命感、力量感和体积感。也就是说，画松干极为重视用笔的方法和功力。

4.生长在高山峰巅和峭壁间的老松仪态，或曲折而俯仰，或躬身而若揖，如巨龙腾跃，气势尤为雄奇壮观。勾线时应注情于笔，要气势连贯，如“笔走龙蛇”。墨色浑融协调，用笔要坚劲疾利，表现出古松苍皮老干、质坚势傲的风骨。

松树的干与枝，是一个有机的整体，松树的势态神仪主要由它们来决定。画松枝的用笔、用墨及运笔方法与画松干基本相同，但又有区别，其一是，线条比松干细些;其二是，画松枝要注意表现出前后左右的不同长向(即树分“四岐”)和疏密、隐现、长短、粗细、枯茂等变化;其三是，画老松要画出古枝屈折、回互交织、枝横劲而弹进的特征，以显出它们那种挺然屹立傲苍穹的精神。

为了表现松树历劫不衰、巍然挺立的精神状貌，在枝干的`转折处适当画些节窟(即树眼)、枯杈和短断枝是非常必要的。应以干浓墨为主，中侧锋画节窟，中锋画短断枝与枯杈，笔线要浑圆坚实。

在松树干枝两侧加着焦渴的密点称为点苔。要表现出松树皮爆裂的感觉。点苔时应审视全局，按艺术上的需要加点，注意疏密、大小、浓淡关系上的变化，切不可均匀地平铺。还应充分运用腕力，以“高山坠石”般的力度点出，达到神满气足的艺术效果。

松干的表面有鳞状的皱裂皮层，即“松鳞”，它是松树的特征之一，表现出松树苍劲伟岸的神韵。

在画完干、枝以后，紧接着就要圈鳞。用笔多为中侧锋兼施，并要注意以下几点：

1.要有虚实、疏密的变化，以表现松干的立体感，往往是阴面圈鳞而阳面不圈鳞，或两侧圈而中间不圈。

2.鳞片应有大、小、粗、细、浓、淡之别，不可千片一律。

3.干与枝、近枝与远枝的鳞也应有区别。相比而言，圈干上鳞片用线稍粗，鳞片稍大，圈枝上鳞片用线稍细，鳞片也稍小。近枝鳞片用墨稍浓于远枝鳞片。

4.整体用墨方法应以积墨法为主。即先以淡墨不规则地圈鳞，半干时再以浓墨破圈，并随手抹擦。

5.圈鳞时须情、气并盛，放纵其笔往往在有意无意之间，达“无意于佳乃佳”(苏轼语)的效果。

由于松叶呈针形，所以称为松针。

画松针应以“远取其势，近取其质”的方法作近似描绘，无须一一绘之。历代松针画法有十几种之多，这里举出双笔车轮针法，它是明代吴伟所创造的双笔画针法(自然界的松针，有许多就是每两针为一束地生长)。

画松针用笔以狼毫小楷中锋实起实收为主，如“锥画沙”，质如钢针。用墨可先浓后淡，多层重积。

身临松下而肃然心静之情意的产生，是与松针青翠苍郁的描绘分不开的。整幅作品水平的高低，从画松针的功力上已能看出个大概。所以，千万不可轻视松针。

用狼毫小楷笔或“花枝俏”笔画松针，双笔中锋，实起实收，质如钢针。用墨先浓后淡，浓淡交替，多层重积，注意留出主要枝干不画松针，以见其势。松针画完之后，再用淡花青色点染一遍。

全图画毕，选适当位置题款、押印。

1.画将无脖项，少女应修肩，佛容宜秀丽，神佛须伟壮;仙贤意思淡，美人要修长，文人如颗钉，武夫势如弓。

2.若要人脸笑，眼角下弯嘴上翘;若要人带愁，嘴角下弯眉紧皱。

3.心神畅然手拈须，气怒眼者眼拱张;手抱头者心惊慌，急步行走事紧张。

4.怒像眼桃把眉拧，哀容头垂眼开离;喜相眉舒嘴又俏，笑样口开眼又眯。

5.贵家妇，官样妆;耕织女，应时样;娃娃样，要肥胖;庄稼汉，衣裳越薄越显壮。

6.人各有习，习能有宜，认得此意，画无不奇(泛指人的动作与其生活习惯有关，画者如领会此意，画出人物必须新奇可观)。

7.美人样：瓜子脸，鼻如胆，樱桃小口蚱蜢眼;慢步走，勿奎手，要笑千万莫张口。

8.贵妇样：目正神怡，坐如山立(不歪不倚)。

9.丫环样：眉高眼媚，笑容可掬;咬指弄巾，掠鬓整衣;

10.贱妇样：薄唇鼠眉，剔牙异带，叠眼露掌，托腮依榻。

11.娃娃样：短臂短腿大脑壳，小鼻大眼没有脖;鼻子眉眼一块凑，千万别把骨头露。

12.贵人样：腰肥体重，耳厚眉宽;颈粗额隆、行动猪样。

13.寒士样：头小额窄，口小耳薄;垂眉耸肩，两脚如跛。

14.卑者(坏人)样：口斜胸凸，头低仰视;齿露眉错，必是细作(奸细)。

15.魔鬼样：头如牛、眉如帚、称砣鼻子火喷口，铃铛眼、核桃脸(起皱不平)，锯齿燎牙带耳环，胞臂腿壮生筋腱，袒胸露腹衣不全。

16.老者：抬肩、曲背、呆容、硬膝、转身慢、步平、手战(颤)、起迟、立歌、支杖、头摇摇点点。

17.少者：耳容、佻达、风流、身如弓、行步俏、双袖垂、两眼转。

18.立者：舒眉、凝眉、正容、恭袖、身端、步踱、背前探、手拈指。

19.武者：威容、眉锁皱、挺胸脯、腰劲直、步阔，侧立不可立、肘曲如抱月，手作推舟势。

20.贫者：愁容、锁眉、穷袖、腐肘、摩腕、搔鬓、缩头、耸肩、套手、擦涕、端正步酸子气、低视。

21.富者：欢容、捻指、昂头、仰面、舒眉、抹鼻、拍胸、撑手、圈指。

22.癫者：定眼、呆视、目直、斜步、手摇、头僵、胸露、身侧。

23.醉者：呆容、模糊眼、目倦、步跑、手欲扶、口欲吐、身摇、头垂、坐斜、浑身呈软状、独脚梗硬。

田：平头百姓、频洞脸宽，鼻大口方，耳腮有鬓，刚毅正直，适合表现武将和绿林好汉等一类人物，如《三国演义》中的周仓。

由：稳重自爱、憩静周正、安逸自在、宽待为协、长者之风、仁者之态、适合表现正派人物，如十八罗汉中的布袋罗汉。

国：五官结构，疏密匀称，庄重有谋，才华横溢，深思熟虑，韬略过人，器宇不凡，才须眉之感，适合表现有本领，或大器的人物，如文能表现李白、苏轼;武能表现岳飞、郑成功等英雄名士。

用：平顺正直，秀伟挺拔、满腹经论、纵横言谈、忧国爱民，宜于表现五柳长须的文人秀士，如杜甫、文天祥等。

目：青年俊秀，举止收敛，温雅文静，才思敏捷，风度翩翩，适宜表现小生、小姐一类的人物，如“梁山伯与祝英台”、“贾宝玉与林黛玉”等等。

甲：耳朵外撑、脸颊狭尖、频窄窄短、鬼头鼠形、三角眼眶、绿豆眼珠，适合表现小偷之类的人物，如戏剧《十五贯》中的娄阿鼠、《胭脂》中的毛大等，有时也可表现正面人物，象《水浒传》中的时迁等。

风：刚正慈善、融乐自如、潇洒超脱，不拘世俗，可用于表现仙道人物，如八仙中的吕洞宾、曹国舅等。

申：见财忘义、品格低微、如颜婢膝、露牙咧嘴，宜于表现讼棍一类的人物，如《水浒传》中的差役董超、薛霸等。

同：方形简洁，笑口珠唇、眉淡鼻秀，文相武身，常用于表现少年英雄，如《说唐》中的罗成，《三国演义》的赵云等，有时也可用于表现“如来佛”、“观音”和“文殊”。

王：上大下大，中间狭窄，霸气十足，骠悍勇猛。亦有刚正不阿，侠肝义胆，赤肠忠心。适合表现京剧中的“净”角，如武能表现《薛刚反唐》中的薛刚、《秦汉演义》中的项羽;文能表现《海瑞罢官》中的海瑞、《平妖传》中的钟馗等。

1.龙脸愁的像，出现必升降，龙身扁体甲，其数却无量;鹿角、牛鼻、虾眼睛、鱼鳞、鸡爪、蛇身体。龙有三停：脖停、腰停、尾停。

2.吊眼白额虎、正中写三横、虎尾斑点匀，为数十三整。

3.朝阳啸的凤，姿势欲翔腾。凤有三长：眼长、腿长、尾长。

4.笑的狮子脸，嬉球又跳升;九斤狮身，十斤头，一斤尾巴拖后头。

5.若要画肥猪，腿短拖地肚。

6.昂头挺胸马，画法三块瓦。

7.抬头羊、低头猪、怯人鼠、威风虎、鸟噪夜、马嘶蹶、牛行卧、犬吠篱。画戏猫，常洗脸;画白兔、前腿短;画雄鹰，两口眼;画麒麟，头似龙。

8.十鹿九回首(回首即是招呼群鹿共食，又是勾画鹿时时警惕异兽袭击的特征)。

9.蝙蝠从来行不拘，如龙似虎方称奇，虎头云身自如鼠，两翅斜飞有高低。

10.雀鸟行学画爪嘴;走兽先学画鲤鱼，尾鳃鳍。虫蝶先学画翅膀，花卉先学画瓣蕊。

1.丈山尺村。寸马豆人;远人无目，远树无枝，远水无坡，远山无皴，远阁无基，远船无帆桅。

2.山要高，用云托;石要峭，飞泉流;路要窄，车马塞;楼要远，树木掩。近山不可接远山(指应有隔隙);远水倒可接近水(指近处有湖塘，远处可画水口)，旅舍不宜半山腰，水路最忌去无路。

3.青树叶点点，夏树不露梢，秋树叶稀稀，冬树不点叶。

4.行云：缠延似流水、卧云平摆象如意，大云通身连气，小云巧而生灵。

5.四时点景：正月张彩礼，二月放风筝，三月花丛丛，四月放蚱蜓，五月酒帘红，六月荷花生，七月看天星，八月日当空，九月登高阁，十月调鸟虫，十一月摆盆景，十二月桃符更。

1.牡丹：小瓣尖端宜三缺，大瓣尖端四、五最，老干缠枝如波纹，花头空处托半叶。

2.梅花：枝不得对发、花不可并生，叠花如品字，发梢似燕飞。

3.果实：叶从果间生，不露大块，果中有斑纹，不显全身。

4.大花大果：花大不宜独梗，果大皆用双枝。

5.缠枝莲：梗细恰如明月晕，莲藤形似老苍龙。

1.文相软、武将硬。画戏剧题材时，文戏多用软色，如《西厢记》、《断桥会》、《昭君出塞》等;武打戏多用硬色，如《野猪林》、《李白成坐金銮》等。

2.软靠硬，色不楞。意指画衣装服饰或桌案景物时，大绿和深蓝或是大绿和大红靠近时，必须在两色间加一软色，如红袄要加扮蓝裙子就好;若粉蓝裙子，淡红上衣，腰间可加一深蓝腰带，则显得软中有硬而美。

3.要想精，加点青。古装画中的妇女或书生多用软色，以显清丽，但没有硬色，缺乏对比，故需要在人物衣领、底裙、袖口等处加一黑边，就和娇嫩粉面形成对比衬托作用，显出人物的精神。

4.红靠黄、亮晃晃。画神仙道释红袍黄项光，或红柱黄幔帐，袍带故事中红袍绣黄龙，黄袍骑红马，都显得华丽明耀。

5.精青绿、人品细。画故事画中的妇女，如用粉裙、青上衣、绿腰带;或绿衣、青色裙、粉腰带、画出的人品俊秀细美。

6.要想俏，带点孝。画面中的五颜六色，容易杂乱无章，重点不突出，如果加点黑、白、灰，就能重点俏然突出。

7.黑靠紫，臭狗屎。紫色和黑色都是“硬色”两色放在一起显得楞而不活。在吉庆题材的绘画中，最忌这两色相近，即使是粉紫色也很少和黑色靠近。

8.青紫不宜并列，黄白未可随肩。青与紫色相接近，配在一起不醒目。黄与白明度接近，二者配合在一起容易产生“同化”作用，彼此的个性都显现不出来。

9.紫是骨头绿是筋，配上红黄色更新。紫和绿是间色，红与黄是原色，红与绿是互补色;黄与紫也是互补，利用它们之间的强烈对比关系，乃属用色特点之一。

10.女红、妇黄、寡青、老褐。画少女穿红戴绿得活泼俊秀;画少妇加黄衣或巾带以示贵显;画寡妇身著青色益显肃穆;画老人用褐色最适宜。

11.红忌紫、紫怕黄、黄喜绿、绿爱红。红衣不配紫裤，红袍忌靠紫袍，紫(茄花)色相和黄接近，黄和绿靠近无妨，绿和红配显喜庆。

瓷板画《假寐》赵梦歌

瓷板画《云动》罗小聪

“我出生在景德镇陶瓷世家，记得小时吃饭的时候，使用的就是官窑的碗。”陶瓷艺术家罗英桂十七岁进入陶瓷厂，而在此之前来自家庭的熏陶早已使她深深爱上了古老而美丽的陶瓷艺术。但如今，她所探寻的，是要通过创新超越传统，发展当代陶瓷艺术。她说：“景德镇的陶瓷要完成从工艺到艺术的转化，需要漫长的过渡。而只有‘借力’具有国际语言的当代艺术，进行‘艺术嫁接’，才能加快这个过程。只要具有艺术和思想上的高度，不论是油画家还是国画家，都完全可以在陶瓷上实现自己的艺术想法。”

罗英桂创建的“人间瓷画”长期以来致力于瓷板画创作的推陈出新，营造了一所“没有围墙的学院”，她签约的艺术家也是风格迥异。

刘正作品中重叠相连的人体造型体现了瓷板画具有展现雕塑这一艺术形态的可能性。“我一直觉得我挣扎在一张网中，这张网是由复杂的历史文化构成的。一方面，我需要依赖这张网，使自己不至于悬浮在空中。另一方面，我需要挣脱这张网，使自己减少被束缚的痛苦和被窒息的危险。”这就是他的当代艺术创作理念。他的釉下彩瓷系列作品，立意新颖，逻辑思维缜密，通过具有生命力的线条，张扬了瓷板画的哲学空间。

赵梦歌从优雅的唐代仕女图中汲取灵感，以西方油画技法进行渲染，创造出青花风格的抽象人体作品。她以“我的精神自画像”思想为背景，进入当代瓷板画创作，成功塑造出中国传统文化中女性情感“无时间性”的欲望主题。她的作品不仅展现出了来自内心深处对爱和欲望的理解，还通过熟练的丰满的线条，勾勒出女性固有的想象旋律。在大千世界，具有无限的色彩斑斓的空间，然而真正属于每一个人自己的总是仅有的那样有限的一点，有时候，为了这样有限的一点，需要人付出一生的守候。赵梦歌的陶瓷绘画女性题材，就能够让人充满期待，处在永恒的交错感觉之中。

马丁民的作品借鉴了西方的色彩语言和中国传统画的写意手法，呈现出一种独特的色彩张力和韵味，传达出一种优雅与质朴的东方意蕴。人为控制与自然天成的功底，使得陶瓷颜色釉绘画艺术具有无限的可能性。他认为：为了思考传统，必须抛弃模式的概念束缚，转向经验的创新。他以高温色釉进行绘画研究，保留了陶瓷材质的天然性和生命力，形成陶瓷绘画的一种天然、率真的油画实验方法。

“开始时，习惯了传统瓷器的人们都不理解我，也看不懂我挚爱的瓷板画。但如今情况就不同了。”这些年，罗英桂所提出的当代陶瓷绘画的艺术框架得到了业内人士的广泛赞同，许多陶瓷学院、美院的艺术家都加入了与她的合作。近十年的时间里，罗英桂与近百位国内外艺术家合作，创作了千余幅当代瓷画作品。虽然投入了大量的精力与心血，但罗英桂并不觉得累，她说：“过去，我经常思考，作为深爱陶瓷的当代景德镇人，我们应该为陶瓷做些什么？应该给未来留下什么？如今，当代瓷板画替我解答了这个疑问。”

“历史上的瓷都是景德镇，这没有疑问。但是，到了当代景德镇是不是瓷都，我们曾感到怀疑。但是当看到了当代瓷板画以后，我们打消了这个疑问，瓷都还是景德镇。”在一篇题为《发现瓷都》的文章里，来自美国的一位博士发出了这样的感叹。“中国陶瓷在历史上的辉煌是无法忽视的。而当今中国陶瓷艺术的发展则体现在它的绘画性与当代性上，这一点正是当代瓷板画展示给世界的。”艺术品策展人关蕴科向我们这么解释。

关蕴科认为陶瓷艺术由三部分组成，即绘画、器型、窑变。由于传统陶瓷艺术最大的功能在于它的装饰性，而人们又往往出于实用性的考虑，因而不将绘画这个陶瓷艺术的重要构成部分作为陶瓷艺术的主要内容。对于陶瓷艺术的绘画性千百年来受到的淡化和忽视，关蕴科感到惋惜，“中国传统的陶瓷艺术长期经历着皇权左右的特殊历史阶段，皇帝喜好的图绘，由宫廷画师画好，再带到窑厂交由工匠仿制。因为传统陶瓷上的绘画并不是一次性创作完成的，在工匠们复制的过程中，原作的气韵必然流失不少。这也就造成了传统陶瓷一直以来不被归为艺术品，而被归为工艺品的事实。”陶瓷绘画由于不是“创作”，而是“复制”而成，因而一直属于陶瓷艺术的附属部分。

“这个问题不难解答，其实在清末民初，一部分文人已经思考并着手这个问题了，景德镇的‘珠山八友’就是开端和代表。”关蕴科认为以“珠山八友”为代表的中国早期陶瓷绘画艺术是以民国初期为开端的，而“珠山八友”最重要的贡献就是文人对陶瓷艺术的亲自参与。“陶瓷一直处于工艺品的地位。过去的文人以士大夫、知识分子阶层自居，是不屑与工匠相提并论的。到了清末民初，产生了文人参与陶瓷绘画的新现象。”但由于受到材料、颜料的客观限制以及封建文化背景的主观局限，他们的创作还停留在较为原始的层面。“他们的创作依靠着传统的生活材料和生活经验，在作品方向、主题和绘画语言上都是需要与时俱进的。”

既然传统的'“梅兰竹菊”不能完美地体现陶瓷的艺术价值，那么怎样才能使陶瓷艺术得到真正的艺术独立性呢？如今人们越来越重视绘画性对陶瓷艺术的重大进步作用。“作为当代艺术，陶瓷绘画一定要有国际语言或者说是普世价值观。”那么，同样存在一个问题，在陶瓷上能否出现当代艺术的表现。“过去人们只在陶瓷器皿的方寸之间进行创作，瓷板做到三十厘米已经很不容易。而现在的瓷板最大限度能做到五米的尺幅。过去颜料只有几种，如今瓷板画颜料与油画一样，有无限多种。针对这一现状，我们提出一个概念：瓷板是美术界的第三载体。”对于这个说法，中国有自己的艺术品牌、文化定位和自己的解释权：“去年，我们把一些优秀的瓷板画作品在美国做了一个展览，感受到他们对中国传统陶瓷创新的认可。”

材料的问题解决了，剩下的就是画家的问题了。“传统的继承确实很重要，但那只是对历史的记录，而真正有意义的其实是创新。我认为当代陶瓷的绘画性体现，应该是新世纪中国对国际陶瓷艺术的贡献。”这种承担着历史责任的“绘画性”则不仅仅是传统陶瓷上的青花、斗彩、云卷纹和“梅兰竹菊”，而是一种可以与国际对话的艺术语言。西方人甚至没有办法理解写意的中国水墨画，因而“要在瓷板绘画上表现出当代艺术，则必须要求艺术家本身具有当代艺术的思想。”

如今，越来越多的艺术家关注到瓷板画这种全新的艺术表达形式。“一大批学院派陶瓷艺术家都开始拿出相当一部分精力进行陶瓷艺术的创新，尤其是年轻的艺术家。他们有着相当好的文化理论背景，很多就是学西方绘画理论出身的。”

瓷板画不同于一般的绘画作品，它有釉上釉下之分，因而它既可以造成像油画那样的堆积效果，也可以渗入材质造成国画大写意一般的效果。艺术家们可以根据构思的需要来自己选择创作的手段，这样的艺术宽度是一般的绘画作品无法达到的。比如，姜宝林以白描、大写意为长；刘正则擅以抽象的线条表现肢体和季节的变化；赵梦歌的油画抽象人物则展现了青花大写意的艺术生命力等。景德镇“人间瓷画”日前在中国美术馆举办的中国当代陶瓷绘画艺术展，以近年来国内外著名画家的数千件绘画精品为创作主题，集中体现了当代瓷板画创作的新方向，在瓷画收藏和学术领域都具有独特的意义。

关蕴科说，瓷板画所突出的陶瓷艺术的绘画性，使世界读懂了中国的陶瓷语言，让当代艺术家的创作思维得以在瓷板上表现出来，证明陶瓷艺术仍具有相当的艺术宽度。

王廷佐：字少雄，安徽泾县人。清同治、光绪年间景德镇瓷画名家。其浅绛彩瓷画独具特色，方法是用墨皱染后，再施淡墨浅袾渲染。色泽柔和，操作简便。所作浅绛彩清明雨景小方酒杯，现藏景德镇陶瓷研究所。除山水画，还擅长画猴。

程 门

程 门：字雪笠，安徽歙县人。清光绪时景德镇瓷画名家。擅长浅绛彩绘山水、花卉瓷画。邓之诚《骨董琐记》中称许其瓷绘“极勾勒渲染之妙，得者珍之”。其子次笠、小笠承父业，都是清末民初著名瓷画家。

收藏大鳄涉足瓷板画看好其升值潜力

综观近年来的拍卖市场，在书画、瓷器价格纷纷走高的情况下，瓷板画开始成为收藏新宠。作为陶瓷收藏品中的高端品，瓷板画的价值随着近年来瓷器价值的升温出现几级跳。

北京保利集团2012年的春拍中，首开“新月雅集——民国文人瓷绘与现当代艺术陶瓷专场”就取得不俗成绩。其中，民国“珠山八友”之一的景德镇瓷画名家何许人的作品粉彩四季山水长条瓷板挂屏(四屏)以2242.5万元人民币成交，刷新艺术家作品成交纪录，创八友瓷价格新高。拍得此幅作品是资深收藏大鳄包铭山，他是新疆广汇集团广汇美术馆馆长。

近年来，包铭山在拍卖市场叱咤风云，事实上，他在30年前就开始涉足收藏，自九十年代初进入拍场，多年来致力于中国近现代书画的研究与收藏，是国内最早涉足拍卖圈的资深藏家之一，张大千的《侍女》，林风眠的《仕女》、《山水》以及徐悲鸿《九州无事乐耕耘》等作品均被他收入囊中，并将于2013年广汇美术馆开馆时正式展出。

包铭山此次在保利高价拍得何许人的瓷板画作品令人震惊，这是佚今为止瓷板画珠山八友作品拍出的最高价。包铭山认为，历代传世的和出自近现代名家的瓷板画都具有不菲的收藏价值，加上目前已经有许多当代画家参与在瓷器上作画，瓷板画潜力巨大、行情将井喷。

据了解，在明朝时期，中国陶瓷之乡景德镇就有大量瓷器出口到中东、亚洲、欧洲等地。瓷板画就始于明代，其艺术地位经历了几度起落后的今天可谓百花齐放，大型瓷板画的佳作不断涌现，山水画的气势磅礴，人物画的形神兼备，花鸟画的多姿多彩，使瓷板的创作达到了一个新的境界。越来越多在书画界享有名气的书画家参与陶瓷绘画，进行艺术探索。其中不少当代名家的瓷绘板画作品在艺术品市场上走强。

瓷板画是在平板素瓷上手工绘画后再经高温烧制所成的陶瓷艺术品，明清时期开始，瓷板画日益兴盛，清末民初，瓷板画几乎成了达官贵人家中必备之物，艺人们纷纷设立画室，陶瓷工艺中的青花、五彩、釉里红等等在瓷板画上得到充分发挥。而在众多作品中，以民间技艺超群的陶瓷艺术家“珠山八友”的作品最受欢迎，清末民国瓷器大热时，“珠山八友”瓷板画的市价甚至堪比清末官窑。

据悉，“珠山八友”成员分别是王琦、王大凡、汪野亭、邓碧珊、毕伯涛、何许人、程意亭、刘雨岑，他们从事瓷画创作的年代大约在20世纪初至20世纪60年代。其中，“珠山八友”之一的代表人物何许人终其一生探索瓷上雪景山水技法，独树一帜，开启了景德镇瓷上雪景山水画之先河，并发展成为具有景德镇特色的一个瓷绘体系，影响了一代又一代的瓷画名家。

几百年来，瓷板画在陶瓷艺术与绘画艺术的边缘获得了发展空间，呈现出旺盛的生命力，并将陶瓷艺术推向了更高的境界，使他们具备更纯的文化品格。瓷板画的价值也不断在升温，继2011年5月中国嘉德(微博)的拍卖会上，“珠山八友”王大凡的一幅《禹王治水图》 粉彩瓷板画拍出920万元的高价后，保利集团在今春拍卖会上的“新月雅集——民国文人瓷绘与现当代艺术陶瓷专场”表现不俗，成交额近8400万元，除了刷新艺术家作品成交纪录的何许人的粉彩四季山水长条瓷板挂屏，王步粉彩东篱秋菊图象耳尊成交额也达到908.5万元。现当代艺术家的作品也不遑多让，戴荣华1990年作粉彩四美图花鸟双面釉长条瓷板屏风(四屏)也以667万元成交。

据悉，2011年开始，文化部与对中国外文化交流协会先后在美国等地举办陶瓷艺术精品展，作为中美高层文化交流、中日韩文化部长交流的项目之一，让瓷板画走向世界。

鹞鹰属于动物界、鸟纲、隼形目、鹰科。鹞鹰又称为黄鹰、牙鹰、鹞子、雀鹰等多种名字，现从鹞鹰的生长结构和表现方法两部分分别进行介绍。

鹞鹰的结构主要包括头部、颈部、背翅部、胸腹部、腿爪以及尾部。鹞鹰的头部介绍包括：鹞鹰的喙、鼻孔、眼、耳孔等，鹞鹰的头部略圆，呈现为卵的形状，尤其是鹞鹰的鼻孔和耳孔皆尤其各自的特点，鼻孔位于喙的上半部分靠根部，没任何东西对其掩藏；耳孔则位于眼睛的后下方，外边四周有翎毛遮掩，常规观察不易发现。鹞鹰的颈部略微细长，而背翅部分则为宽大，尤其是鹞鹰的翅膀，展开后大于等于鹞鹰两倍以上的身长。鹞鹰的胸腹部为细小的翎毛排列，腿爪部分较为粗壮，爪尖锋利，便于捕捉一些小的动物。鹞鹰的尾部基本上是身长的一半，排列在鹞鹰的身体后边。

鹞鹰的表现方法相对来说比较多，有色彩表现、素描表现、简笔表现和线描表现等，在本章的介绍中对鹞鹰的线描表现做一个简单的介绍。鹞鹰的线描表现具体分为以下几个步骤：表现方法的第一步是常规性的构图定位，在这一步主要是要求画者把鹞鹰的完整形象合理的安排在画面上。表现方法的第二步是使用较轻的笔（如木炭条）、使用较轻的力度画出鹞鹰大的外部型内核主要结构。表现方法的第三步是进行线描表现，线描表现的顺序为：先画出鹞鹰的头颈部分，再画出鹞鹰的背翅部，在画鹞鹰的背翅部时，要注意翎毛的层层覆压关系，并且排列要恰到好处。在头颈部、背翅部完成后，画出鹞鹰的胸腹部和腿爪部，最后画出鹞鹰的尾部，至此一幅鹞鹰的线描画就表现出来。

微风拂动，翠绿色的湿地上伫立着几条洁白的身影，那白色的羽毛，在绿色衬托下越发显得洁白无瑕，尤其是那一双修长且不断舞动的双腿，更让人联想到芭蕾舞演员的优美的舞姿，给人以赏心悦目的视觉效果。

丹顶鹤的双腿修长秀丽，一抬一放无不显示出其内在的神韵，双脚也在一张一合间更具有其动人的美感。我们在进行对丹顶鹤脚的绘画表现时，既要考虑画法，更要了解丹顶鹤脚的结构，下面就从其结构、画法上逐一进行介绍。

丹顶鹤脚分四趾，第一趾较小，其位置比其他几趾高，胫骨与附蹠骨之间的关节较粗，称为《鹤膝》，由于鹤主要栖息于湖泊、湿地，为适应其环境，其脚掌长的厚实而平，着地面积大而不易陷入泥沼中。

丹顶鹤脚的中国画画法主要分工笔和写意两种。

在进行工笔画法时，第一步要选用较细的毛笔—如红毛、叶筋、衣纹笔等，这种笔笔头较细，适合表现较细致的型，所以在对丹顶鹤脚的描绘时，选用这些笔，对完成画面创作能起到良好的作用。第二步进行绘画，按丹顶鹤脚的结构由上到下逐渐画出，在画时要注意表现丹顶鹤脚的外部肌理，按其分布进行勾勒，用墨要浅，在勾勒到鹤脚的脚趾尖时，要注意线条的弧度变化和韧性。

写意画鹤脚比工笔画法略为简单，但是要注意用笔的变化，一般情况下从腿部开始画起，使用毛笔的中锋来画，墨色深浅皆可，但要注意脚的各关节部位的用笔变化，也就是说在画到关节部位时笔要有顿挫，通过顿挫表现关节和非关节的粗细变化。待画到脚趾尖时，要用毛笔的笔尖轻勾收笔，以表现鹤的脚趾尖的自然形态。

在素描绘画的若干种类中，素描人像是最能检验人的绘画功底的，应为对于人物的结构、比例、型、神韵的刻画是否到位，直接显示出这个人的造型训练是否正确、是否扎实，以及对人物的形象特点和神韵是否抓的比较准，应此我们在进行完整的素描绘画表现前，必须要对人体的各个部分进行认识和练习，并且要从不同角度去观察、去练习，才能为完成整幅较好的作品打下基础。本章内容主要介绍眼睛的结构和画法。

人的眼睛在绘画结构表现方面主要有以下眼球、眼眶、眼皮、眼缝等。眼球略呈为球体，黑眼球部分位于眼球的前方；眼眶则呈近于方形，上下眼眶交接处内陷；眼皮位于眼球的外部，对眼球起到保护作用；眼缝位于眼球的中下部分，在眼睛闭合时呈线状。

眼睛从不同角度看呈现不同的形状。在正视的情况下，眼睛为平行四边形，内眼角略低、外眼角略高。眼睛在侧视情况下，外部形状呈现出三角形的形态，在这种情况下，只能看见外眼角。在半侧视时，眼睛接近于五边形。

首先要用较长的线条画出眼睛的外轮廓，用笔要轻些，以便于在绘画时能够把这些线条覆盖住。

其次用较短的线条对眼睛进行细致刻画，这个过程也要求用笔不要太重，用线也不要太长，用短细的线条逐渐画出眼睛的型和结构。

第三用铅笔颜色的深浅变化来画眼睛的明暗效果，在画眼睛明暗时，要注意不要一次画完，要经过几次描绘才能画出最后的深浅程度。画上眼皮下的内部时，画的次数较多，画出的颜色也较重，在画黑眼球和瞳孔时，要注意在其一侧留一小处不画，让其具有一种空灵、透气的视觉效果，这样画出的眼睛才能够传神。下眼皮的刻画用色较浅，能够突出眼睛的神韵。 以上就是对眼睛结构、形状、画法的介绍。

一缕缕秋风吹拂着人们的面颊，正是秋高气爽的大好季节。阳光照射着大地，一片秋黄、一棵棵饱满的果实。在田园的那一面，正有一串串晶莹剔透的果实被一层层墨绿色的叶片包围着，这也就是我们所要介绍的内容—葡萄。葡萄整体来说由叶片、果实、藤所组成一个完整的生命体，下面我们就来介绍葡萄叶子的结构和画法。

葡萄叶子色泽墨绿，每片叶子五个叶尖，每个夜间两侧生长着众多的叶齿，从叶柄处向五个叶尖伸展出五条主叶脉，每条主叶脉两侧交互生长众多的分叶脉，形成一个天然的脉络，每一串葡萄四周生长出若干叶片，呈现出一片墨绿的色彩。

葡萄叶子的画法主要有两种形式。一种是工笔画法，另一种是写意画法。工笔画法主要指先用较细的线条勾勒叶子的外轮廓和叶子的脉络，再用分染和罩染的方法对叶子进行细致刻画，分染时主叶脉要留白，从主叶脉两侧分别向左右逐渐变浅，这样才能突出叶脉的隆起效果。罩染时颜色一定要浅，要数次罩染才能完成，也就是说要打到“三矾九染”的效果。

写意画法则比工笔画法简练一些，但是要对于墨色的掌握有一定的基础。在写意画法动笔前，先要调好墨色，墨色在毛笔上的表现为：笔腹为清水、笔腹为浅墨、笔尖为较重的墨色（注意：调好的墨色要比画面预想的效果深一些，这样才能画面干后和预想效果一致）。调好墨色后用侧锋来画叶子，叶子一般五笔完成，第一、最后一笔最高，第二、第四笔居中，第三笔最低，形成一个自然的半圆形。在叶子达到半干时，再用较深的墨色勾画出五条主叶脉，这样一幅写意葡萄叶子就基本完成。

葡萄属于藤蔓类植物，葡萄藤在浓密的叶子和果实之间来往穿插，自然优美，且把一片片的叶子和一串串的葡萄果实连接在一起，显示出一个完整的、充满生机的生命形象特征。

葡萄藤体身细长，不能直立，只能依附其他种植物或者支撑物，缠绕或攀援的向上生长，属木质藤本。下面就葡萄藤的生长结构和画法表现做一简单的介绍。

葡萄藤细长而弯曲，在其两侧生长出众多的叶片和果实，藤本身依附其他植物或者支撑物缠绕弯曲，承受着叶子和葡萄果实的重量。

葡萄藤的中国画画法主要有工笔和写意两种。

工笔画法：指使用较细的毛笔（如叶筋、衣纹、红毛等）先行勾勒出藤的外部形状，用笔要有变化，一般起笔、收笔要略重，中间行笔要轻一些，这样画出的线才耐看。勾完线条后，基本上就可以直接罩染，可以免去分染过程，罩染的次数为2—3遍即可，不要太多，否则会起到喧宾夺主的效果。写意画法：写意画法比工笔画法简单，但是要求笔上的功力要过硬一些，既在进行葡萄藤的表现时，用笔要发生抑扬顿挫的变化，才能够让画面显得更加生动。

一般在用写意画法表现葡萄藤时，首先要画的是承重藤（或画支撑物），画承重藤时用笔要发生变化，起笔用半侧锋，中间行笔用中锋，最后收笔根据需要可以用逆锋或拖笔，这样一根藤就充满了变化，就会很有看头。承重藤画完后，其次就是进行缠绕藤的表现，在画缠绕藤时，要注意笔的流动感，用笔要潇洒自如，不拖泥带水，一气呵成，这样才能够最好的表现出葡萄藤的优美变化。

金秋九月，庭院、果园中悬挂着一串串紫色的果实，它晶莹剔透、粒粒果实散出紫色的光泽，这就是我们要介绍的内容—葡萄。本章将从葡萄的结构和画法两方面进行介绍。

“葡萄”的结构包括：葡萄叶片、葡萄藤、葡萄果实等，属于藤类木本植物，秋季来临，葡萄的叶子随着果实的成熟逐渐脱离了藤蔓，飘落到大地之上，果实也被人们作为了美味佳肴，而藤本身则仍然坚定不息处于天地之中，以顽强的意志抗击着隆冬的来临，等待来年再次发芽、开花、结果。

葡萄的画法 葡萄在中国画的表现中，主要有工笔和写意画法，下面就这两方面逐一介绍。 工笔画法：在进行工笔表现葡萄时，首先要勾勒出葡萄的结构，包括叶子的外形、叶脉；果实的形状及组合；藤的缠绕多姿的动态等。在进行这些步骤时，要注意笔的使用，也就是说用笔要有变化，不要千篇一律，要有起笔、行笔、收笔的轻重变化，这里就不再赘述。在完成线条勾勒后就要进行分染和罩染步骤，这时要淡色多染，才能达到较好的效果。 葡萄的写意画法：在进行葡萄写意画时，要按照基本的顺序进行绘画。一般情况下第一部要先画叶片，在准备好的一张生宣纸上，考虑画面的布局，画出几片葡萄叶子，画叶子时要有墨色的深浅变化，并且要画出前后层次和遮挡效果，这样画面才耐看。第二部画葡萄的果实，葡萄果实在一张画面上可以画出几串就好，不要过于太多。画时按前面文章中已经介绍过的葡萄果实画法进行绘画。第三步是藤的添加，藤的画法也已经介绍过，这里就不再赘述。

以上就是关于中国画《葡萄》的画法介绍。

引导语：对风景的描绘应该注意哪些技巧与方法呢?以下是小编整理的风景绘画技巧，欢迎参考阅读!

临摹和写生都是色彩训练的必经之路，对美术高考生来说没有选择，必须练习。但如何安排分配练习时间，使临摹和写生相互融会贯通，却是很有讲究的。

1、临摹加快学习速度

临摹就是向优秀的作品取经，向色彩高手偷师，是学习绘画必不可少的一个阶段，是学习色彩的捷径。可以结合学生的实际能力，由教师来精心挑选高考内容相关的范画，提出明确的要求，使学生认真学习作品的精华，加深对色彩规律的认识和理解，学习范画成熟的表现手法、完美的艺术处理以及高雅的审美情趣。这样的学习往往能达到意想不到的加速学习的效果。

考生临摹色彩风景可以分三步：初学色彩时通过临摹了解大致的作画步骤、空间造型和色调处理;中途可以对急需解决和掌握的个别物体或特定景色集中临摹，学会特定景物的作画方法;考前两个月选择高考可能出现主题作临摹和默写的组合练习。

2、风景写生加深感受和理解

色彩风景写生是训练色彩感觉、把握色彩变化规律、感受自然界美的最有效方法之一，具有其他训练手段不可替代的重要性。大自然为我们提供了变化无穷的复杂色彩世界是临摹所无法替代的。在具体教学活动中，首先教师要对写生前期做好充分的准备，有明确的学习目的，使美术高考生有备而来。其次，在具体实践过程中，教师必须有系列循序渐进的教学安排，先易后难，培养学生用整体的眼光比较地观察自然。再次，教师要通过美景激发学生热爱生活、热爱大自然的情感，以美好的情感激发作画热情。教育学认知规律告诉我们只有通过自己独特而真实的感受，才能创造性地再现自然美。实践证明，只有通过实景写生，考生才能在考试中画出色彩丰富而又和谐的高分作品。

1、整体关系优先原则

“整体观念”是一个老生常谈的话题，也是一个较难解决的问题。相当一部分学生“只见树木不见森林”，不是造型、结构不准，就是上调子时死抠局部，使局部与整体脱节。画面的花、杂、乱，虚实关系处理不当，画面色调不和谐都是整体与局部处理不当的结果。作画要的是整体的最后效果，没有整体的局部，再精彩、再深入也毫无意义。忽视整体的局部将最终造成全画的失败，优先照顾整体关系的局部将为画面锦上添花。整体关系还应该特别注意色彩、形式、技法背后的风景画的意境，更多地去品味、去认识它。每一块色彩、每一个形式、每一种技法背后都有着一个鲜活的感觉，都代表着一种精神元素，都是一种生命语汇，抓住了它，也就抓住了艺术的灵魂;掌握了它，我们就有了一种自己的、展现心灵内容的艺术“话语权”，同时也增加了自己作品得高分的几率。训练整体关系有方法和技巧可循，比如用风景照片叫学生作有取舍的构图练习、画16开小稿的色调练习等形式对训练整体关系都很有帮助。

2、局部是整体的基石

虽说整体重于局部，但整体要由一个个的局部组成。局部景物的生动与否直接影响画面效果。色彩风景画要学会一些局部的画法：学会画房子，一般建筑物要画出体积关系，宜用干画法，用笔肯定保留一些笔触的效果会更有块面感，还要注意早中晚不同光线和周围环境色对墙面的影响。画树木要注意种类和形状特征，枝叶茂盛的树以表现树叶为主，注意树冠的形态自然生动、明暗块面有不同层次;枯树则以表现它的主干和枝条的形状为主，尤其要注意一般枝干的明暗变化都是上暗下亮。画水面时注意 “水天一色”是水乡风景画中的一大特色，指水面反射了天空之色。而水面除了反射天空之色外，便是其水的.固有色，只有靠近色彩，景物的倒影才会有其景物的颜色影响;水中的倒影在画面表现为色彩和明暗对比弱，静水的表现技巧常常先用垂直笔法表现倒影，然后用横笔表现水纹：水纹的透视关系是近宽远狭、近长远短、近强远弱。荡漾的水可以用小碎笔法横拖出闪光的波纹。画天空时一般接近山和物体的地方亮，远离物体的地方暗。

画面局部还可以增添画面整体的情调，如下面两幅画中的局部人物就使整幅画作充满了生活情趣，起到“以人点景”的作用。

1、应试是当前任务

对于广大考生来说，应对眼前的美术院校招生考试是最紧迫的任务。应对考试有一些特殊的技巧和方法：首先要合理安排考前训练。一般考前两个月之前宜组织风景写生，通过实景写生丰富自己擅长的色系，提高组织画面的能力。到了考前两个月之内应该选择水乡风情、有房子和树的田园风光、夕阳下的湖面等高考常见题材进行临摹和默写的组合强化练习。白天练习色彩，晚上安排素描课程，以达到最佳的进度。

其次对考试时间分配心中有数。拿到考题要安排10分钟左右审题，认真思考画面的构图、色调、最终效果;构图起稿10分钟左右，确定远、中、近景的位置关系和物体的大致轮廓。铺大调子40至60分钟左右，遵循由暗到亮、由主到次、由后到前的顺序，迅速画出画面的主要调子和冷暖关系。深入塑造占考试时间的2/3左右，具体深入地表现景物的体积、空间、冷暖、主次等，使画面有精彩的局部刻画。调整阶段30分钟左右，应从全局的高度审视全画，调整与整体不协调的地方。

再次做好考试的准备工作。准备材料要齐全充足，用自己习惯的画笔，颜料要挤满，检查水桶是否漏水等。对一些基础不扎实的学生，教师可以让他带两盒颜料，其中的一盒里放教师帮学生调好的颜料，把画树、房子、水面等常见景物的常用色每种调出不同变化的四五个层次颜色，学生可以在考试时直接上相应的颜色。

2、发展是长远目标

考试是一时的目标，今后的发展是长远的目标。想靠考前两三个月突击考上美术院校的念头是很危险的，即使幸运地上了分数线，你的大学生涯也会非常辛苦的。所以愿考生们在平时的色彩练习中尽力提高自己的基本功，为将来大学学习和从事美术工作打下扎实的基础。

用粉笔在黑板上画素描，其画法与在白纸上画素描截然不同;在白纸上画素描是用笔画“黑”留“白”，而在黑板上画素描则是用粉笔画“白”留“黑”。是画的一种“负像”。因此，在黑板上画素描要转变在白纸上绘画的思维方式，才能找到从何处下手，用什么画法来表现画面形象。

在黑板上画素描，虽然是在黑色的板面上进行，但是，也同样要严格遵循素描造型的“三面、五调”规律，来表现物象的形体、结构、色彩、明暗、空间、虚实和质感。这样才能使塑造的`物象明暗层次丰富，形象生动鲜明。

在黑板上画素描，其画法有三种形式：一是用排线法，即用线的粗细、排列疏密和排线力度的轻重来塑造画面形象。二是用平涂和揉搓法，运用明度变化和形成的块面关系来完成画面。三是用平涂和揉搓法先铺好物象的明暗调子及结构块面转折，然后再用炭画笔以排线的方式进行深入的刻画、修饰和整改来完成画面。

速写在黑板报中主要是作为插图使用。其效果给人以清新雅致、干净利落的艺术美感。是黑板报别具一格的美化方式。

在黑板报上画速写，主要强调的是用线描法来描绘对象，套用速写形式表现对象。因此，在黑板上画速写要做到“简、要、快”，不能面面俱到，要有主次、重点和舍取，要抓住本质特征舍取现象，抓住关键舍取皮毛，即：“抓住特点，掌握动态，概括形象，简练用笔”。这样才能使画面达到简代繁、空含实、形表意的效果。

在黑板上画速写，其表现形式可分为两种：一种是用粉笔线条直接在黑板上描绘对象;另一种是在铺好的粉笔颜色块(衬的底色)上，用对比强烈的粉笔或是炭画笔塑造形象。

漫画是一种具有强烈讽刺性和幽默性的绘画。是通过对描绘对象的变形、夸张、比喻、象征等手法，借以讽刺、批评或是表扬、歌颂某些人物和事迹。漫画要求主题鲜明，寓意显豁，深入浅出，引人发笑。所以，在黑板报中插用一两幅漫画来作为诠释宣传某一方面的内容，并以诙谐幽默的画面活跃气氛，是达到宣传效果最为理想的一种手段。

黑板上画漫画有两种表现方法：一种是采用线描法，直接用粉笔线条描绘画面;一种是采用线描平涂法绘制画面，这种画法是按形象色彩，先铺好底色，然后用炭画笔勾画出形象的轮廓和结构等。以上两种画法，要求描绘对象的线条要自然、放松、流畅，笔法运用与塑造的形象相匹配。

木刻也叫木版画，是版画的一种。在黑板上表现木刻效果，主要是按木刻特有的“以刀代笔”的艺术韵味，即“刀味”“木味”，以简约的刀法强调刻画的力度，用“留黑”达到色彩对比，以萧疏简淡的风格衬托表现主题，使画面获得版画特有的艺术效果。

绘画的构图是绘画的重要构成部分，也是前期的工作，下面就是小编整理的绘画的构图技巧，一起来看一下吧。

构图是直接影响人们感官和视觉感受的基本因素，这里所讲的构图，不是一般绘画当中对于构图的要求，而是针对美术高考特点提出的要求。首先，要根据考试用纸的大小(大多为八开，也有少数为四开)来考虑如何充分的利用空间。这里以八开素描纸为例，八开纸本来就小一些，如果考生不会充分利用纸大小来表现写生对象，你的考卷就会在直观的视觉感受上打了折扣，高考中主要出现的问题不是把写生对象画的太大，而是画小了，使得素描纸上留下较多的空白的地方，这样你画的人物头像就小了一些，在与其他众多考卷的比较中，就显得比较弱，直接影响写生作业的整体效果。

郑州力度美术工作室表示：构图中模特面部朝向纸边的一面，空白要留的多一些。考生还要注意素描考试提出一些不同的要求，比如是要求画到衣领还是要求画到肩膀，以此来决定构图下部的位置。

构图初步画好之后，要确定大的形体比例关系。这一步骤考生是最容易出问题的。比例的正确与否凭借画者的直觉基本就可以判断出来，一些考生认为画面上眼睛或鼻子偏高或偏低一两个毫米不算什么，明明发现比例上有偏差，也觉得不是问题不加以改正，使得整个人物形象受到了损害，即使你深入刻画得很好，仍然无法得到高分数，这就是比例在高考评分当中的分量。

形体比例是在素描的第一阶段重点解决，但是并不意味着在以后的步骤当中就再也不考虑了，这也是对比例问题的误解，无论是铺大关系还是深入刻画阶段，随着画面效果的显现，你还会发现一些部位比例不舒服，这时候你千万不要懒，发现问题就要顺手改过来，改正错误比例的最好方法是先将你认为正确的位置画出来，再擦掉错误的部位，而不是发现了错误就统统擦掉重新画。

当大比例关系处理好之后，铺大关系是一个重要的环节，有些考生不大注意这个步骤，而直接进入画面的深入刻画，这样就影响了绘画的进度。素描考试时间一般为三或四小时，在这样相对比较短的时间内，要完成一幅比较深入的素描作业，只有大略的完成画面的大关系，才会给深入的刻画留有比较充分的时间。

所谓铺大关系是指在一定时间里，在画面上总体的大略的处理写生对象的空间、形体、结构以及黑白灰关系，这个阶段考生可以在教师的指导下适当的用手擦一擦涂的线条以提高进度，到了深入刻画阶段用手擦色调的办法就要十分谨慎了。

当画面的大关系处理好之后，就进入深入刻画的阶段，它包括通过表象对于人物头像内在骨骼结构关系的`处理，以及人物五官细节结构的刻画。

我们经常看到一些考生费了很大的力气，画面仍然没有深入进去，出现这样问题的主要原因是缺少对人物头骨解剖结构的认识。考生应当利用课余时间对人物头骨的解剖结构下一些工夫进行研究和理解，你再面对模特的时候，才能够在直观的、生动的感觉中，找到内在的骨骼肌肉的相互联系，当你将这个若隐若现的内在结构不遗余力的刻画的时候，你的素描才真正的深入进去。

深入刻画的另外一个内容就是对头像五官的具体表现，画五官不是简单的画眼睛画眉毛，而是要将眼睛眉毛与眼眶骨连接起来画，要表现出长在眼眶骨上面的眉毛和镶嵌在眼眶骨里面呈球体的眼睛;对于鼻子的表现要注意对鼻根、鼻梁、鼻头、鼻翼结构的认识和刻画;画嘴要与下颌骨、嘴轮匝肌联系起来进行表现，不要孤立的画鼻子和嘴的外形。平时在北京好画室还可以通过临摹一些优秀范画来提高对于五官结构的认识和理解。

最后要留出一些时间对于画面进行整体收拾，例如头发与整个脸部暗面的关系;眼窝、上眼睑、鼻子的底部、下颌骨的底部的深度够不够;受光面中的灰色调和亮灰色调的把握如何;大是空间和形体的表现如何都要整体的调整，使得大效果展现出来。

据郑州力度美术工作室介绍：对于美术的培训，不能急于求成，最主要的还是需要美术培训班的学生进行多练习，记住技巧，抓住关键，这才能有质的提高。

我们生活的世界中无论何时何地，都充满着各种不同的色彩。人们在接触这些色彩的时候，常常都会以为色彩是独立的：天空是蓝色的、植物是绿色的、而花朵是红色的。但色彩就像是音符一样，唯有一个个的音符才能共同谱出美妙的乐章。色彩亦是，实际上没有一个色彩是独立存在的、也没有哪一种颜色本身是好看的颜色或是不好看的.颜色。相反地，只有当色彩成为一组颜色组成中的其中一个的时候，我们才会说这个颜色在这裡是协调或是不协调，适合或不适合。

绘画色彩对比技巧1、色彩对比

两种以上的色彩，以空间或时间关系相比较，能比较出明显的差别，并产生比较作用，被称为色彩对比。该想象分为两大类：同时对比和连续对比。

绘画色彩对比技巧2、色相对比

因色相之间的差别形成的对比。当主色相确定后，必须考虑其他色彩与主色相是什么关系，要表现什么内容及效果等，这样才能增强其表现力。

将相同的橙色，放在红色或黄色上，我们将会发现，在红色上的橙色会有偏黄的感觉，因为橙色是由红色和黄色调成的。

一些人物具体形象的速写,但这个速写是有一定要求的,下面是小编为你带来的速写绘画技巧，希望对你有所帮助。

静态速写指在一段时间内相对静止不动的动态，如男女青年站姿或者坐姿、看书等。此类考题主要是考查考生对人物整体结构的把握能力和表现能力。静态速写考题经常出现，其目的是要求考生把对象的结构比例画正确，形象刻画充分。但是由于绘画的参考对象是静止的，所以考生还是比较容易掌握的。

动态速写有规则性动态和不规则性动态两种，它是现在美术高考中速写命题的大趋势。

规则性动态速写是指绘画对象进行规律性地重复运动的动态。如拍篮球这一动态，主要是速写对象基本的位置不变，只是局部处于循环往复的运动动态；又如跑步的动态，主要是速写对象整体所做的规律性动作。今年广东联考的速写考题是要求考生画骑自行车的人，就属于此类。画动态速写，关键是要抓住有代表性的.某一动作瞬间。一般来说，一个动作在开始或结束时较有代表性。

不规则性动态速写是指那些重复动作较少的动态。如打球、舞蹈等动作，要画好这些动态对于考生来说是比较困难的，但是，这些动态形象在生活中往往也会反复出现，虽然说千变万化，但如果考生反复观察过这些动态形象也就不难了。因此，考生要画好不规则动态速写，除了要掌握解剖知识和运动规律外，还要多关注现实，随时随地留意观察生活中人物的各种动态特征。没有一定的生活知识，我认为是很难画好这类速写的。

表现某一环境中的相互关系的几个或一群人的速写称为场景速写。美术高考中的场景速写一般以人物为主体，以环境为辅，如市场一角等，主要是表现几个人物形象为主的一个小场面。人物一般要求三个以上，画面要有生活情趣。那么考生一定要交代清楚人与人之间的动态、神态，人与物之间的相互关系。当然，最重要的还是要自然生动、主题突出，有主次、有呼应、有远近，不能各不相顾，缺乏对比。这类速写考查的主要是考生的表现能力和审美能力，虽然难度较大，但是有天赋的考生也会脱颖而出，所以那些专业性比较强的高校一般都会采用类似的考题。

考生要理解人物结构的透视、比例、穿插以及运动规律，采用概括的手法来表现人物的动态特征；在对大的形的把握的同时，要注意交代每个转折部位的相互关系，注重绘画的视觉感受，这是画好人物速写的前提。

一幅好的速写也会给人强烈的审美享受，这是无可辩驳的事实！好的速写必须要求描绘对象的动态自然、协调，让人看起来比较舒服。要达到这一点，绘画者的眼光就显得尤为重要。所以说如何构图，怎样选取绘画角度，怎样的姿态更合乎审美情趣，这些都是考生要思考的问题。

线条主要是通过长短、轻重、疏密和浓淡来表现的。流畅的线条可增强画面表现力和生动性。线条与形体结构的巧妙结合，是生动表现人物的前提。以浓淡、缓急的线条来表现人物，有利于增加层次感，区分质感，提高艺术的感染力。

用笔的果断与否，直接反映了考生对速写技法掌握的熟练程度，同时也反映出了考生的个性以及绘画修养。那种犹豫用笔的速写是很难表现出速写的感觉的！考生应牢牢把握住整体、大局，以最简练的用笔去概括地表现对象的主要形象特征，适当放弃一些细微末节，这样才能达到速写的有效办法。

在山水画中表现的树木种类非常的多，但是它们在画面上的表现只有共同的集中形式，而本章介绍的二株分形法是其中组合方式之一，下面从它们的结构组合以及表现方法两方面分别进行介绍。

《二株分形》 谭照昆

二株分形的组合及结构：

二株分形是指相邻的两棵树从它们的外部形状上要产生变化，比如枝杈的多少、枝杈的生长位置、树干的曲直变化、树木的姿态等诸多方面，在本章中的二株分形主要呈现为树木枝杈生长的位置不同、树木的姿态不同两个方面。二株分形的组合非常明显，而树木的结构要我们进行分析。在这幅作品中所表现出的枝杈结构呈鹿角式的变化关系，鹿角式是指在表现树木的枝杈是，一般用三笔一组，采用互生的生长方式，一几组鹿角式画出一棵生机盎然的树木。二株分形树木的绘画表现方法：

本章中二株分形的树木表现为一直一倾斜，具体画法如下：首先要画出直立的树木，画时从上方的第一个枝杈开始，用云毛笔的中锋进行勾勒，待整棵树木画完后，用已经半干的笔尖在主树干上略微的擦染，让树干出现一种苍劲用力的视觉效果。在画完直立的树木后再画出倾斜的树木，倾斜的树木可以和第一棵树木相交叉，也可以与第一棵树木相分离，但是第二棵树木的姿态一定要与第一棵产生变化即可。第二棵树木画的时候也是从上方开始画起，然后逐渐向下直至根部。在两棵树的绘画表现时，毛笔的使用要注意变化，也就是说要有干湿、粗细、虚实的变化效果，这样画面才会显得丰富，画面的视觉效果也才会达到较为理想。至此一幅二株分形的山水画树木就已经表现出来。

金秋时节，农家院中的果树上，悬挂着一个个色泽金黄或红彤彤的果实，它们给人们带来了丰收的喜悦，让人们对未来充满了希望。这就是本章所要介绍的内容—苹果的素描画法。

苹果图片 谭照昆

在进行苹果的素描画法表现时，要按照以下几个步骤来进行。

第一步，首先要确定好画面的构图，一般来说，在一张画面中可以摆放几个苹果来画，因此就要考虑它们的组合安排，如画三个苹果时，要有聚散关系，也就是说，要把两个苹果放在一起，另一个苹果单独摆放。这样画面的视觉效果就会好些。

第二步用轻一些的长直线条画出苹果的大型，在进行这个步骤时，要把他们的位置关系摆放清楚。

第三步找出明暗交界线，画出大的暗面颜色，画的时候颜色要统一，不要把画面画得有时深、有时浅。

第四步是细致刻画部分，这个部分要求画者要把苹果的亮面、灰面交界线、暗面、反光及投影逐一表现清楚。在画灰面时，用笔要轻一些，要经过几遍绘画才能达到预期效果，不要一遍画完，那样就会让画面给人一种视觉上生硬的效果。

第五步是画面调整，也就是说这个步骤要把画面整理好，达到素描的特有效果。

伴随生活水平的提高以及工作生活节奏的加快，人们往往在工作之余着眼改善居室的环境。如为居室添加一件小小的工艺品，让环境达到温馨、舒适的视觉效果。工艺品的添加，可以说种类繁多、五花八门，从壁饰、小型雕塑、花瓶等应有尽有，尤其现在又把农村用来进行盛放水果的小篮，也摆放在居室之中，以添加室内的田园情趣。下面就来介绍小竹篮的画法。

小竹篮 谭照昆自拍

竹篮的编制材料

竹篮的画法比较多，它既适合艺术院校作为学生静物练习的摆放内容，也为一些专业画家运用各种技法对其进行表现。最具有代表性的是画家齐白石所创作的写意花鸟画--《百柿多吉》，把小竹篮的结构和型出色的表现出来，下面就进行介绍小竹篮的素描画法。

小竹篮的素描画法具体分成以下几个步骤：第一步构图定位：是指在动手画之前，先要考虑它在画面中的位置。

第二步是画出大的形状：画大的形状时要注意笔的运用，一般来说用长而且直的线条来勾画，线条可以出现复线效果，在进行下一步骤时再进行修改。

第三步是细致刻画：这个步骤要求画者把小竹篮的亮面、灰面、交界线、暗面、反光以及投影如实的描绘出来。画时还要注意暗面中的型不宜画的过于细腻，要有一种概括的表现，这样才会让画面的主次分明。

第四步是对画面进行调整。

于是一幅小竹篮的素描作品就画了出来。

盛夏时节天空中常常落下瓢泼大雨，在雨中，各式各样的动物争相恐后的寻找避雨的场所，雨过天晴，它们又一一从避雨处慢慢的爬出，我们本章所要介绍的《雨后》作品正是把这个瞬间表现出来，下面就来介绍画面的组合与画法。

《雨后》芭蕉和螃蟹的组合练习 谭照昆

画面的组合

《雨后》作品的表现涉及的内容主要是芭蕉叶片和螃蟹两种，芭蕉在画面中画一至两片就可以，螃蟹则可以画出若干只，要有完全显现和半只的螃蟹形象。

画法步骤

在进行这幅作品的创作表现时，要按照以下几个步骤来完成。

第一步，考虑画面的布局，画面布局指的是如何把芭蕉叶与螃蟹合理的组织在一幅作品中，且要达到良好的视觉效果。

第二步是调和墨色，对于所画面积较大的内容，要提前调好些墨色，以防止随画随调时出现墨色变化太大的效果。

第三步画出芭蕉叶子。画芭蕉叶子时要按照已经考虑好的画面布局来添加，首先要画出前面的叶片，用墨较重，按逆时针方向一笔一笔之间画出，也可以以主叶脉的布局位置，在其两侧分别画出两排，但要注意夜间部分要画成半圆形，才能够让其合理的连接在一起。其次是画后边的叶片，后边的叶片从视觉上应该要浅，已达到画面的纵深感和空间深度，形成画面的立体效果，画后边的叶子时不需要画出叶脉。

第四步是添加螃蟹，添加螃蟹时要按照已经考虑好的画面布局进行添加，数量可画3~4只，画出的形象要有完整和不完整之分，就是说要画2~3只完整的螃蟹形象，再画出一只被芭蕉叶子遮挡住一部分的螃蟹，这样画面才符合所起的名称。

第五步是造气氛，画面表现的既为《雨后》，就要在画面中表现出一些雨后的效果，其方法比较简单，就是用浅墨在画面上点出一些水渍的效果即可。

这样一幅《雨后》作品就已经创作出来。

纵观众多的世界著名美术作品，对于人像的刻画可谓极为细腻，然而在作品中对于手的深入刻画却少之又少，但是手却是表现人物内在神韵的重要形象，本章就从手的结构和画法做一个简单的介绍。

作品《蒙娜丽莎》的手的图片 世界名画

手的结构

在进行手的素描写生时，首先要做到的是了解清楚手的结构如何，在此基础上对手进行写生就比较容易。下面分几个步骤介绍素描手的画法。

第一步，在准备好的素描纸上用直线轻轻画出手的大体结构、形状和动态，这个步骤画时用力要轻，画出的线条才会容易修改。

第二步是找准手的具体形状和结构，在进行这个步骤的写生时，要结合已经掌握的手部的结构关系（如上面已经介绍的），把大的结构和型刻画出来，画的时候一定要准确。

第三步在已经画好的画面上画出大的明暗关系，画时要概括，不要把暗面的型刻画的特别细腻。

第四步是对手深入细致的刻画，这个环节主要把手的灰色调和暗面中的反光画出来，用笔力度要轻，可以经过画几遍完成，这样画出的手的型就会有较好的视觉效果。如达芬奇作品《蒙娜丽莎》和唐朝周昉的《簪花仕女图》中对手的描绘，清晰的表现出人物的神韵。

窗外一缕柔和的月光透过窗纱射入静静的寝室，窗纱旁小桌上静静地摆放着一个小小的陶瓶，花瓶造型优美、色泽光亮，三角形、线形花纹缠绕在它的瓶身外部，让人产生一种无边的遐想，本章内容着重介绍这个陶瓶的素描画法。

带耳陶瓶 谭照昆

陶瓶的结构

广口、细颈、宽腹是这个陶瓶的主要特点，在它的身上布满了一个个几何花纹，瓶口处由赭石色的三角形与黄底黑色网格纹的三角形所构成。

陶瓶颈部装饰着黑红相间的线的纹样，陶瓶的肩部及腹部花纹更加丰富，从视觉上给人一种美的享受。陶瓶的颈部与肩部有着一个半圆形的把手，也就是陶瓶的耳，把陶瓶的整体造型更加充分的展示出其美的感觉。

陶瓶的素描画法

在对带耳陶瓶进行素描表现时，要按照以下几个步骤进行。

第一步，考虑好陶瓶在画面中的位置—也就是它的构图安排。

第二步运用直长线条画出陶瓶大的结构和形状，在这个步骤用笔的力度要轻，便于以后步骤中的修改。

第三步铺设大的明暗关系，在铺设大的明暗时，先不要考虑陶瓶本身的纹样，按整体的明暗关系铺设颜色。

第四步细致刻画，这个步骤在对陶瓶表现时，首先要把亮面和灰面的形确定下来，并且按照纹样的深浅进行绘画，要求把纹样表现清楚。其次画出暗面的纹样，暗面的纹样不要把纹样颜色的深浅表现的过于清晰，要有一种统一的视觉效果，这样，陶瓶的整体感就会更加明确。

第五步是进行画面上的调整，在这个步骤的画法中，要考虑好画面的整体效果，把不必要的内容擦涂下去，需要添加的内容再进行添加。这样一幅带耳陶瓶的素描作品就较好的表现出来。

这些日子里都是在搞flash游戏，自娱自乐。

以本人这种业余水平，只得慢慢磨，搞了半年还是没搞完。不过现在这些日子，还有空做自己喜欢做的事情已经是很不错的了。

这个教程主要是总结了一些fw鼠绘的小技巧。因此不要期望这个教程是一步一步来的哦。

什么?!你不用fw来鼠绘?!看一下也无妨嘛。

1.真正像支铅笔

毫无疑问，在用电脑画画的时候，调一支好的铅笔笔触是所有事情的基础。

鄙人在历尽“千辛万苦”后，调了一种比较像铅笔的笔触，用鼠标画起来的时候，比fw自带的默认笔触要平滑一点，颜色随机一点。

尽量自己调笔触，合适的.笔触画出来的画才不会太“cg”。

2.笔触咋切换

用笔刷的时候居然不能用热键切换笔触?!

如此一来，我从笔触甲切换到笔触乙，就不得不用鼠标点那个烦人的笔触菜单，接着从一大堆笔触里面选择，非常麻烦。

恭喜你看到了这个point2，用下面的方法就可以方便的进行笔触的切换了：

首先把你自定义的笔触应用到一个矢量上面，比如一条直线。

在绘画的时候，如果要切换到这个笔触，先按“v”变成选择工具，然后选中这条矢量直线。

最后按“b”切换到笔刷，哈哈，现在当前的笔触就是刚刚那条直线的笔触了!

3.比橡皮还要强

要修改一些描边的线条的时候，直接用橡皮擦的话，明显会使边缘不一致(如下方左图)。原因是橡皮是没有纹理的。

要通过擦除来修改图形，又要保证边缘一致(如下方左图)，方法很简单：使用和这个图形相同的笔触，然后把笔触的混合模式改为“擦除”(最后一种混合模式)，这样笔触就相当于有纹理的橡皮。

不过要注意一点，“擦除”模式下的笔触会模仿下方的颜色，也就是说，并不是真正的擦除。要真正的擦除，先保证你的背景色为透明。

4.白色粉底

在进行了铅笔勾勒之后，我通常先为对象上一层白色的底色。

这个上白底有什么用呢?就好比女孩子化妆一样，先上一层粉底。

用透明度变化的笔触或者涂抹工具，上色或者勾边的时候就体现出白色底色的好处了。

这个教程中所用的图样是我做的flash游戏『d.r.』中的其中一个角色。这个flash游戏『d.r.』的部分角色现在首次公开!!!

呵呵，行过路过不要错过啊!(保守估计还要做几个月。不适合15岁以下人士进行游戏，否则发生发傻，吐血，晕眩，砸电脑等非正常行为，本人不负任何责任。)

在艺术用语的层面上，绘画的意义亦包含利用此艺术行为再加上图形、构图及其他美学方法去达到画家希望表达的概念及意思。下面是小编为大家整理的关于色彩的绘画技巧，欢迎大家的阅读。

写生观察不外乎整体和对比，所谓整体观察就是彼此对照，区别不同，特别是用“同类对比法”最能照会到微妙的色彩变化，把相同或接近的色彩进行反复区别，找出色差，然后再分解调出。为了避免局部观察物体，最好侧身用余光意会物体的色彩，从而避免“死盯”。观察物体时可以上下左右，跳跃着对比观察，这样可以加强不同物体，不同方位的色彩的联系与区别。另外，看一个物体时间久了，视觉容易疲劳，导致色彩感觉迟钝，怎么办?你可以把头部向肩膀歪一歪，改换一下视觉习惯，这时你又会对眼前物体的色彩感受变得新鲜，我用这种办法让许多学生找到了感觉。

临摹优秀的范画，从中可以学习表现技巧，感悟色彩魅力，通过临摹可直接学到如何调色，如何用笔塑造形体，如何分辨色彩的冷暖和组织色调等等，并且还能进一步熟悉水粉颜料的性能和水粉画的干湿技法。当然，对于初学色彩的学生，强制临摹是茫然的，特别是在没有任何色彩知识的情况下，盲目临摹很枯燥。为了使学生对色彩画有一个良好的兴趣和开端，临摹前应当先简略地了解一点色彩基本知识和水粉画要解决的基本问题，其次还应该明白临摹的重要性，例如中国画的学习，都是从临摹开始的，有的国画家甚至一生都不遗余力地临摹前人的作品，不断地从前辈那里吸取营养，来提高自己的表现能力。特别是国画注重笔墨的要求，对水粉画的用笔也是同样适用的，这一点往往被许多任课教师所忽视，只强调色彩理论，而不注重用笔机趣，忽落了对画面的形式美追求。临摹时应当带着问题，从理解入手，先看画面是何类色调，是暖色调还是冷色调;是绿色调还是红色调;是深色调还是亮色调。从素描角度和冷暖角度逐一认识比较，何处最深，何处最亮。何处色彩鲜艳，何处色彩较灰。哪些属于暖色哪些属于冷色。光源色、固有色和环境色是如何变化的等等，然后在调每一笔色彩的时候不但要注意如何调准色彩，同时还要考虑如何用笔，是摆还是点，是湿还是干，是大笔触还是小笔触等等。做到胸有成竹，否则不求甚解，被动机械地照搬照抄不但进步缓慢而且降低兴致，日久会失去对色彩的热情，导致“望色兴叹”。

做为水粉画的调和剂，水是水粉画、水彩画和水墨画等画种不可缺少的主要媒介。虽然水粉画也可以象油画那样采用干画法和厚涂法，但还是有许多限制。没有水就不能更好地发挥水粉颜料的性能。教水粉画多年，我发现许多初学者之所以画不好水粉画，很大程度上是因为没有用好水，因为水的运用是几乎贯彻做画始终的。忽视了水的把握，也就忽视了基本方法的讲究。建议你先准备一块吸水性能较好的毛巾，为的是每次涮笔后在上面吸吸水，当然干画法和湿画法对水分多少的.要求是不一样的。在这里建议初学者不妨按以下步骤进行：开始调色前把笔在水桶里用力涮几下(对初学者来说，最好把笔涮干净)，再用力甩三四下，之后开始调你要的色彩。调准后不要急于摆在画面上，而是把含色的笔在水桶里轻轻地蘸上微量的清水，然后在调色板上。

对于初学者，有两个难点令人困惑，一是面对静物看不出色彩变化，二是看出颜色调不准色彩。我认为看不出色彩，不是色盲色弱，就是方法不对。看出颜色，调不出来很大程度是和经验有关。教水粉画十多年，我认为唯一不能教的就是调色，为什么呢?因为每一个人的感觉不一样，看出的色彩有差别;调色时种类的多少，比例的多少都可能制约着所调之色的准确与否。要想把看到的色彩调的比较准确，首先要把感受到的色彩进行归纳，看看它和哪种颜色更接近，区别在哪里?然后进行分解，把看到的颜色最多分解成两种色或三种色，不可太多，多了就容易脏，比较以下哪两种或三种色最能配出你需要的颜色。接下来就要尝试比例的分配，也许颜料量的比例是我们调色时最难把握的。比例不正确，调出的颜色不是倾向不对，就是过而不及。有学生常常问某一块颜色怎么调，例如画黄苹果的亮部，我告诉他，用白色加淡绿再加柠檬黄，可是等他调出来时可能缺少绿色倾向，或可能太生绿，也可能太粉气，所有这些都说明调色的方法有时真的没法教。只能凭自己的感觉。

也许每一个初学者都是从素描开始自己的绘画历程的，色彩和素描是相互联系又彼此不同的绘画两个形式，当我们能看出一定色彩关系后，怎样才能把一组静物塑造的体感足，空间感强呢?如果没有素描的专门联系，色彩的塑造永远都可能无从谈起。所以，当我们面对一组静物时，除了努力观察，理性的素描处理能力是形体塑造的基本依据，当然我们不能为素描而素描，一味的强调明暗关系也许会失去色彩的意义。用颜色画素描是水彩画的大忌。怎样塑造呢?可以用概括的方法对基本形体进行“三大面五调子”的分析，强调笔触的独立性，把一个物体归纳为有限的几块颜色，即块面画法。这样，画面就会层次分明，色彩简洁明确，加上笔触的变化，作品就显得干净利索，形体结实，具有很强的表现性。关于块面的塑造方法，初学者可以多练习一些从明到暗的色阶推移，来区分色彩的层次。