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美术论文题目篇一
爱因斯坦说过，兴趣是最好的老师。因此，培养学生的创新思维要从培养学生对美术课程的兴趣开始。兴趣作为推动学生持续学习的主动力，是美术活动中必不可少的基础。中学美术教师在教学过程中可以使用充满活力与激情的教学方式来集中学生的注意力。在与学生交流过程中，应该用温柔亲切的谈话方式，打开学生心扉，拉近师生距离。教师在授课过程中还可以利用多媒体教学手段，为学生展示名家画作，让学生通过双眼观察优秀的美术作品，进而形成对艺术的整体感知。使学生在创作中，能够站在名家角度思考问题，力求创新，获得成就感。中学生面临着庞大的学业压力，在枯燥的现实面前，美术教师可以安排学生轮流进行黑板报创作或书画作品展，为学生提供亲身实践的机会。让学生在美术创作中，尽情的发挥自身创造力与想象力，同时释放学业压力，丰富学生课余生活。只有让学生在实践中体会创作的乐趣，才能帮助学生将创新思想融入到自身学习与生活中。
二、优化教学方法，开拓求异思维方式
大多数教师并没有深刻理解教改理念，在教学过程中依旧保持着传统教学方式，缺乏教学灵活性与创造性。所以，优化教师教学方法对开拓学生思维有着极为重要的意义，具体操作方法为：
（一）合作学习法。合作学习法是指教师在教学方式上，采取启发式、讨论式、探索式的合作学习法。教师在与学生交流沟通过程之中，通过互相探讨与交流，引导学生获取知识。合作学习法可以有效运用到美术课程教学之中，比如让全班五名同学同时完成一幅抽象画。五名性格各异的学生在创作过程中自然会产生差异，所以此时就需要一名组长来统一五名学生的意见，当五名学生意见一致时，就可以开始作画，最终完成的画作必将是统一风格。
（二）求异思维。美术教师可以在教学过程中，运用某些作品的创新元素来激发学生的求异思维。比如，在欣赏毕加索这类立体抽象派大师的作品时，教师可以引导学生通过不同角度欣赏作品，并将作品中五官形体进行重新组合，从而创造一种新式结构美。在这一过程之中，美术教师要尽量压缩学生观察时间，促使学生在脑海中产生一种瞬间影像，进而通过顿悟，开发创新思维，激活灵感。然后在创作工程中，鼓励学生打破传统思维定势，大胆使用多种元素，尝试去构建一种新式的绘画。通过这种方法，能够帮助学生进行独立思考，从而激发出想象力，有助于求异思维的锻炼。
三、加强创造想象，开发学生创新能力
想象力是美术学习与创造的基础，即使是一幅速写素描也需要作者在脑海中绘制一张理想的图像作为参考，然后朝着理想图像努力作画。中国有一个成语叫“胸有成竹”，其含义就在于作画之前的构想。所以，想象能力决定着美术学习能力。教师在教学过程中可以利用多媒体技术为学生提供名家作品赏析，这些作品能够为锻炼学生想象能力积累素材。教师还可以为学生专门设计一种教学环境，使学生在学习过程中获得心灵的愉悦，从而产生想象的动力。
四、因势利导，在课堂上生成“错误”
中学生不光处于生理发育青春期，其思维方式也处于“青春期”。中学生受到自身知识限制，他们认识事物的过程总会伴随着“错误”。但事实上，这些宝贵的“错误”正是教学中可以用到的资源。让学生在纠正错误的过程中，对自己的知识进行审视，从而培养出创新思维。例如，在欣赏朱耷所创作的鹌鹑图时，画家朱耷自比为鹌鹑。教师让学生猜为什么画中的鹌鹑是愤怒的表情，学生答道，是因为鹌鹑蛋被偷了，这个答案引发了一阵哄堂大笑。教师可能会觉得学生的回答不可理喻，但是仔细一想，学生的说法并没有错。鹌鹑之所以会愤怒，自然是因为自己的蛋被偷了，而朱耷自比鹌鹑，那他被偷掉的“鹌鹑蛋”，就是他的国家。因此，教师在课堂上不要妄加指责学生，而是应该充分利用学生的“错误”，因势利导，在轻松快乐的教学环境中，传递知识。
五、鼓励学生，激发学生创新动力
正确的教学评价在为学生树立自信心的同时，也能帮助学生发现自己的缺点，从而找到努力克服的目标。教师在审查学生作品过程中应该站在学生角度，正确给出评价。这样不但能够保持学生学习乐趣，还能从学生眼光来观察他们的思维方式与内心世界，促进教师与学生之间的交流与联系。具体操作上可以采用自评、互评与教师评价相互结合的方式，学生之间互评可以使他们发现彼此之间的优点与缺点，学会扬长避短。当代中学生大部分为独生子女，他们自尊心极强，教师在评价过程中应多用鼓励性的语言，这样可以调动学生学习积极性，并为其树立学习创造的自信心。无数实践证明，优秀的教育工作者都是通过积极方面的鼓励为学生树立学习的榜样，并通过良好的学习交流使学生在认识到自身不足的同时，努力学习奋发向上。
六、结束语
创新是民族进步之魂，国家发展与兴旺离不开创新精神的引导。美术作为一门艺术，创作是其源远流长，不断发展的不竭动力。为此，我们必须从学校开始，在中学美术教学中将激发学生兴趣、培养学生创新精神作为核心目标，优化教学方法、构建评价体制，进一步将创新思维融合到中学美术教学之中。
美术论文题目篇二
（一）审美情感的含义
何为审美情感，就是指人对客观存在的美的体验与态度。创作者创作优秀的作品将自己曾经体验过的情感表达出来，通过作品这一媒介让其他观赏作品者也能体验到创作者的.情感，审美情感就是在这种情感交流中产生的。审美情感分为三个层次：一是一般意义上的快感；二是痛感；三是深层次的快感。人们在日常生活中能体验到快感和痛感，但是很少能够体验到深层次的快感，而审美情感就是深层次的快感。审美情感在大多情况下会表现为一种审美快感，最浅层次的审美情感仅体现在生理上的愉悦，中层次的审美情感体现在心理上的快乐，高层次的审美情感则体现在精神层面。
（二）中学美术教学的重要意义
中学美术教学的教学目标是加强学生自我审美能力的训练。教师在教学中学美术时应当充分以学生为主体，考虑到学生的不同个人色彩和特性，结合学生各方面的审美能力发展情况作出教学方针，督促学生能更好地培养审美。中学美术教育意在帮助学生更清晰地了解文化与艺术之间的结合，使学生能从中受到创作灵感。美术作为一门综合性非常强的课程，需要教师在给学生上课传授知识的同时多注重对学生审美情感的培养。当今社会学校对学生的培养应当要全面发展，美术教育就是全面发展中的一部分，美术作为一门能够给学生带来美的享受的课程，可以帮助学生发泄情感，减少压力。中学美术教学主要有以下几个重要意义：
1.陶冶情操：人的行为举止通常是受情感和理智控制的，因此情感对人生实践有着重要作用。美术教育就是通过作品中诠释出来的美来影响人的精神和心理，让观赏者能保有一颗真挚而丰富的心灵。
2.美术教育可以提高人的思维能力：思维能力分为两种，形象思维和逻辑思维，其中形象思维是逻辑思维的基础，没有形象思维是不能形成逻辑思维的，而形象思维的基础则是审美情感。人们只有先看到某一事物的外貌特征才能将事物在脑海中形象化，然后对形象化的事物进行逻辑性的思维考虑，所以审美情感的培养能帮助学生更好地进行思维扩展。
二、中学美术教学中学生审美情感培养存在的问题
（一）学校对学生美术审美教育的重视度不够
学校和教师的教学观念对教学活动如何开展以及教学内容如何安排都有很大的影响。然而仍有一部分中学美术教师保持着传统美术教学观念，不关注学生情感上的培养，只灌输美术知识，这样学生难以创作出具有个人情感特色的作品，学生只会局限于书本知识，很难适应日常生活的磨练，同时在这种教学观念下学生的创造能力被磨灭，影响了学生继续学习美术的兴趣，最终放弃学习美术。有些美术教师过于关注自身的美术技能提升，对所谓的审美情感嗤之以鼻，认为只要技能提高可以不重视修养，也不关心教学理论的学习，这样长久发展下去只会导致自身教学观念过于传统不合时宜。另外，由于升学考试的影响，学校为了让学生能通过考试多注重对学生文化课的提升，并未重视美术教育这一审美教育，有些教师甚至认为美术课程可有可无，对学习没有任何帮助，很多学校都已经将美术课换成了主课。美术课地位的一落千丈很难使学生的审美能力得到提高，很多扩展学生思维创造能力的活动都无法展开。
（二）课堂教授内容枯燥呆板，缺少富有情感的作品
课堂氛围过于枯燥呆板很难带动学生的学习兴趣，更难以让学生从心里减少对美术课的轻蔑，这是培养学生审美情感点的严重阻力。课堂内容的过于枯燥不仅仅是源自于教师教学方法过于传统，还和美术教材的“不通情理”有关，中学美术教材在编制方面较少考虑到学生的审美情感培养，对学生个性化和创造力缺少关注，不能够吸引学生提起兴趣进行观赏。另外，美术教材在选取素材上集中于中国本民族这一话题，对国外的素材选取较少，这就导致了教材内容单一化。美术不能局限于某一时间段或某一国家，而要综合民族、时代、历史三方面进行选择考虑，中外古今的美术题材都应该作为学生学习观赏的素材。同时在对学生的兴趣培养上，缺乏吸引学生的美术兴趣，就不能给予学生学习美术的动力。
（三）教师教学模式化过于单一，无法培养学生的审美能力
传统的教学模式过于单一，容易让学生对美术课程产生逆反心理。随着现代科技融入教学中，多媒体技术被广泛应用，美术教学中借用了多媒体为吸引学生兴趣提供了帮助，但过多使用多媒体也会带来不利的影响，那就是很少有机会让教师进行亲身示范，给学生带来更直观的帮助，现在有了多媒体，教师只需要动动手指头，对学生实际操作不会带来任何帮助。例如美术教师在讲解某一油画作品时需要掌握的技巧和知识，但是有了多媒体这个媒介，教师通常会选择利用多媒体中的课件展示一些油画作品，通过“张张口”进行技巧手法的讲解，认为学生就能理解，能实际掌握了，实际上学生对技巧知识都只是停留在表面，不会有深入的研究。
（四）学校教师在指导学生培养审美情感方面作用不大
学校教师的作用是引导学生进行学习，而教师引导作用却不能全面的发挥出来，这使得学生审美情感培养得不到周围环境的支持。教师的指导在学生美术教育中非常重要，在美术教师进行教授知识时，能通过作品诠释的内容和意义为学生更实际的了解到社会百态，人文背景。美术情感的教学需要指导学生将自己的情感创新性的赋予在作品中，对美术涉及的知识进行综合性的探索。美术作为一门审美塑人格的课程，通过培养学生审美能力来帮助学生清楚认识到何为美。然而在实际过程中，美术这门课程却是其他文化课的附庸，可有可无，美术的魅力都被教学安排给泯灭了。在美术学习中，学生对同一幅作品会产生各自不同的理解和思考，尤其著名的是作品《蒙娜丽莎的微笑》，学生会对微笑有什么意义，或者微笑背后有什么故事等等充满好奇，这就需要教师进行指引，针对学生的问题鼓励学生积极参与讨论。
三、加强中学美术教学中学生审美情感培养的措施
目前想要加强中学生审美情感的培养就必然要以当下实际现状为主进行思考，“好钢用在刀刃上”，目前学生对美术学科的态度问题以及学科本身存在的缺陷都是一直以来学生不能深入学习美术的重要因素。原本对美术有兴趣的学生在对当前美术课程现状感到失望甚至放弃了美术的学习。首先作为学校，作为教师，应当要知道美术课程并不是可有可无的学科，美术教育对学生的思维创新能力有着非常卓越的提升效果。现如今，拥有优秀的美术鉴赏能力的人才是各行业积极追求的，想要成为美术人才势必要对美术进行系统学习和深造。培养中学生的审美情感不仅仅能帮助学生提升自身的美术技能，更能提升学生对文化艺术的认知。
（一）适当使用多媒体
随着多媒体的广泛使用，教师能够将美术作品体现的方式也由纸张扩展到了网络、影视。多媒体的多样化使得好奇心较重的学生对美术学习产生兴趣。合理使用多媒体可以帮助学生更生动形象地理解知识，也能减轻课堂枯燥的氛围。然而多媒体的应当不适当，就会减少教师的示范职能，教师应当结合多媒体和自身示范职能，为学生更实际地掌握美术技巧合理安排多媒体的使用。同时教师的审美情感对学生产生什么样的审美情感有着重要影响，教师对创作的作品要注入自己的审美情感，传递给学生进行感受，潜移默化地影响学生辨别美。
（二）加强学生对美术文化的学习
想要积极培养学生的审美情感，首先应当让学生了解美术文化，文化与艺术是相互联系的，只有让学生对文化多些了解，他们才能打好美术基础，拥有开阔的视野才能创作出优秀的作品，才能升华自身的精神层面。学生在初次接受作品的熏陶时，更多的是好奇，并不能足够深入地理解作品的含义，这就需要教师积极对作品进行讲解，帮助学生深层次阅读作品，理解作品传递的情感引起共鸣，要身临其境，与作者一同体验曾经的情感。只有学生能自主地对作品进行赏析，能真正意义上理解作品，才是审美情感的提升。
四、结束语
想要学生真正看懂一幅作品，必然需要加强对学生审美情感的培养，通过学生与作品之间情感的交流提升学生的审美情感。审美情感给予学生的是无尽的财富，它可以帮助学生完善自身人格，拥有高于他人的创造力和思维能力。因此，培养学生审美情感是美术课程中教师的首要任务。
美术论文题目篇三
美术作品是人类思想的可视性表达，是作者智力劳动的产物。其中“具有独创性并能以某种有形形式复制的”美术作品受到著作权法保护。著作权法最初是为保护文字作品而制定的。
【1】美术作品保护作品完整权研究
值得注意的是，在保护作品完整权上，美术作品的保护方式与一般作品并无差别。
但是美术作品在客体性质上与一般作品有着重大区别，在适用现有法律时，若不加以适当解释则难以实现充分保护，也难以实现权利人与利用者的利益平衡。
1侵害美术作品完整权的构成要件
11歪曲篡改
111因对作品的改动而构成的歪曲篡改
改动即是存在着对美术作品物理上的改变。
这里的改动应当做严格的理解，依照客观标准进行判断。
但是存在着改动并不意味着一定构成“歪曲篡改”。
如果将一切改动都认定为构成歪曲篡改，无疑会导致作者权利的绝对化，有违公平原则也不利于作品的利用。
因此需要对改动进行限定，以确定构成“歪曲篡改”的改动。
美术作品表达的是美感和作者持有的美的观点。
美术作品的表达分为核心内容与一般内容。
当作品的核心美感或者作者的核心观点无法体现的时候，则应当认定为侵害美术作品完整权。
但是对于美术作品的核心表达，不能以文字作品的因素去考察，而应当用美术作品的考察因素去衡量。
美术作品是三维的，对其表达我们不能平面地理解。
例如，对于一般作品来说，大小并不影响作品的核心表达，但是大小是某些美术作品的表达方式。
如微雕作品就是如此。
因此，改动行为要构成“歪曲篡改”则需要达到危及作品核心表达的程度。
且对于核心表达的判定应当以美术作品的考量因素进行衡量。
112其他侵害行为构成的歪曲篡改
其他侵害行为即没有对美术作品进行物理上的改变，但是在使用该作品的过程中使觀众无法正确接受作者原本欲在作品中表达的意思。
我国《著作权法》虽然没有明确规定此种情形应当认定为侵害保护作品完整权，但是我国的司法实践中多对《著作权法》进行扩大解释，将这种情形纳入保护范围。
“张敏耀诉长江日报案”[zw(]参见湖北省武汉市中级人民法院〔〕武知初字第7号民事判决书。
[zw)]、“王文海诉隋建国案”[zw(]参见北京市朝阳区人民法院〔〕朝民初字第28850号民事判决书。
[zw)]都是如此。
对于其他侵害行为是否构成“歪曲篡改”不应当绝对地以作者主观标准进行判定。
由于其他侵害行为并不构成对作品本身的改动，其要对作者权益造成损害的关键在于利用者的利用过程中，一般观众是否会因为利用者的利用方式而误解作品所要表达的意思。
因此其他侵害行为要构成“歪曲篡改”需要达到足以导致观众误解作品的意思表达的程度。
12是否有损作者声誉
121立法旨意
“艺术家创作时，将其部分人格折射到这个世界中……遭受的损害也不仅限于经济性的，因此需要对作者进行保护，以免其人格受到伤害。”[2]设置保护作品完整权的目的在于维护作品的同一性，保护作者人格免受侵害。
作品作为作者思想的表达是作者人格的外在体现。
一方面，现实中对于作品的评价一般情况下最终都会成为对作者的评价，例如对美术作品是否具有美感的评价会最终成为对该作者的创作水平的评价。
由于作品与作者在精神利益上的一致性导致当作品因他人的原因与作者的思想表达不一致时，作者依然会因此承担作品所可能导致的社会风险，这显然与民法的意思自治原则不符;另一方面，作者都不希望自己的作品遭受篡改，人人拥有自由表达的权利是公认的基本人权，作为思想外化的介质，作品如果可以被任意改动，那么表达自由难以保障。
因此法律需要为维护作品的同一性提供相应的保障，确保作者的人格利益不受侵害。
从保护作品完整权的立法旨意上来说，其保护的是作品的同一性而非作者的声誉。
那么判断美术作品完整权是否受到侵害也应该是考量该作品的同一性是否受到破坏，而没有必要考量作者声誉是否遭受损害。
122美术作品的特殊性质
“权利对象的性质很大程度上决定了它的保护方式。”[3]文艺成果据此与有体物有了不同的保护方式，性质不同的作品在侵害保护作品完整权的构成要件上也应当与一般作品有所区别。
如今，计算机软件因为其性质的特殊性在保护作品完整权中应当被特别对待已经成为学界通说。
而与一般作品相比，美术作品的特殊性也十分显著。
美术作品著作权客体的脆弱性，表现为灭失的高风险性和维持同一性的困难性。
“知识产权的对象是特定的信息”[1]。
著作权所保护的“特定信息”依赖于载体物的承载，相对来说载体物的数量越多，“特定信息”灭失的可能性越小。
而长期以来美术作品通常是作为奢侈品存在的，维持作品的稀有性是保持其价格的关键。
作者的主要利益也来源于对作品原件的出售，因此作者本身并没有复制作品的动力，相反更热衷于维持作品载体的唯一性。
这使得美术作品所承载的“特定信息”的灭失风险较高。
例如，唐代诗人李白的诗歌至今仍然有数百首传世，但是李白的美术作品却仅存《上阳台帖》一件。
[4]另外，美术作品维持同一性极为困难，对于同一个画面的美感不存在替代性的表达方式，就像不能要求达·芬奇用完全不同的画面表现与《蒙娜丽莎》相同的美感。
且美术作品的核心表达往往表现得极为微妙，不能以物理的比例来衡量。
例如《蒙娜丽莎》核心的表达是微笑，但是如果对嘴角部分稍作改动，微笑就会消失，整个作品也会丧失其核心表达，但是那一点被去掉的颜料在整个画面中却显得微不足道。
这就意味着对画面稍作改动，都可能造成作品核心表达的丧失，作品的同一性也随之丧失。
从美术作品的客体特征上来说，客体的脆弱性致使美术作品在保护作品完整权上需要更加严格的保护方式才能实现有效保护。
为此，德国《著作权与鄰接权法》将美术作品的复制形式仅限于拍摄，因为在拍摄的情况下美术作品一般不会被歪曲[5]。
较低的保护水平会加速美术作品的灭失，而一旦灭失便无法进行传播和利用。
若将“有损作者声誉”作为美术作品的保护作品完整权侵权判定要件，会降低美术作品的`保护水平。
由于美术作品的改动较为容易，若以“有损作者声誉”为侵权构成要件，则很可能出现作品同一性受到严重破坏时，却由于不构成“有损作者声誉”而不构成侵权。
更有甚者，当作品已经灭失的时候，因为不构成“有损作者声誉”，仍然不会构成侵权。
这显然与保护作品完整权的立法旨意不符。
综合以上因素，不应当以“有损作者声誉”为美术作品完整权侵权构成要件。
2侵害美术作品完整权的特殊情形
21出版性复制和有效复制
出版性复制是为了实现对美术作品的宣传介绍而进行的复制行为。
有效复制是指为了再现美术作品的全部美感而进行的复制行为。
对于一般作品，并不存在区分出版性复制和有效复制的必要，因为一般作品的复制难度较低，出版性复制可以完全再现作品的内容。
但是美术作品却存在区分出版性复制与有效复制的必要。
对于美术作品而言，出版性复制难以再现作品的全部内容，出版性的复制品对于美术作品来说类似于电影海报之于电影，尤其是对于雕塑作品而言。
美术作品的核心在于通过艺术语言所表达的美感，而要实现这一美感的再现就需要艺术语言的再现。
然而与文字语言不同，色调、大小、比例乃至三维空间等因素都是艺术语言的组成。
出版性的复制品显然只能复制美术作品的部分。
区别出版性复制与有效复制意义在于：其一，可以规范对美术作品改动的认定。
如果不区分载体物的性质，将会对唯一载体物的改动都认为是对作品的改动，如此将潜藏着重大的社会风险。
对此，基于利益平衡原则，是否构成对美术作品的改动应当以载体物是否为有效复制件进行确定。
其二，可以规范对美术作品灭失的认定。
美术作品的实质是特定信息，这些信息的消灭会导致美术作品的灭失。
但是，并非所有载体物都能完全承载作品的完整信息，故不能认为只要存在载体就认定作品存在。
而美术作品是否存在也应当根据载体物是否为有效复制件来确定。
22侵害美术作品完整权的特殊情形
221特殊的改动行为
对于美术作品有效复制件的改动。
《美国版权法》在确定“视觉艺术品”的保护范围时将复制件也列入其中[zw(]参见《美国版权法》101条。
[zw)]，而我国《著作权法》没有对复制件给予直接保护。
但是当美术作品的有效复制件成为作品的唯一载体的时候，对于有效复制件的改动会造成作品的改动，由此可能构成侵害保护作品完整权。
对于美术作品出版性复制件的改动，由于出版权利穷竭，对其进行改动并不会导致作品遭受改动。
但是对出版性复制件的改动仍然可能导致侵犯保护作品完整权。
当对复制件的改动，导致观众误解作品的意思表达时，构成其他侵害行为，侵害保护作品完整权。
222美术作品的灭失
保护作品完整权是永久性权利。
而作品只要其所具备的特定信息不完整则应当被认定为已经灭失。
那么，保护作品完整权是否及于保护作品不被灭失呢?如果保护完整权的范围及于保护作品不被灭失，会存在一种长久的社会风险即在逻辑上存在保护作品完整权的永久性与作品必然灭失性的矛盾，作品载体的持有人将永久承担这一灭失风险，因为在逻辑上存在作品的唯一载体，所以终有一天会有人承担作品灭失所引发的责任。
但是如果认为保护作品完整权不包括保护作品不被灭失的话，也会存在一个逻辑上的问题，即作品的灭失与作品的改动一般情况下只是一个程度的问题。
当作品遭受改动，且该改动造成作品所具有的特定信息不完整也无法恢复的时候即是作品的灭失。
既然保护作品完整权对作者希望作品不被歪曲、篡改的精神利益加以保护，那么作品灭失所会造成的作者精神利益损害会更加严重，对于灭失所造成的精神利益损失，保护作品完整权为何不加以保护。
保护作品完整权保护的是作者的精神利益，作品作为“作者之子”与作者具有人格上的关联性。
当作品都不存在的时候，这种关联性也无从谈起。
保护作品完整权保护的是作品与作者思想的同一性和一致性，当作者失去思想表达的介质的时候还谈何保持同一性。
从另一个角度上来说，保护作品完整权保护的是作者不希望自己的表达被歪曲的精神利益，那么举轻以明重，作者更不希望自己的表达被歪曲到无法恢复的地步。
因此保护作品完整权应当包括保护作品不被灭失的权利。
至于随之引发的社会风险则可以通过对保护作品完整权的限制得以控制。
3完善美术作品完整权的构想
31严格保护
由于美术作品具有客体的脆弱性，导致美术作品维持同一性十分困难，且极易导致作品的灭失。
作品的同一性依赖于保护作品完整权的严格保护。
311法律适用上的严格保护
基于美术作品的特殊性质，不能将“有损作者声誉”作为侵害美术作品保护作品完整权的侵权构成要件。
针对美术作品，在适用《著作权法》第10条第4款时应将“歪曲、篡改”严格理解为“存在改动或者其他侵害行为且改动危及作品核心表达或者其他侵害行为导致公众误解作品表达”。
以美术作品的考量因素确定作品核心表达。
美术作品的表达“语言”与一般文字作品有着明显区别，对于美术作品的核心表达，直接套用文字作品的认定方式难以准确认定。
所以应当从美术作品的角度，通过美术作品的考量因素去衡量，除了考察作品的平面特征之外，还应当考虑作品的三维特征，例如大小、比例等。
如此才能实现对美术作品核心表达的正确判断，才能进一步判断作品是否遭受“歪曲、篡改”。
通过对保护完整权的范围做扩大解释将美术作品灭失囊括其中。
美术作品的灭失对作者的著作人格权的损害程度要高于歪曲篡改，既如此根据当然解释，举轻以明重，保护作品完整权的范围当然及于美术作品灭失。
另外根据目的解释，保护作品完整权的范围也应当及于美术作品的灭失。
312立法上的严格保护
设立作者的接触权，保障保护作品完整权的实现。
美术论文题目篇四
【内容摘要】当前，我国美术学本科教学当中普遍存在的问题是专业基础课和专业主干课的地位不对等，即专业基础课地位不受重视，这直接影响了专业基础课的教学效果。在这种客观环境下，怎样改良专业基础课的教学效果，提高专业基础课的教学地位，作者在民间美术本科基础教学当中做了一些探索。
【关键词】教学方法 造型 观念
实践教学中，笔者针对班级的一些情况，在课程开始前有了一些思考，着重解决教学能否从新角度、学生的主观态度是否能积极配合、学前知识量能否根据需要给予串联为这一课程服务，并让他们主动参与和互动。
具体到授课过程中，存在的问题有以下几个方面：一是学生不重视这门课，因为它似乎距离专业课较远，所以学生的学习兴致不高;二是学生的创造性思维没有充分激发出来;三是教学内容与学生所学专业的联系紧密度不够。
这一课程是民间美术造型课，侧重在观念引导人的造型，是艺术设计学生未来的专业方向，因此有关形式和观念的意义尤为重要。
针对上述情况，笔者在教学过程中得出以下经验：
强调本课程与专业课的联系，举例说明一些典范作品与民间美术观念造型的联系，使学生在一定高度上重视这一课程内容。在讲课的过程中与学生共同分析优劣作品中的造型特点及感人内容，说明作品中哪些内容和民间美术的内容有联系，使学生有一种“土东西也能登大雅之堂”的感觉，这在潜意识加强了基础课程的重要性，使学生在不知不觉中重视这一课程，从而为课程的深入开展做好心理上的准备。一个人是否具有创造性的思维，是决定其综合能力的一个重要因素。从单纯的造型出发，通过创造性思维的开发，得到一个或多个有创意的造型，是创造性思维观念引导下的个性化结果，而这是一种非常科学而有效的教学方法。例如，“一个碗，其口是圆形的，但它的底部却是直线的”，这是民间美术造型的一种形式，它体现了民间美术的一个观念：“碗口应该画成圆的，这是为了能盛入东西，而碗底应该画成直线的，这是为了能放在一个平面上”。这是从客观、现实出发表现的一种造型观念，即现实是不能改变的――碗口是圆形的，画到平面上也一定是圆形的，如果画成椭圆形或其他形状就不对。这种观念在古代埃及、印度等文明中也普遍存在，如埃及人画池塘，池塘是椭圆形的，池塘边上的树是围绕着池塘边立着生长的，那么在平面绘画中，埃及人也会将树画成围绕池塘边立着生长的样式，而不是西方绘画中通常的一点透视法画出来的样式。再如印度绘画，有时候画一个侧面人物，本来只能画一只侧面的眼睛，但为了求全，艺术家往往把另外一只眼睛也画在那只侧面眼睛的旁边，这样的例子在中国古代民间美术当中比比皆是，楼梯口的透视在画面中可以是近小远大，因为它不是生活中的焦点透视作用下的物象。在民间美术中，画在纸上的碗，不是被某一个视角固定的碗，而是从各个角度抽取出来的观念意义上的碗。按照西方绘画的理论，这是简单造型的立体主义(是否立体派的产生也运用了中国民间美术，这也不是不可能的)，因此，一个视觉内容的创作，是观念作用下的结果，具有功能的作品产生。这种功能存在于人们见到的物象，并且自然地被经验衔接在头脑中，因此创造的思维需要大量造型观念支持，这些观念的运用在民间美术作品中有很多，而且需要我们去发现，并学会使用它们。
用民间美术造型思维去思考，重新审视中西方的艺术作品。在学习西方美术史时，我们总是按照西方的思维去思考问题，能否按照新的思维方法、新的角度去思考?笔者在让学生看法国现代主义画家塞尚的绘画时，学生发现他的绘画的视角不是在同一个角度取景，这些和传统的中国画的画法相似。这用中国民间美术造型中的“全方位空间”思维方法可以解释，即同一画面有不同的视角组合在一起，这与吕胜中在《造型原本》中总结中国民间美术的造型思维方法相符。有的学生认为挪威画家克里姆特“母与子”系列作品，按照吕胜中的“时间与运动”理解，表现人从出生到老的过程。在西方的“观念艺术”中，观者与作者的参与、互动是一大特点。曾经有这样一个故事，一位剪纸能人剪了一位手拎七星秤卖鱼的场面，有人开玩笑对作者说只有卖鱼的，怎么没有买鱼的?作者说谁看他的作品谁就是买鱼的……这样的故事让学生了解互动的概念，学生也做出了许多好的作品。如学生张思明的作品《无题》，内容是一个男人挥拳打自己的影子，却被自己打倒。这个学生是利用影子的造型方法反映民间“以虚为实”的观念进行创作，说明人应该不断和自己斗争才能发展;学生袁东明的作品《错乱》从民间美术中“信天游”的造型手法得到启示，反映了“秩序与混乱”的观念意义等。
从本质意义来说，年轻人多有这个时代所带来的最前卫的东西，也就是说具有先进性，他们在享用这个时代生产的社会和文化财富，并利用这个时代产生相关的新观念去思考，要了解他们这些知识的背景下，与有意义的观念结合，什么样的观念就有什么样的结果。贡布里希曾说，社会发展不是技术上的进步，而是观念上的进步。观念意义的存在具有重要作用，旧的观念让人迂腐顽固，新的观念使人开明进步。时代要求我们有新鲜的教学模式、新的教学观念，而关键是如何在具体的教学中去体现。
美术论文题目篇五
随着全球范围文化交流的推进，外来文化的不断涌入与冲击，民间美术趋于淡出人们的视野，民间美术作为传承民族文化的重要载体之一。传统工艺美术作为艺术发展的重要阶段，在工艺美术发展史上有重要地位。
有关美术毕业论文范文一：传统工艺美术新价值研究
摘要：在工艺美术设计发展中，传统工艺美术具有重要地位。
从工艺美术的发展来看，传统工艺美术不但代表了工艺美术发展的重要历史阶段，同时也集聚了工艺美术的大量成就，成为了工艺美术的里程碑。
基于对工艺美术的了解，以及工艺美术设计的快速发展，在现代工艺美术设计中，正确理解传统工艺美术优点，并发现传统工艺美术新价值，对推动工艺美术发展和解决工艺美术设计问题具有重要作用。
为此，应立足工艺美术设计实际，深入探讨传统工艺美术的新价值，发掘传统工艺美术的优点。
关键词：传统工艺美术;设计;新价值;
一、引言
传统工艺美术作为艺术发展的重要阶段，在工艺美术发展史上有重要地位。
基于对传统工艺美术的了解，传统工艺美术不但具有发展历程长的特点，同时也具有重要的历史地位和应用价值，并且在新时代表现出了一定的新价值，对当代工艺美术的发展产生了重要影响。
因此，应立足传统工艺美术发展实际，认真分析传统工艺美术的新价值，为当代工艺美术发展提供有力支持，保证当代工艺美术能够吸取传统工艺美术优点，提高工艺美术的发展质量，推动工艺美术的快速健康发展。
二、传统工艺美术发展历程较长，具有重要的历史地位和应用价值
在传统工艺美术发展过程中，无论是陶瓷艺术还是青铜器以及漆树和漆器，都是工艺美术发展的重要成就，在不同的历史时期引领了所处时代的发展。
基于对传统工艺美术的了解，传统工艺美术的发展历程和历史地位及应用价值主要表现在以下三个方面：第一，传统工艺美术的陶瓷艺术价值最高。
在传统工艺美术发展中，陶瓷作为重要的工艺品，无论是观赏性还是实用性，都具有较强的艺术价值。
从目前掌握的工艺美术文化中，陶瓷艺术的价值和艺术成就最高。
第二，传统工艺美术的青铜器引领了当时时代的发展。
青铜器的出现，代表了传统工艺美术发展到了重要阶段。
以当时的工艺成就而言，精美的青铜器成为了当时时代发展的重要代表，推动了工艺美术的发展。
第三，传统工艺美术的漆树和漆器成为了当时工艺美术的代表作。
中国是最早发现漆树、种植漆树、使用天然漆髹涂器物、制造漆器的国家。
目前发现最早的漆碗是距今七千年左右的河姆渡文化漆碗，使用朱红色漆。
三代时期，漆器是贵族用品，战国以后漆工艺进入了一个长达五百年的鼎盛时期，
三、传统工艺美术的新价值内容分析
传统工艺美术是一个综合体，具有多方面的价值。
在手工业时代的历史中，它是生活的创造者;在当代，它又以历史文化保持者的角色成为历史文化的一种记忆和象征，以手工艺艺术和文化的独特形态自立于以现代设计为主体的科技文明之中，成为民族传统文化艺术的载体，发挥着从经济到艺术的多种职能。
所以，传统工艺美术的新价值内容主要体现在以下三个方面：第一，传统工艺美术是生活的创造者。
基于传统工艺美术的重要地位，以及传统工艺美术对生活的重要影响，传统工艺美术可以认为是生活的创造者，也可以认为是推动生活发展的重要推动力。
第二，传统工艺美术是传统文化的载体。
在当代，传统文化的概念比较广泛，而通过传统工艺美术，可以迅速的认识到传统文化这一概念，使得传统工艺美术成为了重要的文化载体。
第三，传统工艺美术肩负着经济职能。
传统工艺美术奉献了有价值的工艺品之后，也推动了经济的发展，成为了繁荣经济的重要手段，为经济社会的发展注入了生机，推动了艺术创新。
四、传统工艺美术对现代工艺美术的重要影响
从传统工艺美术的发展来看，传统工艺美术对现代工艺美术的发展产生了重要影响，具体表现在以下三个方面：第一，传统工艺美术为现代工艺美术发展提供了重要参考。
由于传统工艺美术优点突出，其艺术成就和发展经验为现代工艺美术的发展提供了重要载体和基础，使现代工艺美术能够有效满足艺术发展需要，提高现代工艺美术的发展质量。
第二，传统工艺美术为现代工艺美术发展指明了方向。
传统工艺美术集成了多年的发展了几代人的智慧，无论是对工艺美术内容的认识还是对工艺美术发展方向的认识都比较到位。
因此，传统工艺美术为现代工艺美术的发展也指明了方向。
第三，传统工艺美术解决了现代工艺美术发展的瓶颈问题。
受到发展理念和艺术设计方法的制约，现代工艺美术在发展中遇到了瓶颈。
通过对传统工艺美术的了解以及吸取传统工艺美术的优点，现代工艺美术发展的瓶颈问题迎刃而解。
五、结束语
通过本文的分析可知，传统工艺美术在工艺美术发展史上有重要地位。
基于对传统工艺美术的了解，传统工艺美术不但具有发展历程长的特点，同时也具有重要的历史地位和应用价值，并且在新时代表现出了一定的新价值，对当代工艺美术的发展产生了重要影响。
因此，应立足传统工艺美术发展实际，认真分析传统工艺美术的新价值，为当代工艺美术发展提供有力支持，保证当代工艺美术能够吸取传统工艺美术优点，提高工艺美术的发展质量。
参考文献：
[1]聂爱文.民族民间传统工艺的特点[j].广西民族学院学报(自然科学版)，(03).
[2]王茜，白京兰，夏晨茹.西部少数民族口传与非物质文化传承及发展的几点思考[j].中央民族大学学报(哲学社会科学版)，2014(03).
[3]朱霞，李晓岑.白族的手工造纸[j].云南社会科学，2014(06).
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[5]聂爱文.民族民间传统工艺的特点[j].广西民族学院学报(自然科学版)，2014(03).
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有关美术毕业论文范文二：陈设艺术营造中传统工艺美术影响
【内容摘要】文章指出，将传统工艺美术的造型及理念融入到现代陈设艺术中，有利于设计师创作出具有典型传统人文意境的陈设作品。
当代陈设艺术只有根植于传统文化，对工艺美术的诸多元素进行挖掘与再创造，融入现代人的生活方式，积极探索新的艺术形式，才能真正创造出既拥有本民族文化特征，又能被国际社会广泛认同的陈设艺术精品。
【关键词】陈设艺术;工艺美术;传统文化;意境
在王国维《人间词话》一书中，开篇就讲到“境界”一词。
可以说，“境界”是这本书的核心。
作者不仅把其视为创作原则，更把其当作批评标准。
该书中作者论断诗词的演变、评价词人的得失、作品的优劣、词品的高低，均从“境界”出发。
如果说“境界”是从精神层面来描述的一种个体差异化情感，那么“意境”一词恰好可以与之对等，可以用来描述文艺作品或自然景象中所表现出来的情调和氛围。
诗词的评价侧重于人的精神世界，而艺术设计这种实用艺术的评价侧重于对物(设计对象)本身的描述。
笔者把“意境”一词引入到对陈设艺术的评价中来，借以阐述传统工艺美术对其主流价值体系的认知和表达，是系统研究陈设艺术重要的切入点，也是对弘扬中国传统工艺美术的一种方式。
一、意境营造是陈设艺术发展的成熟标志
意境的本质特征是生命的律动，即展示生命本身的美。
在中华民族传统的审美心理结构中，是把宇宙境界与艺术意境视为浑然一体的同构关系。
由于宇宙本身就是一种生命形式，设计师对宇宙境界的体验就是一种生命律动的体验，而意境恰恰就是这种生命律动的表现，可以说，艺术意境本质上就是一种心理现象。
借唐代诗人王昌龄所提出的诗学“三境”，笔者试图在物境、情境和意境上来阐述和评价传统工艺美术对于陈设艺术意境营造的影响及其意义。
美术论文题目篇六
国 籍： 中国
民 族： 汉族
目前住地： 广州
户 籍 地： 福建
婚姻状况： 未婚
年 龄： 23
身 材： 168 cm 65 kg
联系电话： 158
求职意向及工作经历
人才类型： 普通求职
应聘职位： 广告创意专员、平面设计师、包装设计
工作年限： 3
职 称： 初级
求职类型： 均可
可到职日期： 随时
月薪要求： 3000元
希望工作地区： 广州
工作经历
公司名称： 广州xxxx文化公司
起止年月： -02 ～ -08
公司性质： 民营企业
所属行业： 广告/媒体
担任职务： 项目总监
工作描述： 全程主持负责项目的创意、设计及完稿输出工作，并对团队成员进行相应的专业指导和培训。
离职原因： 谋求个人发展
公司名称： 广州澜临企业顾问有限公司
公司性质： 民营企业
所属行业： 公关/市场推广/会展
担任职务： 项目主持设计师
工作描述： 主持负责团队圆满完成企业cis项目的创意、设计及完稿输出工作，并对团队成员进行相应的专业指导和培训。
离职原因： 谋求个人发展
教育背景
毕业院校： 厦门大学
最高学历： 本科
所学专业： 美术学 第二专业： 教育学
语言能力
外 语： 英语 一般
国语水平： 优秀
粤语水平： 一般
工作能力及其他专长
1、美术学科班出身，具备系统、扎实的美术及计算机等相关专业知识;熟练使用(pc机)各类相关设计软件。
2、具备深厚的美术平面设计功底，强烈的创作欲望，画面表现力强，较高的艺术修养。
4、熟悉品牌事件营销，精于策略、长于创意、指导表现、把控设计和完稿。
5、对企业视觉系统(vis) 有较全面的了解及相关的工作经验，曾参与多家企业的企业识别系统的策划设计工作。
6、能够承受较强的工作压力，沟通能力强，热衷于激发团队创作热情，带领团队出色完成创作任务。
7、良好的提案能力和沟通技巧、具备整合广告策略及创造力，准确地把握客户需求。
个人自传
有扎实的基础和审美眼光，对平面设计、包装设计有独特的思维能力。娴熟操作photoshop，coreldraw， illustrator,indesin等多种平面软件。熟悉摄影、喷画、印刷工艺、输出流程,喷画材料等。
优秀的创意，坚持不懈的创作激情，能独立完成各项设计工作，独挡一面，愿比别人付出更多。
严格要求自己，待人热情，能吃苦耐劳，沟通，协调能力强;对vi，产品包装，画册等终端宣传品的设计理念，创意有深刻的理解与感悟。
美术论文题目篇七
美术是一门艺术，我们通过一幅画可以看出创作者的心情。
画像文字，一幅画或几幅画可以表达一段故事，也可以表达一种情感。
美术作品给人们的生活带来了几分情趣。
我们美术教师本身就是一个美的使者，在教学的同时带给学生美的体验，让他们感受到生活的正能量，提高学生的美术素养。
美术又不同于其他文化学科，教师在美术教学中，要引导学生放松心情，促使学生充分发挥想象力。
一、作画教学要体现开放性
1.开放题目
小学美术教学的主要目标不是看学生画了多少画，而是要培养学生的学习兴趣，最大限度地开发他们的潜能，促使他们充分发挥想象力。
但是，就目前的美术教学来说，很多教师在教学时态度不端正，只是一味地让学生模仿画画，一节课的时间在不断的重复中消逝。
长此以往，学生就会产生一种错误的认识，认为画画就是谁画得像，谁就是最棒的，于是他们在模仿的过程中，不断地修改自己的作品。
这样的作品顶多是复制品，没有一丝一毫的想象力可言。
并且，在这样的教学模式中，学生会觉得美术学习非常枯燥乏味，从而失去学习美术的兴趣。
所以，为了培养学生的想象力和创造力，教师应开放题目，只提出几个简单的要求，让学生结合自己的生活经验，自由发挥自己的想象力，画出自己内心最真实的想法。
2. 留足时间
和其他学科一样，一节美术课的时间是40分钟，这点时间对学生来说可能还不够用。
小学生如果在一节课中真正地沉浸在想象的世界中，会有很多想法要表达，有很多要说的、要画的，如果教师在课堂结束时“一刀切”，要求学生把作品上交，学生可能还有很多想要表达的却没来得及表达出来，会留下很多遗憾。
如果教师对学生的作品进行评价，也会带有一些片面性。
所以，教师应给学生留足时间，不强迫学生在一节课内必须把画作完，而是允许学生根据自己的情况，把未完成的作品带回家，或者下节课继续完成，让他们创作出一个完整的作品，这样有利于学生潜能的开发。
3. 开放场所
在学校中，教室虽然是主要的学习场所，但并不是唯一的学习场所。
有时候，学生在教室里进行美术学习会感到有一些束缚，比如，表达形象的实物是美术课的任务之一，但是这些实物只在教材上出现，学生在观察时会受到角度上的限制，导致学生想象的空间大大缩小。
我们可以开放场所，把学习场所搬到教室外，让学生接触真正的实物。
例如，我们到校园的`水果树园去画一个石榴。
学生从不同的角度对石榴进行观察，就会画出更加逼真的画。
二、作画教学过程中降低对学生的绘画要求
创意作画的本意是让学生进行创造性的作画，就是让学生按自己的想法创作，更多的是表达自己的想法。
当然，每一种专业的学习都会有一定的专业要求，美术也不例外。
在美术教学中，对学生提出必要的要求，能提高学生的作画水平。
但是，小学生的年龄较小，他们的美术积累较少，笔者认为，在小学美术教学中，我们不要给学生高规格的要求。
美术新课程标准也指出，美术教学要以培养学生的美术兴趣为主要目的，教师更多的是给学生以启发，引领学生体验到美术的自由、想象、创意，从而使学生感受到美术学习的快乐。
三、合理评价学生的作品，提高学生的学习热情
很多教师在评价学生的作品和学习情况时，会采用分数或等级的形式。
学生很容易认为分数高、等级高就是画得好，至于作品好在哪里就不知道了。
这种教学评价方式有一定的局限性，因为教师评价作品的眼光和学生是不一样的，教师有自己的评价标准，而学生在创造作品时，更多的是表达自己的思想，与教师无关。
但是，学生又认为教师的评价是最权威的，于是产生一种隐形的矛盾。
所以，教师在评价学生的作品时，要根据学生的心理特点和基础水平进行合理的评价，摒弃“一刀切”的评价方式，可以运用谈话的方式，和学生一起探讨他们为什么要这样画，画中表达了什么样的思想;也可以给学生提出合理的建议，让学生做适当的修改。
学生在教师的引导下会以更饱满的热情投入创作之中，创作出高质量的作品。
总之，小学美术引领学生探索艺术，是学生对艺术产生兴趣的开端。
美术教师在教学中要保持学生的纯真和自然，让学生的美术作品有灵魂，让画画真正成为学生生活的一部分。